海岸線の向こう 〜ポルトガル・ギンショ海岸から〜 [gillman*s Lands]
海岸線の向こう 〜ポルトガル・ギンショ海岸から〜
■ …それについては、檀一雄がサンタクルスから十六歳の娘のふみに宛てた手紙の中に記されている。
ふみ様
そらがカラッポになってしまって、空気さえ無いみたいな太陽ばかりが光り輝いています。砂浜が十キロばかり続いているから、そこを走り、泳ぐだけです。素敵な奥座敷が見つかり、その奥座敷で、(ドイツで買った三百円の)魔法瓶のお茶を飲むのが、うれしく、そこから三方に広がる大西洋を見下ろすのは、愉快を通り越しています。そこで、奥座敷の近所に海小屋を作れば、ペニシの風車小屋と、合わせて二軒。亡命するのに充分だろう、と、一人で悦に入っています。今はメロンと洋梨と葡萄と無花果の出盛りで、大メロン一個六十円(日本円換算)大瓜一個八十円の見当です。肉がバカみたいに安く、ふみも、父の小間使いになって、ここへ亡命してみたらどうですか。毎日西瓜(またはメロン)一個、大ビフテキ一枚支給します。 父
そして、その手紙には、最後に「牛の津奥座敷景観」と記されたスケッチが描かれている。崖の上には「奥座敷二十畳岩」という岩が描かれ、その端の小高い部分が「父玉座」と記されている。…
(「一号線を北上せよ」鬼火より/ 沢木耕太郎 講談社)
リスボンから車で西に４０分くらい行った所にカスカイス(Cascais)という町がある。そこから少し山の中に入った王室の離宮のあるシントラ(Sintra)あたりまではシントラ・カスカイス自然公園と言って自然豊かな地域になっている。その地区の海っぷちにポツンと一軒のホテルが建っている。
そこは17世紀にポルトガルがスペインのハプスブルク家によって支配された時代(60年間)に海の要塞として造られた建物で、今はラグジュアリーホテルとミシュランの星付きレストラン「フォルタレーザ・ド・ギンショ(Fortaleza Do Guincho)」になっている。ギンショというのはそこの海岸の名前で、サーフィンもできる海岸線がずっと続いている。建物はその海岸の崖の上に建っておりレストランの窓からは北大西洋の海を見渡すことができる。
窓越しに視界いっぱいに広がる海の水平線を目で追ってゆくと遥か右の方に岬が見えるのだけれど、そこがユーラシア大陸最西端と言われるロカ岬だ。そのロカ岬の向こうに日本の小説家、檀一雄が一年余り滞在して「火宅の人」を書き上げた小さな村サンタクルス村がある。
サンタクルス村で彼は一軒の家を借り家政婦を雇って、彼の言葉を借りれば「天と地と私が鼎談(ていだん)できる所」で暮らしながら作品を書いた。時には村人を家に呼んで土地の材料を使って彼得意の料理を振る舞ったらしい。もちろん逆に彼が土地の料理を教わったということもあるだろう。
のちに新聞の連載をまとめて出した彼の単行本「檀流クッキング」という本の中に、干ダラのコロッケ(バステーシュ・ド・バッカロウ)が出ているが、これは彼がこの時サンタクルス村で憶えたものらしい。
■ ポルトガルにやって来て、あちこちおよばれに出かけてゆく。例えば誕生祝だとか、何だとか…。するとまったく例外なしに「コジドー」と「バステーシュ・ド・バッカロウ」というご馳走が出される。「コジドー」というのは「煮る」ということで、煮物は何でも「コジドー」のはずだが、しかし客を呼んで「コジドー」といったら、大体様式がきまっている。…
…「バステーシュ・ド・バッカロウ」は、干ダラとジャガイモとタマネギを卵でつなぎ、パセリを散らしながら揚げ物にした至極簡単な料理であって、これなら、はなはだ日本人向きだ。殊更「馬鹿野郎のバステーシュ」と聞こえるから、みなさんも、せいぜい馬鹿野郎(干ダラ)を活用して、愉快なポルトガル料理を作ってみるがよい。子供のオヤッによろしく、また酒のサカナに面白い。…
(「檀流クッキング」冬から春へより/ 檀一雄 中公文庫)
沢木耕太郎は檀一雄について「檀」と言う小説を書いているけど、その沢木がサンタクルス村を訪れた際の紀行文が「一号線を北上せよ」の中の「鬼火」と言う章に載っている。彼がそこを訪れた時には沢木は既に「檀」を書き上げて出版もされていた。檀一雄はサンタクルス村から日本に戻って四年ほどで肺がんでこの世を去っていた。沢木にとってこのサンタクルス村の訪問は言わば彼と檀一雄との関係の総仕上げのようなものだったようだ。
レストランの外の崖に張り出したテラスに立ってゆっくりと水平線の端から端まで眺めた。この海岸線を右へ何処までも辿ればサンタクルス村に行き着く。左に目を移してその海岸線を、何処までも何処までも辿って行けばジブラルタル島の見えるスペインの想い出深い、懐かしい街アルヘシーラスにたどり着く。恐らくはもう二度と訪ねることの無いあの土地の匂いとあの時の陽の光を思い浮かべたら少し胸が苦しくなった。
*干ダラのコロッケはポルトのフレイショ通りの店で食べました。その時は写真(下の写真左)の様な小ぶりなものでしたが、スーパーあたりで売っているのをみると、ひと口では食べきれないような大きなものもありました。檀一雄はその本の中で、
…さて、スプーン二本を左右の手に持ち、こね合わせたすり身をすくって、約五、六センチ長さの、三面の、稜を持った紡錘状の団子を作る。これが、娘達の自慢であって、日本の自称大家もシャペウ(シャッポ)を脱いだ。植物油でむらなく揚げれば、終わりである。 (「檀流クッキング」冬から春へ/ 檀一雄 中公文庫)
と、こちらの方が素朴で美味そうですねぇ。
**その時一緒に食べたのが、檀もきっと食べただろう「タコ飯」と「タコの天ぷら」(下の写真中)でした。タコ飯は一見赤飯のようですが、この色はタコから出た色のようです。どちらもタコが本当に柔らかくて、今まで食べたタコ料理の中でもピカイチでした。ちょっと日本人の口には塩分が濃すぎるかもしれませんが、こちらではそうなのかもしれません。
***ギンショのレストランで、檀一雄が同じ名前だと言ってそればかりを飲んでいたらしいのですが、ダン・ワイン(下の写真右)という赤ワインを飲みましたが、どっしりとした味の美味しいワインでした。ダンワインというのは銘柄の名前ではなくてポルトガルの中央部のダン川流域のダン地区でできたワインで、ポルトガルを通じて日本人が初めて口にしたワインはもしかしたらこのダンワインだったのかもしれません。
…つづく
■ …それについては、檀一雄がサンタクルスから十六歳の娘のふみに宛てた手紙の中に記されている。
ふみ様
そらがカラッポになってしまって、空気さえ無いみたいな太陽ばかりが光り輝いています。砂浜が十キロばかり続いているから、そこを走り、泳ぐだけです。素敵な奥座敷が見つかり、その奥座敷で、(ドイツで買った三百円の)魔法瓶のお茶を飲むのが、うれしく、そこから三方に広がる大西洋を見下ろすのは、愉快を通り越しています。そこで、奥座敷の近所に海小屋を作れば、ペニシの風車小屋と、合わせて二軒。亡命するのに充分だろう、と、一人で悦に入っています。今はメロンと洋梨と葡萄と無花果の出盛りで、大メロン一個六十円(日本円換算)大瓜一個八十円の見当です。肉がバカみたいに安く、ふみも、父の小間使いになって、ここへ亡命してみたらどうですか。毎日西瓜(またはメロン)一個、大ビフテキ一枚支給します。 父
そして、その手紙には、最後に「牛の津奥座敷景観」と記されたスケッチが描かれている。崖の上には「奥座敷二十畳岩」という岩が描かれ、その端の小高い部分が「父玉座」と記されている。…
(「一号線を北上せよ」鬼火より/ 沢木耕太郎 講談社)
リスボンから車で西に４０分くらい行った所にカスカイス(Cascais)という町がある。そこから少し山の中に入った王室の離宮のあるシントラ(Sintra)あたりまではシントラ・カスカイス自然公園と言って自然豊かな地域になっている。その地区の海っぷちにポツンと一軒のホテルが建っている。
そこは17世紀にポルトガルがスペインのハプスブルク家によって支配された時代(60年間)に海の要塞として造られた建物で、今はラグジュアリーホテルとミシュランの星付きレストラン「フォルタレーザ・ド・ギンショ(Fortaleza Do Guincho)」になっている。ギンショというのはそこの海岸の名前で、サーフィンもできる海岸線がずっと続いている。建物はその海岸の崖の上に建っておりレストランの窓からは北大西洋の海を見渡すことができる。
窓越しに視界いっぱいに広がる海の水平線を目で追ってゆくと遥か右の方に岬が見えるのだけれど、そこがユーラシア大陸最西端と言われるロカ岬だ。そのロカ岬の向こうに日本の小説家、檀一雄が一年余り滞在して「火宅の人」を書き上げた小さな村サンタクルス村がある。
サンタクルス村で彼は一軒の家を借り家政婦を雇って、彼の言葉を借りれば「天と地と私が鼎談(ていだん)できる所」で暮らしながら作品を書いた。時には村人を家に呼んで土地の材料を使って彼得意の料理を振る舞ったらしい。もちろん逆に彼が土地の料理を教わったということもあるだろう。
のちに新聞の連載をまとめて出した彼の単行本「檀流クッキング」という本の中に、干ダラのコロッケ(バステーシュ・ド・バッカロウ)が出ているが、これは彼がこの時サンタクルス村で憶えたものらしい。
■ ポルトガルにやって来て、あちこちおよばれに出かけてゆく。例えば誕生祝だとか、何だとか…。するとまったく例外なしに「コジドー」と「バステーシュ・ド・バッカロウ」というご馳走が出される。「コジドー」というのは「煮る」ということで、煮物は何でも「コジドー」のはずだが、しかし客を呼んで「コジドー」といったら、大体様式がきまっている。…
…「バステーシュ・ド・バッカロウ」は、干ダラとジャガイモとタマネギを卵でつなぎ、パセリを散らしながら揚げ物にした至極簡単な料理であって、これなら、はなはだ日本人向きだ。殊更「馬鹿野郎のバステーシュ」と聞こえるから、みなさんも、せいぜい馬鹿野郎(干ダラ)を活用して、愉快なポルトガル料理を作ってみるがよい。子供のオヤッによろしく、また酒のサカナに面白い。…
(「檀流クッキング」冬から春へより/ 檀一雄 中公文庫)
沢木耕太郎は檀一雄について「檀」と言う小説を書いているけど、その沢木がサンタクルス村を訪れた際の紀行文が「一号線を北上せよ」の中の「鬼火」と言う章に載っている。彼がそこを訪れた時には沢木は既に「檀」を書き上げて出版もされていた。檀一雄はサンタクルス村から日本に戻って四年ほどで肺がんでこの世を去っていた。沢木にとってこのサンタクルス村の訪問は言わば彼と檀一雄との関係の総仕上げのようなものだったようだ。
レストランの外の崖に張り出したテラスに立ってゆっくりと水平線の端から端まで眺めた。この海岸線を右へ何処までも辿ればサンタクルス村に行き着く。左に目を移してその海岸線を、何処までも何処までも辿って行けばジブラルタル島の見えるスペインの想い出深い、懐かしい街アルヘシーラスにたどり着く。恐らくはもう二度と訪ねることの無いあの土地の匂いとあの時の陽の光を思い浮かべたら少し胸が苦しくなった。
*干ダラのコロッケはポルトのフレイショ通りの店で食べました。その時は写真(下の写真左)の様な小ぶりなものでしたが、スーパーあたりで売っているのをみると、ひと口では食べきれないような大きなものもありました。檀一雄はその本の中で、
…さて、スプーン二本を左右の手に持ち、こね合わせたすり身をすくって、約五、六センチ長さの、三面の、稜を持った紡錘状の団子を作る。これが、娘達の自慢であって、日本の自称大家もシャペウ(シャッポ)を脱いだ。植物油でむらなく揚げれば、終わりである。 (「檀流クッキング」冬から春へ/ 檀一雄 中公文庫)
と、こちらの方が素朴で美味そうですねぇ。
**その時一緒に食べたのが、檀もきっと食べただろう「タコ飯」と「タコの天ぷら」(下の写真中)でした。タコ飯は一見赤飯のようですが、この色はタコから出た色のようです。どちらもタコが本当に柔らかくて、今まで食べたタコ料理の中でもピカイチでした。ちょっと日本人の口には塩分が濃すぎるかもしれませんが、こちらではそうなのかもしれません。
***ギンショのレストランで、檀一雄が同じ名前だと言ってそればかりを飲んでいたらしいのですが、ダン・ワイン(下の写真右)という赤ワインを飲みましたが、どっしりとした味の美味しいワインでした。ダンワインというのは銘柄の名前ではなくてポルトガルの中央部のダン川流域のダン地区でできたワインで、ポルトガルを通じて日本人が初めて口にしたワインはもしかしたらこのダンワインだったのかもしれません。
…つづく
gillman*s memory ナンシー関
I remember...
…「やあ、みんな。テレビからは悪い電波がでているから、見るとばかになるぞ。てなわけで、はじめましてナンシー関と申します。どうでもいいかそんなことは。きょうは、そのばかの元凶であるテレビのお話をしたい。ポップティーンというのは、将来ある若い娘さんに人気の雑誌と聞いた。若者よ、ばかを恐れるな。ばかになるけどテレビを見よう。テレビは全然これっぽっちも役に立たないけどおもしろいぞ。何いってんだかなあ。 とにかく、私はナンシーと名乗ってはいるが立派な社会人である。そして普通、立派な社会人というのはそんなにテレビを見ないものであるが、私は一日に15時間くらいテレビを見ている。そこできょうは、ばかになりにくいテレビの見方を教えるとする」… (「Popteen」89年7月号 河出書房『ナンシー関』より)
ぼくはテレビが好きだ。というよりは、好きだったと言ったほうがいいかもしれない。昔、広告宣伝の担当をやっていたこともあって一度に二画面のテレビを見ていた時代もあった。かと言ってテレビの裏側が知りたいとか、特定の芸能人などに関心があったわけでもなかった。ただ、テレビの向こう側に流れてゆく時代の風景といったものが何となく好きで、列車の窓から外の景色を見るようにテレビを見ていた。
テレビは今や娯楽だけではなく、ニュースやワイドショーの形でぼくらの意見形成と世界観に大きな影響を与えている。政治や文化の面などで、どんな世論調査をしたってテレビの報道の方向を逸脱して意外なものがでてくることはない。それはテレビが大衆の要望や意見をとらえて番組を作っていいるからだというが、本当にそうだろうか。
今、テレビは下らないと一蹴して活字やインターネットの世界に転ずる方法もある。しかし茶の間のテレビは今やネットを飲み込み、世界中の番組までリアルタイムで家庭に届くメディアとして蘇ろうとしている。だからどうということはないのだが、ぼく自身は自分のテレビの見方をもう一度考えようと思っている。といっても眉間に皺を寄せて難しいことを考えるわけではない。要は、どうしたらもっと面白く見られて、そして騙されないか、ということだ。
ナンシー関はもういない。消しゴム版画家という一風変わった技能を引っさげて登場した彼女の真骨頂は、消しゴムのスタンプに定着された数々の芸能人などの顔と同時に、コラムを通じて発揮される彼女の「見抜く力」だということに世間が気がつくのにさして時間はかからなかった。
ナンシー関の凄さはテレビという得体の知れないものを、最後までブラウン管のこちら側から見つめ続けたことだ。テレビ界の業界人にはならず、ましてやタレントにもならずひたすらウオッチャーとしてテレビを見つめ続けた。だから彼女のコラムにはぼくらの知らない芸能界の裏話なんかは出てこない。全てはぼくらと同じように彼女の目の前のブラウン管の中で展開されていたことだ。
ナンシー関は言う。
わたしは「顔面至上主義」を謳う。見えるものしか見ない。しかし目を皿のようにして見る。そして見破る。
芸能人と呼ばれるものが実は「芸能界人」であり、芸ではなくテレビの中では己の性格を商品として売っていることが彼女のスタンプやコラムを通じて浮き彫りにされてゆく。
テレビに載った情報は全て仕組まれている。情報を送り出す側がいる限りそれは仕方のないことだ。ナンシーはそれを承知の上で見ている。目を皿のようにして見ている。そして何が仕組まれているか見破る。オリンピックが始まる前から「感動をありがとう!」なんというサブタイトルのついた番組があれば、たちまちナンシー関の格好の餌食にされたはずだ。
ぼくは今まで、ぼくのような普通の人間が自分の周りのありふれた情報から何が分かるかを考えようとしてきた。もちろん自分の足で見に行けるものは極力行って見るが、ぼくらは全ての情報の発生現場に立ち会うことはできない。また、世の中には多くの場合全く相反する情報も存在している。
結局、ぼくらのようなごく普通の人間が真実に近づいてゆくためには目を皿のようにして見、自分の感性に照らし合わせて考えるということを重ねてゆくしかないように思う。
ナンシー関はそれを大まじめに、かつ野次馬根性でやるとけっこう面白いよ、と教えてくれた。このナンシー関のまなざしは、きっとインターネットの世界でもっと必要になると思う。それこそ、ナンシーの最大の遺産かもしれない。
(2008/04/21 Ansicht05 記事より 一部割愛、加筆)
*この記事に対して当時ブログを通じてやり取りをしていた故天野祐吉さんがこんなコメントを寄せてくれていました。
「ナンシーはすごいですね。ぼくのところの雑誌にも、ずっと連載してもらってました。正直なところ、ぼくはあの人の眼力がこわかったです」
[ぼくの好きなナンシー本]
・ナンシー関(文春別冊)
・何だかんだと(角川文庫)
・何を根拠に(角川文庫)
・小耳にはさもう(朝日文庫)
・小さなスナック(文芸春秋)
・ナンシー関の「小耳にはさもう」FINAL CUT(朝日文庫)
[I remember…電子過去帳]
今年96歳になるウチのお袋は、毎朝「過去帳」を開いてその日の月命日の身内や知人にお経をあげている。年寄りの古臭い習慣かも知れないけれど、ぼくは好きだ。それを見るたびに自分がどれだけ、色んな人から縁を貰って生きながらえているかが実感出来るから。
お袋の過去帳ではなけれど、ぼくも自分のカレンダーに身内や知人の他にも好きな音楽家、歌手や作家、画家などの命日を書き込んでいる。そうすると、ぼくらは如何に過去の人達から多くの贈り物を貰っているかが感じられる。その日が近づくとちょっとその人の歌や作品について味わい直してみたくなる。(2016)
ナンシー関
(†2002年6月12日)
ナンシーの遺産
～わたしは見破る～
…「やあ、みんな。テレビからは悪い電波がでているから、見るとばかになるぞ。てなわけで、はじめましてナンシー関と申します。どうでもいいかそんなことは。きょうは、そのばかの元凶であるテレビのお話をしたい。ポップティーンというのは、将来ある若い娘さんに人気の雑誌と聞いた。若者よ、ばかを恐れるな。ばかになるけどテレビを見よう。テレビは全然これっぽっちも役に立たないけどおもしろいぞ。何いってんだかなあ。 とにかく、私はナンシーと名乗ってはいるが立派な社会人である。そして普通、立派な社会人というのはそんなにテレビを見ないものであるが、私は一日に15時間くらいテレビを見ている。そこできょうは、ばかになりにくいテレビの見方を教えるとする」… (「Popteen」89年7月号 河出書房『ナンシー関』より)
ぼくはテレビが好きだ。というよりは、好きだったと言ったほうがいいかもしれない。昔、広告宣伝の担当をやっていたこともあって一度に二画面のテレビを見ていた時代もあった。かと言ってテレビの裏側が知りたいとか、特定の芸能人などに関心があったわけでもなかった。ただ、テレビの向こう側に流れてゆく時代の風景といったものが何となく好きで、列車の窓から外の景色を見るようにテレビを見ていた。
テレビは今や娯楽だけではなく、ニュースやワイドショーの形でぼくらの意見形成と世界観に大きな影響を与えている。政治や文化の面などで、どんな世論調査をしたってテレビの報道の方向を逸脱して意外なものがでてくることはない。それはテレビが大衆の要望や意見をとらえて番組を作っていいるからだというが、本当にそうだろうか。
今、テレビは下らないと一蹴して活字やインターネットの世界に転ずる方法もある。しかし茶の間のテレビは今やネットを飲み込み、世界中の番組までリアルタイムで家庭に届くメディアとして蘇ろうとしている。だからどうということはないのだが、ぼく自身は自分のテレビの見方をもう一度考えようと思っている。といっても眉間に皺を寄せて難しいことを考えるわけではない。要は、どうしたらもっと面白く見られて、そして騙されないか、ということだ。
ナンシー関はもういない。消しゴム版画家という一風変わった技能を引っさげて登場した彼女の真骨頂は、消しゴムのスタンプに定着された数々の芸能人などの顔と同時に、コラムを通じて発揮される彼女の「見抜く力」だということに世間が気がつくのにさして時間はかからなかった。
ナンシー関の凄さはテレビという得体の知れないものを、最後までブラウン管のこちら側から見つめ続けたことだ。テレビ界の業界人にはならず、ましてやタレントにもならずひたすらウオッチャーとしてテレビを見つめ続けた。だから彼女のコラムにはぼくらの知らない芸能界の裏話なんかは出てこない。全てはぼくらと同じように彼女の目の前のブラウン管の中で展開されていたことだ。
ナンシー関は言う。
わたしは「顔面至上主義」を謳う。見えるものしか見ない。しかし目を皿のようにして見る。そして見破る。
芸能人と呼ばれるものが実は「芸能界人」であり、芸ではなくテレビの中では己の性格を商品として売っていることが彼女のスタンプやコラムを通じて浮き彫りにされてゆく。
テレビに載った情報は全て仕組まれている。情報を送り出す側がいる限りそれは仕方のないことだ。ナンシーはそれを承知の上で見ている。目を皿のようにして見ている。そして何が仕組まれているか見破る。オリンピックが始まる前から「感動をありがとう!」なんというサブタイトルのついた番組があれば、たちまちナンシー関の格好の餌食にされたはずだ。
ぼくは今まで、ぼくのような普通の人間が自分の周りのありふれた情報から何が分かるかを考えようとしてきた。もちろん自分の足で見に行けるものは極力行って見るが、ぼくらは全ての情報の発生現場に立ち会うことはできない。また、世の中には多くの場合全く相反する情報も存在している。
結局、ぼくらのようなごく普通の人間が真実に近づいてゆくためには目を皿のようにして見、自分の感性に照らし合わせて考えるということを重ねてゆくしかないように思う。
ナンシー関はそれを大まじめに、かつ野次馬根性でやるとけっこう面白いよ、と教えてくれた。このナンシー関のまなざしは、きっとインターネットの世界でもっと必要になると思う。それこそ、ナンシーの最大の遺産かもしれない。
(2008/04/21 Ansicht05 記事より 一部割愛、加筆)
*この記事に対して当時ブログを通じてやり取りをしていた故天野祐吉さんがこんなコメントを寄せてくれていました。
「ナンシーはすごいですね。ぼくのところの雑誌にも、ずっと連載してもらってました。正直なところ、ぼくはあの人の眼力がこわかったです」
[ぼくの好きなナンシー本]
・ナンシー関(文春別冊)
・何だかんだと(角川文庫)
・何を根拠に(角川文庫)
・小耳にはさもう(朝日文庫)
・小さなスナック(文芸春秋)
・ナンシー関の「小耳にはさもう」FINAL CUT(朝日文庫)
[I remember…電子過去帳]
今年96歳になるウチのお袋は、毎朝「過去帳」を開いてその日の月命日の身内や知人にお経をあげている。年寄りの古臭い習慣かも知れないけれど、ぼくは好きだ。それを見るたびに自分がどれだけ、色んな人から縁を貰って生きながらえているかが実感出来るから。
お袋の過去帳ではなけれど、ぼくも自分のカレンダーに身内や知人の他にも好きな音楽家、歌手や作家、画家などの命日を書き込んでいる。そうすると、ぼくらは如何に過去の人達から多くの贈り物を貰っているかが感じられる。その日が近づくとちょっとその人の歌や作品について味わい直してみたくなる。(2016)
(June 2017 revised)
gillman*s Museum ソール・ライター展
■Museum of the Month
[感想メモ]
写真家ソール・ライターのドキュメンタリー映画「急がない人生で見つけた13のこと」のDVDを見たのは旅行から帰ってきて疲れのためか一週間ほど寝込んでしまいベッドの上で時間を持て余していたからだ。そもそも彼の写真に興味を持ったのは彼のキャリアの中であのファッション誌「ハーパース・バザー」の表紙を飾った時期があるというのを知ったからだ。
「ハーパース・バザー」といえばあのカッサンドルのイラストも一時期表紙を飾ったこともあり、その美的センスは時代の先端を行っていた時もある。確かにライターのバザー誌の表紙は都会的で垢抜けている、しかし彼の本領はやっぱり日常を鋭い感覚で切り取った写真にあるような気がする。
大胆な構図、絵画的色彩、そこには画家としての、そして生活者としてのライターの目が活きている。図録に解説を載せているP.ヴェルマールはライターを称して「ニューヨークのナビ派」と表現したけれど、それは巧い言い方だと思う。ライター自身はこう言っている。「私が写真を撮るのは自宅の周辺だ。神秘的なことは馴染み深い場所でおきると思っている。なにも、世界の裏側まで行く必要はないんだ」*
それはぼくにとって馴染み深いアンドリュー・ワイエスやエドワード・ホッパーさらにはヴィルヘルム・ハンマースホイの世界とも通底していると思う。会場には僅かだがライターの描いた絵も展示されている。その柔らかな色彩感覚は写真集「アーリー・カラー」の色彩に通じている。ライターは数年前に亡くなったが、退蔵された作品が多数あるので今後も新しい写真集がでる可能性もあり楽しみだ。
*I take photographs in my neighborhood. I think that mysterious things happen in familiar places. We don't always need to run to the other end of the world.
[ソール・ライター展 My Best 5]
①天蓋/1958(No.148)…縦長の写真の上三分の二が真っ黒な天蓋で覆われている、その向こうにニューヨークの街の歩道の遠景がかすんでいる。なんとも大胆な構図なのだけども、きっとライターがこの写真のシャッターを押すとき彼の頭には広重の構図が浮かんでいたのではないかとぼくは勝手に思っている。彼は浮世絵や日本画の熱心な研究家だったからあながち的外れなことではないかもしれない。
②タクシー/1957(No.111)…すれ違う車の中からのショットらしいが、この写真の醍醐味は画面を覆うちょっとくすんだ暖色系の色彩だ。この色合いがシュタイデル社から出された彼の最初の写真集「アーリー・カラー」の底流に流れている。
③足跡/1950(No.93)…画面を斜めに横切る雪に覆われた通りを赤い傘を指した人物が歩いてゆく。雪の上に点々と続く足跡の先に真っ赤な傘。ライターは雪のニューヨークの情景をよく撮っているがどれも抒情豊かでぼくは好きだ。降りしきる雪の中を郵便配達が行く光景の「郵便配達/1952(No.90)」も良かった。色彩と言いまるでノーマン・ロックウェルの絵画を見ているようだ。
④バス/1954(No.143)…歩道から目の前を通り過ぎてゆくバスの窓を一瞬見上げた刹那、うつむく男のシルエットが目に飛び込んでくる。都会の静寂と孤独を象徴しているようだ。バスの赤い車体がそれをやさしく受け止めている。
⑤バーバラ/1951(No.201)…ライターのモノクロのヌード写真がまた良い。どれもインティメートな関係を思わせるような写真だけれど、その中でもこのバーバラがとても良い。窓をすり抜けた光がバーバラの顔とはだけた胸にまとわりついている。ライターの撮った商業写真の女性像とは全く異なった一面を見せている。
[図録]ソール・ライターのすべて
307頁、2700円。厳密に言えば今回の展覧会のための図録ではないけれど、これを契機に出版されていると思う。シュタイデル社の写真集「アーリー・カラー」増し刷り分が5000円程度で売り出されているが、本図録にはその写真集の大半が収録されていることを考えると、お買い得だと思う。
[蛇足]
最近写真愛好家が増えたからか写真展も以前よりは客が入るようになったみたいな気がする。ぼくはどちらかと言えば絵画の方が好きなのだけれど、写真展でいつも感じるのは作品としての写真を楽しむ前に、これは何ミリのレンズで撮ったのだろうかとか、露出はとか、撮り方ばかりを気にする人が多いことだ。
個展などでは写真家本人が会場に控えていることもあるが、そんな時も撮影条件についてばかり質問しているような気がしている。自分の撮影時の参考にしたいのは分かるが、知り合いの写真家に聞いたら、その手の質問には正直ちょっとうんざりしているようだ。まずは、作品自体をじっくり味わう方が大事だとおもうのだけれど…。
ニューヨークが生んだ伝説
写真家ソール・ライター展
Bunkamuraザ・ミュージアム
2017年4月29日～6月25日
[感想メモ]
写真家ソール・ライターのドキュメンタリー映画「急がない人生で見つけた13のこと」のDVDを見たのは旅行から帰ってきて疲れのためか一週間ほど寝込んでしまいベッドの上で時間を持て余していたからだ。そもそも彼の写真に興味を持ったのは彼のキャリアの中であのファッション誌「ハーパース・バザー」の表紙を飾った時期があるというのを知ったからだ。
「ハーパース・バザー」といえばあのカッサンドルのイラストも一時期表紙を飾ったこともあり、その美的センスは時代の先端を行っていた時もある。確かにライターのバザー誌の表紙は都会的で垢抜けている、しかし彼の本領はやっぱり日常を鋭い感覚で切り取った写真にあるような気がする。
大胆な構図、絵画的色彩、そこには画家としての、そして生活者としてのライターの目が活きている。図録に解説を載せているP.ヴェルマールはライターを称して「ニューヨークのナビ派」と表現したけれど、それは巧い言い方だと思う。ライター自身はこう言っている。「私が写真を撮るのは自宅の周辺だ。神秘的なことは馴染み深い場所でおきると思っている。なにも、世界の裏側まで行く必要はないんだ」*
それはぼくにとって馴染み深いアンドリュー・ワイエスやエドワード・ホッパーさらにはヴィルヘルム・ハンマースホイの世界とも通底していると思う。会場には僅かだがライターの描いた絵も展示されている。その柔らかな色彩感覚は写真集「アーリー・カラー」の色彩に通じている。ライターは数年前に亡くなったが、退蔵された作品が多数あるので今後も新しい写真集がでる可能性もあり楽しみだ。
*I take photographs in my neighborhood. I think that mysterious things happen in familiar places. We don't always need to run to the other end of the world.
[ソール・ライター展 My Best 5]
①天蓋/1958(No.148)…縦長の写真の上三分の二が真っ黒な天蓋で覆われている、その向こうにニューヨークの街の歩道の遠景がかすんでいる。なんとも大胆な構図なのだけども、きっとライターがこの写真のシャッターを押すとき彼の頭には広重の構図が浮かんでいたのではないかとぼくは勝手に思っている。彼は浮世絵や日本画の熱心な研究家だったからあながち的外れなことではないかもしれない。
②タクシー/1957(No.111)…すれ違う車の中からのショットらしいが、この写真の醍醐味は画面を覆うちょっとくすんだ暖色系の色彩だ。この色合いがシュタイデル社から出された彼の最初の写真集「アーリー・カラー」の底流に流れている。
③足跡/1950(No.93)…画面を斜めに横切る雪に覆われた通りを赤い傘を指した人物が歩いてゆく。雪の上に点々と続く足跡の先に真っ赤な傘。ライターは雪のニューヨークの情景をよく撮っているがどれも抒情豊かでぼくは好きだ。降りしきる雪の中を郵便配達が行く光景の「郵便配達/1952(No.90)」も良かった。色彩と言いまるでノーマン・ロックウェルの絵画を見ているようだ。
④バス/1954(No.143)…歩道から目の前を通り過ぎてゆくバスの窓を一瞬見上げた刹那、うつむく男のシルエットが目に飛び込んでくる。都会の静寂と孤独を象徴しているようだ。バスの赤い車体がそれをやさしく受け止めている。
⑤バーバラ/1951(No.201)…ライターのモノクロのヌード写真がまた良い。どれもインティメートな関係を思わせるような写真だけれど、その中でもこのバーバラがとても良い。窓をすり抜けた光がバーバラの顔とはだけた胸にまとわりついている。ライターの撮った商業写真の女性像とは全く異なった一面を見せている。
[図録]ソール・ライターのすべて
307頁、2700円。厳密に言えば今回の展覧会のための図録ではないけれど、これを契機に出版されていると思う。シュタイデル社の写真集「アーリー・カラー」増し刷り分が5000円程度で売り出されているが、本図録にはその写真集の大半が収録されていることを考えると、お買い得だと思う。
[蛇足]
最近写真愛好家が増えたからか写真展も以前よりは客が入るようになったみたいな気がする。ぼくはどちらかと言えば絵画の方が好きなのだけれど、写真展でいつも感じるのは作品としての写真を楽しむ前に、これは何ミリのレンズで撮ったのだろうかとか、露出はとか、撮り方ばかりを気にする人が多いことだ。
個展などでは写真家本人が会場に控えていることもあるが、そんな時も撮影条件についてばかり質問しているような気がしている。自分の撮影時の参考にしたいのは分かるが、知り合いの写真家に聞いたら、その手の質問には正直ちょっとうんざりしているようだ。まずは、作品自体をじっくり味わう方が大事だとおもうのだけれど…。
(May 2017)
gillman*s Museum Skagen派展
■Museum of the Month
[感想メモ]
特別展のシャセリオー展を見終わってからいつものように通常展示の方にも足を運んだ。そこではデンマークの芸術家村と銘打った「Skagen展」が行われていた。
実はぼくは昔買ったSkagenというブランドのデンマークの時計を持っているのだけれど、その名前はこの村の名前から来ているらしいのだが発音は「スケーエン」とか「スカーイェン」とか言うらしい。ぼくはずっと「スカーゲン」と読んでいた。
話を戻すと、スケーエンはちょうど南フランスのアルルやブルターニュのポン＝タヴァンの芸術家村のように多くの芸術家が住んだ小さな漁師町らしい。地図で見ると海に突き出た細い棒のような半島の突端に位置している。海を隔てて向こうはイェーテボリだ。
そこで戸外にキャンバスを持ち出して彼らが描いたものは印象派のきらめきのようなものではなく、海における漁師たちの姿やその土地に生きる人々の姿だった。デンマークというとぼくの大好きなヴィルヘルム・ハンマースホイを想起するけど、それともまた異なる世界だ。シャセリオー展だけ観て帰らなくてよかったぁ。後日、Skagen展だけを観に再度足を運んでしまった。
[Skagen展 My Best 5]
①ボートを漕ぎだす漁師たち(1881)/ミカエル・アンカー(No.02)
大型の画面で会場でもひときわ目を引く。荒れた海に船を漕ぎだす漁師たちの群像とそれを見守る村人たち。北欧の鈍色の空の下でこちらにも凍てつく海の水の冷たさが伝わってくるような漁師たちの足元。映画の一場面のような迫力のある構図。会場ではこの絵の隣に、これに先立って描かれた「奴は岬を回れるだろうか?(1880)」も展示されている。
その絵は言わばアンカーの出世作ともいうものだけれど、余りに評判が良すぎて王室が買い上げて今も所有しているため、展示されているのはスケーエン美術館が所有する彼による再制作バージョンのようだ。画面は小さいがこちらの絵もすばらしい。
②浜辺の白いボート、明るい夏の夕べ(1895)/ペーダー・セヴェリン・クロヤー(No.05)…夕暮れ時に空気が青味を増す時間帯「青い時」をクロヤーは何枚か描いている。遠景に漁から帰った漁師たちが描かれて近景には子供の手を引いて家路につく母子らしい姿。全てが青い空気に包まれている。何故かその光景がぼくの心に強く残った。
③戸外の説教(1903)/アンナ・アンカー(No.13)
アンナはミカエル・アンカーの妻で画家。アンナは他のスケーエンの画家が余り扱わなかった宗教的場面も扱っている。これは当時北欧で起こっていた宗教的復興運動「ホーム・ミッション」の説教の様子で、海辺の傾斜地の野原で漁師の妻たちが説教に聴き入っている。だが女達の眼差しは説教師よりも自らの内面を見つめているようだ。本展示で一番大きい作品かも知れない。
④ばら(1893)/ペーダー・セヴェリン・クロヤー(No.32)
一見フランス印象派の絵と見間違うような共通点をこの絵は持っている。画面いっぱいに咲き乱れる白いバラ、その向こうにデッキチェアで新聞を読む妻のマリーの姿が描かれている。彼女も画家なのだ。光が踊って幸福を絵に描いたような情景、でもその幸福の時はそう長くは続かなかった。やがてクロヤーはうつ病に悩まされ、妻のマリーは不倫の果てに相手の子供を身ごもり家庭は崩壊して行く。クロヤーは失意のうちに58歳の若さでこの世を去る。蜃気楼のような幸せの残像。
⑤スケーエンの漁師の肖像/ミカエル・アンカー(No.53)
Skagen展は二つの会場に分かれている。二階の吹き抜けホールから続くスペースといつもは版画が展示されている部屋の二ヶ所だ。小さな紙に水彩と鉛筆で描かれた帽子を被った漁師の横顔はハッとするほどリアルだ。ミカエルの力量がありありと分かる。自然を相手にしてきた海の男の誇りのようなものまで伝わってくる。この絵の筆致や雰囲気、何処かで見たなぁと思っていたけど、帰りの道すがら、あっあれは正にアンドリュー・ワイエスだと気がついた。
[図録]
157頁。1800円。構成は標準的なモノだけれど、気に入った絵があっても多分もう二度とはお目にかかれないと思うので…。
[蛇足]
デンマークの画家と言えばハンマースホイがいるが、北欧の画家は日本ではあまり馴染みがないので、こういう展覧会が常設展の一画で行われるというのはいかにも気の利いた素晴らしい企画だと思う。
そういえば2008年にいまだに忘れられない「ヴィルヘルム・ハンマースホイ 静かなる詩情」展が行われたのも、ここ西洋美術館だった。西洋美術館所蔵の彼の作品が今観覧ルートの一番最後におかれている。 また2015年に藝大美術館で行われたフィンランドの画家「ヘレン・シャルフベック 魂のまなざし」展も良い企画だった。
スケーエン派展
国立西洋美術館
2017年2月10日〜5月28日
[感想メモ]
特別展のシャセリオー展を見終わってからいつものように通常展示の方にも足を運んだ。そこではデンマークの芸術家村と銘打った「Skagen展」が行われていた。
実はぼくは昔買ったSkagenというブランドのデンマークの時計を持っているのだけれど、その名前はこの村の名前から来ているらしいのだが発音は「スケーエン」とか「スカーイェン」とか言うらしい。ぼくはずっと「スカーゲン」と読んでいた。
話を戻すと、スケーエンはちょうど南フランスのアルルやブルターニュのポン＝タヴァンの芸術家村のように多くの芸術家が住んだ小さな漁師町らしい。地図で見ると海に突き出た細い棒のような半島の突端に位置している。海を隔てて向こうはイェーテボリだ。
そこで戸外にキャンバスを持ち出して彼らが描いたものは印象派のきらめきのようなものではなく、海における漁師たちの姿やその土地に生きる人々の姿だった。デンマークというとぼくの大好きなヴィルヘルム・ハンマースホイを想起するけど、それともまた異なる世界だ。シャセリオー展だけ観て帰らなくてよかったぁ。後日、Skagen展だけを観に再度足を運んでしまった。
[Skagen展 My Best 5]
①ボートを漕ぎだす漁師たち(1881)/ミカエル・アンカー(No.02)
大型の画面で会場でもひときわ目を引く。荒れた海に船を漕ぎだす漁師たちの群像とそれを見守る村人たち。北欧の鈍色の空の下でこちらにも凍てつく海の水の冷たさが伝わってくるような漁師たちの足元。映画の一場面のような迫力のある構図。会場ではこの絵の隣に、これに先立って描かれた「奴は岬を回れるだろうか?(1880)」も展示されている。
その絵は言わばアンカーの出世作ともいうものだけれど、余りに評判が良すぎて王室が買い上げて今も所有しているため、展示されているのはスケーエン美術館が所有する彼による再制作バージョンのようだ。画面は小さいがこちらの絵もすばらしい。
②浜辺の白いボート、明るい夏の夕べ(1895)/ペーダー・セヴェリン・クロヤー(No.05)…夕暮れ時に空気が青味を増す時間帯「青い時」をクロヤーは何枚か描いている。遠景に漁から帰った漁師たちが描かれて近景には子供の手を引いて家路につく母子らしい姿。全てが青い空気に包まれている。何故かその光景がぼくの心に強く残った。
③戸外の説教(1903)/アンナ・アンカー(No.13)
アンナはミカエル・アンカーの妻で画家。アンナは他のスケーエンの画家が余り扱わなかった宗教的場面も扱っている。これは当時北欧で起こっていた宗教的復興運動「ホーム・ミッション」の説教の様子で、海辺の傾斜地の野原で漁師の妻たちが説教に聴き入っている。だが女達の眼差しは説教師よりも自らの内面を見つめているようだ。本展示で一番大きい作品かも知れない。
④ばら(1893)/ペーダー・セヴェリン・クロヤー(No.32)
一見フランス印象派の絵と見間違うような共通点をこの絵は持っている。画面いっぱいに咲き乱れる白いバラ、その向こうにデッキチェアで新聞を読む妻のマリーの姿が描かれている。彼女も画家なのだ。光が踊って幸福を絵に描いたような情景、でもその幸福の時はそう長くは続かなかった。やがてクロヤーはうつ病に悩まされ、妻のマリーは不倫の果てに相手の子供を身ごもり家庭は崩壊して行く。クロヤーは失意のうちに58歳の若さでこの世を去る。蜃気楼のような幸せの残像。
⑤スケーエンの漁師の肖像/ミカエル・アンカー(No.53)
Skagen展は二つの会場に分かれている。二階の吹き抜けホールから続くスペースといつもは版画が展示されている部屋の二ヶ所だ。小さな紙に水彩と鉛筆で描かれた帽子を被った漁師の横顔はハッとするほどリアルだ。ミカエルの力量がありありと分かる。自然を相手にしてきた海の男の誇りのようなものまで伝わってくる。この絵の筆致や雰囲気、何処かで見たなぁと思っていたけど、帰りの道すがら、あっあれは正にアンドリュー・ワイエスだと気がついた。
[図録]
157頁。1800円。構成は標準的なモノだけれど、気に入った絵があっても多分もう二度とはお目にかかれないと思うので…。
[蛇足]
デンマークの画家と言えばハンマースホイがいるが、北欧の画家は日本ではあまり馴染みがないので、こういう展覧会が常設展の一画で行われるというのはいかにも気の利いた素晴らしい企画だと思う。
そういえば2008年にいまだに忘れられない「ヴィルヘルム・ハンマースホイ 静かなる詩情」展が行われたのも、ここ西洋美術館だった。西洋美術館所蔵の彼の作品が今観覧ルートの一番最後におかれている。 また2015年に藝大美術館で行われたフィンランドの画家「ヘレン・シャルフベック 魂のまなざし」展も良い企画だった。
(Mar.2017)
gillman*s Museum カッサンドル展
■ Museum of the Month
[感想メモ]
ぼくはデザインのことは余り分からないのだけれど、それでも大好きなデザイナーが二人いる。一人は工業デザインの世界でレイモンド・ローウィ。大陸横断鉄道の機関車からタバコのパッケージまであらゆる分野のデザインを手がけた。日本のタバコのピースのあのロゴやラッキーストライクのロゴも彼によるものだ。
そしてもう一人がグラフィック・デザイナーであるこのカッサンドル。カッサンドルというのは本名ではないのだけれど、かなり早い時期からこの名前を使っている。彼のポスターはアール・デコの香りに溢れている。もし彼のポスターが今、街なかに飾られたらどんな写真のポスターよりも目を引くだろう。エネルギッシュでそれでいてどこか静謐だ。
カッサンドルの展覧会はたしか、1991年に東京都庭園美術館で、1995年に サントリー天保山(2010年閉館)で開かれているがぼくはどちらも見逃してしまった。それが今回埼玉県立近代美術館で開かれるというので喜び勇んで行ってみた。行ってみると予想以上の充実ぶりで嬉しい驚き。しかし、同時に殆ど人のいない閑散さに寂しさを感じた。平日ということもあるけどぼくが会場で目にした観客はたったの二人きり。
ここ埼玉県立近代美術館は以前ジャック=アンリ・ラルティーグの写真展で訪れて以来、折に触れて展覧会をチェックしているけど、結構いい企画のものがあったりして楽しみにしている美術館でもある。今回の展覧会は松本瑠樹氏のコレクションが中心だが、どれも素晴らしい状態。ポスターというよりリトグラフ展といった方が良いような雰囲気。そこにはカッサンドルのドキドキするような脈動感と、それでいて洒脱な、時にはセクシーでさえある彼の世界が広がっている。ぼくにとっては今年一押しの展覧会だった。会期中にもう一度訪れるつもり。
[カッサンドル展 My Best 5]
①ノルマンディー/1935(No.65)
当時最大、最速といわれたフランスの豪華客船ノルマンディー号のポスターで、カッサンドルの代表作の一つと言ってもいい作品。巨大客船を仰ぎ見るような角度から描いている。黒い船体の足元を飛ぶ小さなカモメの群れが船体の巨大さを物語っている。
ル・アーブルからニューヨークを四日で結んだフランス海運の意気込みとプライドを示すように実に堂々とダイナミックなポスターに仕上がっている。他と比べてもあまり大きなポスターではないのだけれど周りを威圧するように燦然と光り輝いていた。
②オ・ビュシュロン/1923(No.3)
会場を入るとすぐ巨大なポスターが目に飛び込んでくる。縦1メーター50、横は4メーター近い大きな画面に一人の男が斧を振り上げて木を切り倒している姿がVの字の画面構成でダイナミックに表現されている。オ・ビシュロンはパリの家具店で、このポスターがカッサンドルの事実上のデビュー作となった。
ル・コルビジェなどはこのデザインをこき下ろしたらしいが、当時のパリでは評判になったし、現代装飾美術・産業博覧会ではグランプリをとった。ぼくはこのポスターを前にしてこの構図をどこかで見たことがあると思った。家に帰って図録で調べてみたらそれはフェルディナント・ホドラーの描いた「木を伐る人」の構図とうり二つだった。そんなことはどこの解説書にも出ていないけれど人物の向きが逆ではあるけれどその躍動感のあるポーズは基本的には同じだ。ホドラーがその絵を描いたのは1910年でカッサンドルがこのポスターを描いたのは1923だから、どこかで一度目にしたことがあるのかもしれない。(ホドラーのこの絵は昔スイスの50フラン札の図柄に使われたことがある)
③ノール・エクスプレス/1927(No.17)
カッサンドルは乗り物の図案を多くポスターにしているが、これもその一つ。疾走する機関車をローアングルからとらえている。表現はアール・デコ独特の図形化された形でパーツを見ると機関車であるとは分からないけれど、全体を見れば疾走する機関車であることは一目瞭然である。
ダイナミックなスピード感と、このポスターでは特にカッサンドルが大事にしたタイポグラフィーが実に活き活きと効果的に使われている。このほかにもカッサンドルには機関車を扱った多くの素晴らしいポスターがあり、それらも会場には展示されている。
④リス・シャンティイ/1930(No.39)
カッサンドルにしては珍しい構図のポスターかもしれない。比較的小ぶりのサイズの画面全体が鮮やかな緑色で覆われている。それは木々の緑を表しているのだけれど、その真ん中にぽっかりと穴が開いておりそこから一軒の住宅の赤い屋根と白い壁がのぞいている。
これはパリの北にある、緑豊かな都市シャンティイに向かう鉄道のポスター。汽車も、線路も街並みも出てこない、だけどこのポスターを見ただけでそんな街にあこがれてしまう。なんとも心憎い演出のポスターだ。画面に大きく書かれたLYS CHANTILLYのタイポグラフィーも実に効果的で素敵だ。
⑤「ハーパース・バザー」の表紙デザイン/1936-37(No.85-1～20)
会場の最後の方に壁面に何枚もの絵が飾られている。それらはカッサンドルがファッション誌「ハーパース・バザー」の表紙を担当した時のものだ。期間的には3年くらいの間なのだが、その間カッサンドルはニューヨークに二度ほど長期滞在している。
そこで彼はダリやデ・キリコと知り合ってグラフィック・デザインからシュルレアリズムの肉筆画などに傾倒していったらしいのだが、それが果たして彼にとって幸いなことだったのか。というのもやがてグラフィック・デザインから離れ始めた彼は、新しい表現の模索に疲れたのか1968年6月17日にパリで拳銃自殺してしまう。まだ67歳だった。
[図録]
119頁。1800円。カッサンドルの日本語の画集は数も少なく、あってもたいてい高価なので中々手が出ないのだけれど、今回の図録は少なくとも展示作品は全て出ていて1800円というのは嬉しい。内容的には写真と主要作品の簡単な解説のみだが、それでもありがたいと思う。会場には1万8000円(税別)の画集が売っていたけれど、やっぱりそれにはちょっと手が出ないなぁ。
[蛇足]
沢木耕太郎の「深夜特急」の表紙にはこのカッサンドルの絵が使われています。
カッサンドル
・ポスター展
グラフィズムの革命
埼玉県立近代美術館
2017年2月11日～3月26日
[感想メモ]
ぼくはデザインのことは余り分からないのだけれど、それでも大好きなデザイナーが二人いる。一人は工業デザインの世界でレイモンド・ローウィ。大陸横断鉄道の機関車からタバコのパッケージまであらゆる分野のデザインを手がけた。日本のタバコのピースのあのロゴやラッキーストライクのロゴも彼によるものだ。
そしてもう一人がグラフィック・デザイナーであるこのカッサンドル。カッサンドルというのは本名ではないのだけれど、かなり早い時期からこの名前を使っている。彼のポスターはアール・デコの香りに溢れている。もし彼のポスターが今、街なかに飾られたらどんな写真のポスターよりも目を引くだろう。エネルギッシュでそれでいてどこか静謐だ。
カッサンドルの展覧会はたしか、1991年に東京都庭園美術館で、1995年に サントリー天保山(2010年閉館)で開かれているがぼくはどちらも見逃してしまった。それが今回埼玉県立近代美術館で開かれるというので喜び勇んで行ってみた。行ってみると予想以上の充実ぶりで嬉しい驚き。しかし、同時に殆ど人のいない閑散さに寂しさを感じた。平日ということもあるけどぼくが会場で目にした観客はたったの二人きり。
ここ埼玉県立近代美術館は以前ジャック=アンリ・ラルティーグの写真展で訪れて以来、折に触れて展覧会をチェックしているけど、結構いい企画のものがあったりして楽しみにしている美術館でもある。今回の展覧会は松本瑠樹氏のコレクションが中心だが、どれも素晴らしい状態。ポスターというよりリトグラフ展といった方が良いような雰囲気。そこにはカッサンドルのドキドキするような脈動感と、それでいて洒脱な、時にはセクシーでさえある彼の世界が広がっている。ぼくにとっては今年一押しの展覧会だった。会期中にもう一度訪れるつもり。
[カッサンドル展 My Best 5]
①ノルマンディー/1935(No.65)
当時最大、最速といわれたフランスの豪華客船ノルマンディー号のポスターで、カッサンドルの代表作の一つと言ってもいい作品。巨大客船を仰ぎ見るような角度から描いている。黒い船体の足元を飛ぶ小さなカモメの群れが船体の巨大さを物語っている。
ル・アーブルからニューヨークを四日で結んだフランス海運の意気込みとプライドを示すように実に堂々とダイナミックなポスターに仕上がっている。他と比べてもあまり大きなポスターではないのだけれど周りを威圧するように燦然と光り輝いていた。
②オ・ビュシュロン/1923(No.3)
会場を入るとすぐ巨大なポスターが目に飛び込んでくる。縦1メーター50、横は4メーター近い大きな画面に一人の男が斧を振り上げて木を切り倒している姿がVの字の画面構成でダイナミックに表現されている。オ・ビシュロンはパリの家具店で、このポスターがカッサンドルの事実上のデビュー作となった。
ル・コルビジェなどはこのデザインをこき下ろしたらしいが、当時のパリでは評判になったし、現代装飾美術・産業博覧会ではグランプリをとった。ぼくはこのポスターを前にしてこの構図をどこかで見たことがあると思った。家に帰って図録で調べてみたらそれはフェルディナント・ホドラーの描いた「木を伐る人」の構図とうり二つだった。そんなことはどこの解説書にも出ていないけれど人物の向きが逆ではあるけれどその躍動感のあるポーズは基本的には同じだ。ホドラーがその絵を描いたのは1910年でカッサンドルがこのポスターを描いたのは1923だから、どこかで一度目にしたことがあるのかもしれない。(ホドラーのこの絵は昔スイスの50フラン札の図柄に使われたことがある)
③ノール・エクスプレス/1927(No.17)
カッサンドルは乗り物の図案を多くポスターにしているが、これもその一つ。疾走する機関車をローアングルからとらえている。表現はアール・デコ独特の図形化された形でパーツを見ると機関車であるとは分からないけれど、全体を見れば疾走する機関車であることは一目瞭然である。
ダイナミックなスピード感と、このポスターでは特にカッサンドルが大事にしたタイポグラフィーが実に活き活きと効果的に使われている。このほかにもカッサンドルには機関車を扱った多くの素晴らしいポスターがあり、それらも会場には展示されている。
④リス・シャンティイ/1930(No.39)
カッサンドルにしては珍しい構図のポスターかもしれない。比較的小ぶりのサイズの画面全体が鮮やかな緑色で覆われている。それは木々の緑を表しているのだけれど、その真ん中にぽっかりと穴が開いておりそこから一軒の住宅の赤い屋根と白い壁がのぞいている。
これはパリの北にある、緑豊かな都市シャンティイに向かう鉄道のポスター。汽車も、線路も街並みも出てこない、だけどこのポスターを見ただけでそんな街にあこがれてしまう。なんとも心憎い演出のポスターだ。画面に大きく書かれたLYS CHANTILLYのタイポグラフィーも実に効果的で素敵だ。
⑤「ハーパース・バザー」の表紙デザイン/1936-37(No.85-1～20)
会場の最後の方に壁面に何枚もの絵が飾られている。それらはカッサンドルがファッション誌「ハーパース・バザー」の表紙を担当した時のものだ。期間的には3年くらいの間なのだが、その間カッサンドルはニューヨークに二度ほど長期滞在している。
そこで彼はダリやデ・キリコと知り合ってグラフィック・デザインからシュルレアリズムの肉筆画などに傾倒していったらしいのだが、それが果たして彼にとって幸いなことだったのか。というのもやがてグラフィック・デザインから離れ始めた彼は、新しい表現の模索に疲れたのか1968年6月17日にパリで拳銃自殺してしまう。まだ67歳だった。
[図録]
119頁。1800円。カッサンドルの日本語の画集は数も少なく、あってもたいてい高価なので中々手が出ないのだけれど、今回の図録は少なくとも展示作品は全て出ていて1800円というのは嬉しい。内容的には写真と主要作品の簡単な解説のみだが、それでもありがたいと思う。会場には1万8000円(税別)の画集が売っていたけれど、やっぱりそれにはちょっと手が出ないなぁ。
[蛇足]
沢木耕太郎の「深夜特急」の表紙にはこのカッサンドルの絵が使われています。
(Feb.2017)
gillman* Museums ナビ派展
■Museum of the Month
[感想メモ]
ナビ派というと日本ではあまりなじみがないような感じがするけれど、ぼくは若いころから国立西洋美術館で特にモーリス・ドニ等の作品に馴染んでいたのでかえって懐かしい感じがした。ドニについて言えば西洋美術館は「踊る女たち」をはじめとして50点近い作品を所蔵している。
ナビ派は平面的な表現やその装飾性の高い構図などが特徴的なものだと思っていたけれど、今回の展示を見てみると思ったよりもその表現の幅は広いように思う。ナビ派の作品でもボナールやドニの作品は西洋美術館をはじめとして、ブリヂストン美術館やポーラ美術館など日本の美術館でも観ることが出来るけれども、これだけの作品を俯瞰的に観る機会は中々ないのでとても楽しかった。
[ナビ派展 My Best 5]
①ボール/フェリックス・ヴァロットン(No.57)
ヴァロットンのこの「ボール」に再会できたのは全く期待していなかっただけに、驚きでもあり喜びでもあった。この「ボール」は2014年の7月に同じこの美術館で開催された「ヴァロットン展」の目玉作品だった。それまで図録でしか見たことがなかったこの作品を観られるとは思っていなかったので望外の喜びがあったけれど今回の再会もそれに匹敵する。
今度はホントにさりげなく、ひっそりと展示されていて心なしか絵の前で立ち止まる人も少なかったように思った。今や絵画展でも前宣伝というのは大したものなんだなぁと…。それともぼくがヴァロットンが好きだから一人で感心しているのか。もっともヴァロットンはナビ派といっても「外国人のナビ」と言われたように他のナビ派の作家とはちょっとテイストが異なる。ナビ派独特の装飾性や神秘性よりも日常に潜む怪しげな瞬間に目を凝らしている。ぼくはそれが好きなのだけれど…。
②猫と女性/ピエール・ボナール(No.44)
ボナールはなんといってもその色使いが魅力だ。色の配色と特に初期は日本絵画の影響を受けたといわれる平面的な画面構成が実に洗練されていて日常の変哲のない光景がとても特別で大切な瞬間のように画面に定着されている。この「猫と女性」は後年の色彩が鮮やかさを増した時代の作品で正にアンティミストとしての日常への眼差しが光っている。白猫の表情がとても活き活きとしていて素敵だ。
③エッセル家旧蔵の昼食/エドゥアール・ヴュイヤール(No.34)
ボナールの絵が色彩が踊っているとするならば、ヴュイヤールのそれはちょっと抑え気味の色彩がハーモニーを大事にして連なっていてるという感じがする。この室内情景画は一歩引いて食卓全体を見渡す位置から一家の食後のひと時を見つめている。今回は彼の大作「公園」も展示されているが、それからも分かるように彼の絵はナビ派の装飾性をもった代表的なものだと思う。
④髪を整える女性/フェリックス・ヴァロットン(No.28)
この絵と並んで展示されている「室内、戸棚を探る青い服の女性」も好きな絵だが、この二枚はヴァロットンお得意の日常の情景に潜む意味ありげなシーンを描いている。「ボール」もそうだけれどもヴァロットンの絵には、その画面を見てその暗示するもの、もしくは描かれたそのシーンの直前・直後の情景を想像してみるという楽しみがある。そういう意味ではナビ派のアンティミスト傾向が、日常の幸せで静謐な瞬間を定着させたいというものであるとしたら、それとはかなり傾向の違う題材であり表現だとも思える。(この二枚の絵もヴァロットン展以来の再会)
⑤マレーヌ姫のメヌエット/モーリス・ドニ(No.41)
ナビ派の中でもドニは恐らく、特にその後期においてもっとも装飾性の高い画家だと思うのだけれど、ぼくはどちらかと言えば比較的初期の作品の方が好きだ。この「マレーヌ姫」はその後ドニと結婚することになるマルトを描いた初期のものだが、優しい色使いと繊細な筆致にドニのモデルに対する愛情が感じられる。ドニの妻になる「マルト」はマルタ・モリエールの愛称だが、ぼくなんかは「マルト」というとボナールの妻マリア・ブールサンを思い浮かべてしまう。彼女も「マルト」と呼ばれてボナールの絵によく出てくる。
[図録]
206頁。2400円。新たな試みとして今回の図録はKindle版の電子ブックが発売されている。(2200円) 書籍版はページの角が丸くなっているなど丁寧な作りが伺われる。色彩はナビ派の絵はパステルカラーのような淡い色が多いので難しそうだがそれなりに出ていると思う。オルセー美術館の総裁へのインタビューや掲載されている論文も興味深く、これ一冊でナビ派の全容がよく分かりそう。
(Feb.2017)
オルセーのナビ派展
2017年2月4日～5月21日
三菱一号館美術館
[感想メモ]
ナビ派というと日本ではあまりなじみがないような感じがするけれど、ぼくは若いころから国立西洋美術館で特にモーリス・ドニ等の作品に馴染んでいたのでかえって懐かしい感じがした。ドニについて言えば西洋美術館は「踊る女たち」をはじめとして50点近い作品を所蔵している。
ナビ派は平面的な表現やその装飾性の高い構図などが特徴的なものだと思っていたけれど、今回の展示を見てみると思ったよりもその表現の幅は広いように思う。ナビ派の作品でもボナールやドニの作品は西洋美術館をはじめとして、ブリヂストン美術館やポーラ美術館など日本の美術館でも観ることが出来るけれども、これだけの作品を俯瞰的に観る機会は中々ないのでとても楽しかった。
[ナビ派展 My Best 5]
①ボール/フェリックス・ヴァロットン(No.57)
ヴァロットンのこの「ボール」に再会できたのは全く期待していなかっただけに、驚きでもあり喜びでもあった。この「ボール」は2014年の7月に同じこの美術館で開催された「ヴァロットン展」の目玉作品だった。それまで図録でしか見たことがなかったこの作品を観られるとは思っていなかったので望外の喜びがあったけれど今回の再会もそれに匹敵する。
今度はホントにさりげなく、ひっそりと展示されていて心なしか絵の前で立ち止まる人も少なかったように思った。今や絵画展でも前宣伝というのは大したものなんだなぁと…。それともぼくがヴァロットンが好きだから一人で感心しているのか。もっともヴァロットンはナビ派といっても「外国人のナビ」と言われたように他のナビ派の作家とはちょっとテイストが異なる。ナビ派独特の装飾性や神秘性よりも日常に潜む怪しげな瞬間に目を凝らしている。ぼくはそれが好きなのだけれど…。
②猫と女性/ピエール・ボナール(No.44)
ボナールはなんといってもその色使いが魅力だ。色の配色と特に初期は日本絵画の影響を受けたといわれる平面的な画面構成が実に洗練されていて日常の変哲のない光景がとても特別で大切な瞬間のように画面に定着されている。この「猫と女性」は後年の色彩が鮮やかさを増した時代の作品で正にアンティミストとしての日常への眼差しが光っている。白猫の表情がとても活き活きとしていて素敵だ。
③エッセル家旧蔵の昼食/エドゥアール・ヴュイヤール(No.34)
ボナールの絵が色彩が踊っているとするならば、ヴュイヤールのそれはちょっと抑え気味の色彩がハーモニーを大事にして連なっていてるという感じがする。この室内情景画は一歩引いて食卓全体を見渡す位置から一家の食後のひと時を見つめている。今回は彼の大作「公園」も展示されているが、それからも分かるように彼の絵はナビ派の装飾性をもった代表的なものだと思う。
④髪を整える女性/フェリックス・ヴァロットン(No.28)
この絵と並んで展示されている「室内、戸棚を探る青い服の女性」も好きな絵だが、この二枚はヴァロットンお得意の日常の情景に潜む意味ありげなシーンを描いている。「ボール」もそうだけれどもヴァロットンの絵には、その画面を見てその暗示するもの、もしくは描かれたそのシーンの直前・直後の情景を想像してみるという楽しみがある。そういう意味ではナビ派のアンティミスト傾向が、日常の幸せで静謐な瞬間を定着させたいというものであるとしたら、それとはかなり傾向の違う題材であり表現だとも思える。(この二枚の絵もヴァロットン展以来の再会)
⑤マレーヌ姫のメヌエット/モーリス・ドニ(No.41)
ナビ派の中でもドニは恐らく、特にその後期においてもっとも装飾性の高い画家だと思うのだけれど、ぼくはどちらかと言えば比較的初期の作品の方が好きだ。この「マレーヌ姫」はその後ドニと結婚することになるマルトを描いた初期のものだが、優しい色使いと繊細な筆致にドニのモデルに対する愛情が感じられる。ドニの妻になる「マルト」はマルタ・モリエールの愛称だが、ぼくなんかは「マルト」というとボナールの妻マリア・ブールサンを思い浮かべてしまう。彼女も「マルト」と呼ばれてボナールの絵によく出てくる。
[図録]
206頁。2400円。新たな試みとして今回の図録はKindle版の電子ブックが発売されている。(2200円) 書籍版はページの角が丸くなっているなど丁寧な作りが伺われる。色彩はナビ派の絵はパステルカラーのような淡い色が多いので難しそうだがそれなりに出ていると思う。オルセー美術館の総裁へのインタビューや掲載されている論文も興味深く、これ一冊でナビ派の全容がよく分かりそう。
(Feb.2017)
gillman*s memo
Column Ansicht
■憎しみのマグマ
今度新しくドイツ連邦の大統領になるフランク=ヴァルター・シュタインマイヤーは外務大臣を2回計8年間も勤め上げたベテランの政治家で穏健な政治家として内外の人望も厚い。その彼がアメリカ大統領選の時、トランプ候補を珍しく「Hassenprediger(憎しみの伝道師)」という強い言葉を使って非難した。
激しい言葉で対立と憎しみを煽る政治手法に踊らされ道を誤ったドイツの歴史の記憶が蘇ったからかは分からないが、かつて同じような道を辿った日本の政治家からは不思議とそのような声は聞こえてこない。
シュタインマイヤーの脳裏にはドイツの足元でも、フランスでも同じような動きがあることや、かの国だけではなくトルコやフィリピンなど世界のあらゆるところで憎しみのマグマが溜まっており、それがポピュリズムという言葉では捉えきれない程の強権的な体制を生み出しつつあることへの不安がよぎっていたのだろうと思う。
ぼくらの暮らす日常の世界には色々な動きがある。右へ吹く風もあれば、左に吹く風の日もある。ところが、何かの拍子でその風向きのベクトルが同じような方向を向いてしまうことがある。その風がやがて「時代」という大きな流れに連なって行く恐怖心を今誰しもが感じているのではないか。
そんな心に暗雲が立ち込めている中に北朝鮮の刺客によると思われる暗殺騒ぎの一報が入ってきた。心に重い、重い蓋をされたような気持ちになったのはぼくだけではないはずだ。
(15 Feb.2017)
gillman*s choice Hitchicock's best
ヒッチコック映画
My Best 5
サスペンスとミステリー映画の違いをヒッチコックはトリュフォーとのインタビューの中で詳しく述べているが、一言でいえばミステリーが一種の知的ゲームのようであるのに対し、サスペンスは正にハラハラ、ドキドキのエモーションのドラマであることのようだ。
ヒッチコック映画にはいろいろな楽しみがあると思う。もちろん基本はドキドキ、ハラハラするサスペンスなのだけれども、その他にもヒッチ・ガールズと呼ばれるヒロインの表情を楽しんだり、「ロープ」や「裏窓」や「救命艇」など限られた空間での実験的なドラマや、はたまたカメオ出演するヒッチコックがどのシーンに登場するか等、など。楽しみは尽きない。
ヒッチコックの作品からベスト5を選び出すというのは愚の骨頂なのかもしれないけれど、それについてあれこれ考える楽しみの誘惑には勝てなかったので…。
①裏窓
REAR WINDOW/1954
ｼﾞｪｰﾑｽﾞ ｽﾁｭｱｰﾄ、ｸﾞﾚｰｽ ｹﾘｰ
ヒッチコックの作品はどれも捨てがたく一位を選ぶとなると迷いに迷うのだけれど、タイトルがまず頭に浮かんできたのがこの作品。彼の作品の中では比較的ポピュラーだけれど、実は「ロープ」と並んでとても実験的な作品なのだ。
作品「ロープ」(1948)は作品全体を通じて場面転換のカットがない(実際はそれとわからないように巧みにつないであるらしい)ワンシーンの映画でかつ映画の時間がドラマの進行と同じ長さで出来ているなど実験的な作品だったけれど、この「裏窓」もそれと並ぶ実験的な作品だった(実験的というときっとヒッチコックは怒ると思うけど…)。
その一つは、何といっても映画に出てくる場所がアパートの一室とそこから見た向かいの建物の様子のみというシンプル過ぎる設定だ。尤もヒッチコックは小さな電話ボックスの中だけでも一本の映画を撮れると言っている。映画作家は、ちょうど小説家が白紙に向かうときと同じ自由な発想を持つことができると。
さらに事件の展開についての犯人などのセリフは一切なく、遠目から見た観察者の推測だけで成り立っている。でもそれだけでドキドキするのはヒッチコックが頭に描いている「サスペンス」のエッセンスが凝縮して込められているからに他ならない。このハラハラするしかし殺伐とした展開に救いを与えているのは大輪の花を咲かせたようなグレース・ケリーの存在だ。主人公のカメラマンの恋人役の彼女の起用もこの作品の成功の一因だと思う。
ちなみに劇中でカメラマンに扮するジェームス・スチュアートが使っているカメラはドイツのExakta社製のカメラでシャッターが左側についている。ぼくは大好きでタイプの異なるのが手元に3台ほどあるけれど、手に取るとずっしりと重くフィルムカメラの時代の匂いがプンプンとする。
②サイコ
PSYCHO/1960
ｱﾝｿﾆｰ ﾊﾟｰｷﾝｽ、ｼﾞｬﾈｯﾄ ﾘｰ
ヒッチコックの作品の中でも独特の雰囲気を持っている。異常な青年を演じてA.パーキンスの当たり役になったが、反面、彼のそれ以後の役の傾向を狭めてしまったような気もする。
「ヒッチコック/トリュフォー 映画術」の中でもジャネット・リーがシャワー室で襲われるシーンのシークエンスについて詳しく分析されている。ヒッチコックはこのたった45秒のシーンに七日間もかけて、カメラ位置も70回も変えて撮ったという。映画のイントロに出てくるソウル・バスのタイトルがシンプルでなんとも洒落ている。
その後パーキンス等の監督でサイコはパート５まで作られたが、それを見ると似て非なるもので監督の才能によってどれだけ作品が変わるかと言う良い見本になっているような気がする。
なお、2013年に封切られた映画「ヒッチコック」はこの「サイコ」が制作された際のヒッチコックと妻のアルマをめぐる物語だ。エピソードとしてはとても面白い。特にこの作品にも出ているヴェラ・マイルズとヒッチコックの関係が何とも微妙で興味深い。
③ダイヤルＭを回せ
DIAL M FOR MURDER/1954
ﾚｲ ﾐﾗﾝﾄﾞ、ｸﾞﾚｰｽ ｹﾘｰ
元はブロードウェーで大ヒットした舞台劇だがフレデリック・ノットの原作が秀逸だ。筋立てが実に綿密に練られていて、いろいろなところでunderplotつまり伏線が活きてくる。
映画を観ているうちに観客は不思議なことに犯人に仕立てられるグレース・ケリーにではなく、完全犯罪を狙う狡猾なレイ・ミランドの方に気持ちが同化していって、トリックがバレてしまうのではとハラハラさせられる。オリジナルは3D映画として制作された。
ヒッチコックはこの映画を35日で撮り終えたと言って、最初はあまり語りたがらなかったが、この作品ではできるだけ舞台の感覚を大事にして撮っていったことがわかる。トリュフォーはヒッチコックの作品の中で最も繰り返し何度も見た作品の一つだと言っている。
④疑惑の影
SHADOW OF A DOUBT/1943
ｼﾞｮｾﾌ ｺｯﾄﾝ、ﾃﾚｻ ﾗｲﾄ
ヒッチコック自身が好きだった、と言われている作品だが…本人は否定している。本当のところは作品というよりもこの作品でヒッチコックが望んでいた脚本家のソートン・ワイルダーと仕事ができたのが嬉しかったらしい。
確かにまぎれもないヒッチコックの作品としての雰囲気と構成を持っているし、もしかしたらサスペンスの「通」に受けるタイプの作品かも知れない。事実オーソン・ウェルズもこの作品に影響された面もあるようだ。特に俯瞰の場面などに強い共通性を見出す。
映画のイントロのところでは不気味だったジョセフ・コットンが、突然憧れの叔父として姪のテレサ・ライトの前に現れ、それがやがて密かに不気味な犯罪者の姿に戻ってゆく、そのプロセスが正にサスペンスだ。
⑤下宿人
THE LODGER/1926
ｲﾎﾞｰ ﾉﾍﾞﾛ、ﾏﾘｰ ｵｰﾙﾄ
イギリス時代の無声映画でヒッチコックの事実上の最初の作品であり、彼自身も自分の処女作だと言っている。それ以後の彼の作品に共通する要素が全てこの作品に既に含まれているし、無声映画であるが故にそのカット割りやプロットの運びなどを創意工夫し、台詞や音声に頼らないヒッチコックの映画術の萌芽が生まれたのかもしれない。
この映画では映像の手法ばかりでなく、「不当に罪を着せられた人間」というその後ヒッチコックの作品にたびたび登場するテーマが最初に扱われていることも注目に値する。
尤も彼がこのテーマに拘ったのは安手の人道主義とかではなくて、このテーマが観客により強烈な危機感を引き起こす、つまり罪を犯した人間よりも、無実の人間の方に観客は感情移入をしやすいという、サスペンスを支えるエモーションの問題から、というのもいかにも彼らしい。
この映画はやはりドイツのウーファ映画の表現主義的な雰囲気を色濃く引きずっている。ドイツで学んだことを彼なりに生かして自由に創り出した初めての作品と言える。
ついでに…6位～10位まで
⑥断崖/SUSPICION(1941)
⑦見知らぬ乗客/STRANGER ON THE TRAIN(1951)
⑧北北西に進路を取れ/NORTH BY NORTHWEST(1959)
⑨めまい/VERTIGO(1958)
⑩鳥/THE BIRDS(1963)
[蛇足ですが…]
植草甚一のヒッチコック監督作品のベストテン
・「三十九夜」（生涯の映画ベストテンにも挙げている）
・「暗殺者の家」
・「断崖」
・「疑惑の影」
・「見知らぬ乗客」
・「裏窓」
・「北北西に進路を取れ」
・「鳥」
・「サイコ」
・「マーニー」
（「植草甚一氏に対する99の質問」/『ユリイカ』1978年11月号より)
(Feb.2017)
gillman*s choice Hitch's Beauty
ヒッチコックを巡る美女たち
My Best 5
ヒッチコック監督が亡くなって今年で37年になる。子供の頃からテレビの「ヒッチコック劇場」は欠かさず観ていたけれど、映画館で彼の作品を見るようになったのは随分あとの大人になってからだと思う。
大体サスペンスやミステリー映画が好きで割と観ている方だけども、余りプロットやトリックが中心になった作品だと中々繰り返し見たいと言う気にならないことが多い。
トリュフォーがヒッチコックとのインタビューをまとめた「ヒッチコック/トリュフォー 映画術」の中で、ヒッチコックがサスペンスとミステリーの違いについて語っているけど、その定義から言ってもサスペンスの方が繰り返し観るのに耐えることが分かる。
つまり、ミステリーは謎解きだからそのカラクリが分かるまでのプロセスが楽しいので、いわゆるネタバレした後に繰り返し見てももう一つインパクトが弱くなる。
それに対してサスペンスでは基本的にはネタは最初から割れていて、ただ映画の主人公だけがそれを知らされていない。観客はその主人公に感情移入してハラハラするのを楽しむので、何回観てもドキドキするのだ。
ヒッチコックは生涯に50数本の映画を監督している。ビデオテープの時代に苦労して彼のほとんどすべての作品のVTRを集めたけれど、揃った頃には既にDVDの時代がやって来ていたし、彼の作品の多くが版権が切れたのか格安で手に入るようになった。
それはそれで嬉しいのだけれど、反面がっかりした覚えがある。今手元にはDVD版が揃っているけど、好きな作品が手軽に観直せる良い時代になったなぁ。
007シリーズに登場する女優たちを「ボンド・ガール」というけれど、ヒッチコック映画はシリーズものではないけれど、これに登場する女優も「ヒッチ・ガールズ」として毎回話題になっていた。
その変遷を見ていくととても面白いのだけれど、ヒッチコック監督の場合はボンド・ガールズと違ってある女優達には監督の個人的な、というよりは横恋慕的なキャスティングが目立つことだと思う。
ヒッチコックには恐妻家で浮気性というなんとも俗っぽい一面があったみたいだ。その上気の毒なことには、たぶん、件の女優たちからは鬱陶しいと思われていた、とぼくは勝手に思っている。
で、ヒッチガールズBest5だけれども…。その女優たち(監督の特別の思い入れのある)の代表と言えばいずれも複数の作品に出ている、ティッピ・ヘドレン、イングリッド・バーグマンそしてグレース・ケリーあたりか。
ということで、この三人は外すことができないけれど、あと二人…。
①イングリッド・バーグマン
「白い恐怖」(1945)・「汚名」(1946)・「山羊座の元に」(1949)
ヒッチコックが好んだ女優に共通しているのは金髪でちょっと冷たいツンデレ・タイプ、理知的で冷たそうだけども情熱に火が付くと止まらないという感じの女性で、ヒッチはそんな女性に監督としてはもちろん、一人の男性としてひかれていたんだと思う。
ヒッチの有名な言葉に「俳優は家畜だ」というのがあるけど、ある時新聞記者がその発言の真偽を確かめたところヒッチは「ぼくはそんなことは言っていない。ただ、俳優と言うものは家畜並みに扱うべきだと言っただけだよ」と言ったという。
ヒッチコックにとって俳優は監督の表現手段のひとつにすぎない。そういう彼にとってはバーグマンは演技をし過ぎる役者なので女優としてはとても扱いにくかったに違いない。事実「山羊座の元に」はそんな二人の思惑が空回りしてコケてしまった。
ぼくが邪推するにはヒッチは女優としてより女性としてのバーグマンとつながりを持っていたかったんじゃないかと。もちろん、これはぼくの下種の勘繰りだが…。
②グレース・ケリー
「裏窓」(1954)・「ダイヤルMを廻せ」(1954)・「成金泥棒」(1955)
ヒッチがグレース・ケリーを好きになったのはセックスがむき出しになっていないところだと語っている。トリュフォーとのインタビューでその辺のことをヒッチはこう語っている。
「なぜ私が都会的なソフィスティケートされた金髪美人を好んで起用するのか。その答えは簡単だ。わたしたちの求めている女のイメージというのは、上流階級の洗練された女、真の淑女でありながら、寝室に入った途端に娼婦に変貌してしまうような、そんな女だ」(トリュフォー「ヒッチコック映画術」p229)
今そんなことを言ったらひどいバッシングにあうだろうと思うけれど、ヒッチはここで「わたしたちが…」と言って観客を巻き込んでいるが、それを何よりも求めていたのはヒッチ本人だと思う。でも確かにヒッチの女優の趣味は彼の映画に緊張感と品格と客観性を与えているかもしれない。
彼はマリリン・モンローやブリジット・バルドーは自分の趣味じゃないとも言っている。彼女たちはまるで顔中にセックスがベタベタと貼り付けられているようでサスペンスを台無しにするかららしい。
まてよ、それじゃぁ後年「めまい」で起用したキム・ノヴァクはどうなんだろう。彼女はどっちかって言うと…とぼくは思っていたけど。
③ティッピ・ヘドレン
「鳥」(1964)・「マーニー」(1964)
イングリッド・バーグマンとグレース・ケリーはヒッチの映画に出た時既に立派な女優だったけれど、このティッピ・ヘドレンはヒッチが女優にしたのに近い存在だった。当時無名に近かった彼女を自分でスカウトして「鳥」に抜擢した。
ヒッチとしてはティッピ・ヘドレンは女性としておそらく一番入れ込んでいた存在だったのだと思う。
彼はヘドレンの中にグレース・ケリーの項で書いたようなサスペンス映画に登場させる女性像を現実の中でも期待していた節がある。もちろん彼女にとっては迷惑な話だったと思うけれど…。
実生活でもヒッチの妻のアルマはヒッチのヘドレンに対する態度がなんか尋常でないことに気が付いて疑っていたみたいだ。
もしかしたら、「鳥」の後の作品「マーニー」は性的に暗い過去を持った女性を主人公にしたサスペンスなので、その制作過程でヒッチの頭の中でヘドレンに対する彼の妄想と映画の構想が混じり合った状況が生まれていたのかもしれない。
ちなみにヘドレンは女優メラニー・グリフィスの母である。
④ジョーン・フォンテーン
「レベッカ」(1940)・「断崖」(1941)
ヒッチコックがイギリスからハリウッドに移って初めて製作した映画「レベッカ」の主演女優だ。
「レベッカ」はアカデミー作品賞。「断崖」ではフォンテーンがアカデミー主演女優賞をとっている。アメリカに移ったヒッチには大プロデューサーのセルズニックが付いたが、彼は「レベッカ」の制作にあたってハリウッドの大女優も含めてあらゆる女優にオーディションを受けさせる戦略をとった。
けれどもこれはヒッチにとってはただ面倒くさいだけだったようだ。彼は最初のテストでジョン・フォンテーンが「レベッカ」のヒロインに最もふさわしい女優だということが分かっていたという。
その理由は彼女がごく控えめな演技のできるすばらしい女優だと感じたからだ。このころから既にヒッチは俳優には控えめな演技を求めていたことが分かる。
話はそれるけど、なぜヒッチが俳優の過剰な?演技を嫌がるかと言う理由がやはりトリュフォーとのインタビューの中に出ている。
彼は「引き裂かれたカーテン」におけるポール・ニューマンの演技にこうクレームを付けている。「ポール・ニューマンはアクターズ・ステュディオ出身の俳優だ。何も表現していない、いわば中性のまなざしが、わたしには、シーンを編集するために絶対必要だったが、ニューマンはそんな、何も表現しない中性のまなざしで見る演技を嫌がった」
つまりヒッチにとって俳優はマテリアルでありパーツであって、それ自体に既に一つの方向性を持った演技の濃い味が付いていたのでは、後でそれを組み合わせてできる料理が限られてしまう。それを取捨選択して一つの料理にするのはあくまで監督の自分であると言うことなのだ。そのためには組み合わせの自由度の高い、控えめな演技が必要なのだ。
フォンテーンの話に戻ると、ハリウッドに来たと言っても恐らく、この時のヒッチはまだたっぷりとイギリスを引きずっていたに違いない。フォンテーンも実はイギリス人だし、映画の原作もイギリスなのだ。
アメリカに渡ったヒッチは結局フォンテーンの出たこの二つの当たり作で橋頭堡を築き、大女優も含めて自分の好みを入れた女優のキャスティングの幅を広げることができるようになった。そして、その彼の女優への思い入れの強さが彼の全盛期を作り上げた一つの要因にもなっているとぼくは思っている。
⑤シャーリー・マックレーン
「ハリーの災難」(1956)
本当はここら辺に「めまい」(1958)のキム・ノヴァクあたりか、「疑惑の影」(1943)のテレサ・ライトあたりを入れるべきなんだろうけうけど…、ぼくの趣味で強引にシャーリー・マックレーンを入れたい。
ヒッチガールズとしてはかなり異色の部類になるかも。というか「ハリーの災難」という作品自体ヒッチコック作品の中ではサスペンス・コメディーというちょっと変わった部類に入るのだけれど。
ぼく自身は大好きな作品だけど、映画自体はパリ以外では当たらなかったらしい。でも死体を狂言回しの小道具のように使うと言ういかにもヒッチ好みの原作に忠実に作ったとあって彼自身は気に入っていたらしい。
実はシャリー・マックレーンはこの作品が映画のデビュー作なのだ。この数年後に彼女はビリー・ワイルダーの「アパートの鍵貸します」で大ブレークするのだけども、ぼくの大好きな女優の第一作がヒッチの作品だったというのがなんともうれしい。
他にも…
[Other my favorite Hitch's girls]
・アニー・オンドラ「恐喝(ゆすり)」・「マンクスマン」(1929)
・マデリン・キャロル「間諜最後の日」(1936)
・ドリス・ディ「知りすぎていた男」(1956)
・ヴェラ・マイルズ「間違えられた男」(1957)
・エヴァ・マリー・セイント「北北西に進路を取れ」(1959)
・ジャネット・リー「サイコ」(1960)
**こういう風に書いているとヒッチコックが如何にもただの女好きみたいに見えるかも知れないけど、もちろんそんな事はない。ヒッチコックにとって、そういう女性に対する嗜好、情熱と芸術的意欲とは表裏一体だったのだと思う。
それは何もヒッチコックに限った事ではなく、ピカソだってワグナーだって凡ゆる芸術家に通底する性質なのだと思う。
(April 2015/Feb.2017 revised)
gillman*s Museum 東京・TOKYO展
■Museum of the Month
TOPコレクション/東京・TOKYO
東京都写真美術館
東京都写真美術館がリニューアルして本格的に動き出してこれからの展覧会が期待されるけれど、その期待の一つにこの写真美術館が持つ豊富な収蔵作品の公開がある。
別フロアで同時に開催されているのが同じ「東京・TOKYO」というタイトルだが、こちらは日本の新進作家の東京をテーマにした作品の展示でこれはシリーズ13回目になるらしい。東京下町生まれで東京を故郷と思っているぼくにとってはどの東京の写真も心にしみる姿だ。
[東京・TOKYO展 My Best5]
①林忠彦/「太宰治」文士の時代より/1946…ぼくらが見慣れている和服を着て憂いを含んでいる太宰の姿とはまた一味違った面を引き出している。銀座のバー「ルパン」の止まり木の上で素の姿を見せているように思える。そのちょっとはにかんだような表情は流布されているイメージよりはるかに人間的だ。
②本城直季/「東京日本2004」Small Planetより/2004-5…鳥瞰図にアオリをかけたジオラマのような世界が繰り広げられている本城直季の写真集Small Planetを初めて見たときは衝撃的だった。鳥の目というより神の目のような視点でみた東京がなんともいとおしく見える。以前銀座の旧松坂屋の工事現場の塀にこの本城直季の写真が焼き付けられていた時期があった。ぼくは何度も見に行ってその写真を撮った覚えがある。(添付写真)
③奈良原一高/「86」ポケット東京より/1993-96…不忍の池から弁天島を遠景に臨む。その向こうに特徴的な矢じりのような高層ビル。今は無いと思うけれど、ぼくが長いこと勤めていた本郷のオフィスからこのビルを眺めることができた。青味がかった彩度の低い画面はどこかおぼろげな夢の中の記憶のようだ。
④ホンマタカシ/Tokyo and My Daughter/1999-2000…ホンマ調ともいえる色調の画像の向こうに見えてくるのは日常生活の中のふとした一瞬。どれもありふれて、そしてかけがえのない瞬間であることに気が付く。
⑤森山大道/「東京インターチェンジ」東京より/1969…森山大道独特の粒子の粗いモノクロ写真にまるでタイムトンネルに一台の車が吸い込まれるようなインターチェンジの光景が映し出されている。
[図録]
162頁。2600円。写真展の図録は作成する部数も少ないことから大規模な美術展に比べると高いのだけれど、有名絵画と違って展覧会以外では中々再会できないこともあって気に入った作品が載っていれば欲しいなぁと思う。
この図録には展示されていたすべての作品が載っているわけではないので、ちょっと肩透かしを食らう点もあるけれど写真展の記憶を手繰るのには有効だと思う。
TOPコレクション/東京・TOKYO
東京都写真美術館
～2017年1月29日
東京都写真美術館がリニューアルして本格的に動き出してこれからの展覧会が期待されるけれど、その期待の一つにこの写真美術館が持つ豊富な収蔵作品の公開がある。
別フロアで同時に開催されているのが同じ「東京・TOKYO」というタイトルだが、こちらは日本の新進作家の東京をテーマにした作品の展示でこれはシリーズ13回目になるらしい。東京下町生まれで東京を故郷と思っているぼくにとってはどの東京の写真も心にしみる姿だ。
[東京・TOKYO展 My Best5]
①林忠彦/「太宰治」文士の時代より/1946…ぼくらが見慣れている和服を着て憂いを含んでいる太宰の姿とはまた一味違った面を引き出している。銀座のバー「ルパン」の止まり木の上で素の姿を見せているように思える。そのちょっとはにかんだような表情は流布されているイメージよりはるかに人間的だ。
②本城直季/「東京日本2004」Small Planetより/2004-5…鳥瞰図にアオリをかけたジオラマのような世界が繰り広げられている本城直季の写真集Small Planetを初めて見たときは衝撃的だった。鳥の目というより神の目のような視点でみた東京がなんともいとおしく見える。以前銀座の旧松坂屋の工事現場の塀にこの本城直季の写真が焼き付けられていた時期があった。ぼくは何度も見に行ってその写真を撮った覚えがある。(添付写真)
③奈良原一高/「86」ポケット東京より/1993-96…不忍の池から弁天島を遠景に臨む。その向こうに特徴的な矢じりのような高層ビル。今は無いと思うけれど、ぼくが長いこと勤めていた本郷のオフィスからこのビルを眺めることができた。青味がかった彩度の低い画面はどこかおぼろげな夢の中の記憶のようだ。
④ホンマタカシ/Tokyo and My Daughter/1999-2000…ホンマ調ともいえる色調の画像の向こうに見えてくるのは日常生活の中のふとした一瞬。どれもありふれて、そしてかけがえのない瞬間であることに気が付く。
⑤森山大道/「東京インターチェンジ」東京より/1969…森山大道独特の粒子の粗いモノクロ写真にまるでタイムトンネルに一台の車が吸い込まれるようなインターチェンジの光景が映し出されている。
[図録]
162頁。2600円。写真展の図録は作成する部数も少ないことから大規模な美術展に比べると高いのだけれど、有名絵画と違って展覧会以外では中々再会できないこともあって気に入った作品が載っていれば欲しいなぁと思う。
この図録には展示されていたすべての作品が載っているわけではないので、ちょっと肩透かしを食らう点もあるけれど写真展の記憶を手繰るのには有効だと思う。
(2017 Jan.)
gillman*s choice 2016年美術展My Best5
2016年の美術展
My Best 5
去年に引き続き今年も年初に日本画を多く観たいなという思いがあったのだけれど、今年は思っていた以上に日本画の展覧会の当たり年だったと思う。下のBest5には入っていないけれど、BunkamuraMuseumの「俺の国芳、わたしの国貞」も素晴らしかった。
一方、洋画においても今年は２月の「ボッティチェリ展」を皮切りに「カラバッジョ展」「ヴェネチア派絵画展」「クラーナハ展」などルネサンス周辺の優れた展覧会が充実していたように思う。
写真展に関しては、埼玉県立近代美術館で念願のジャック=アンリ・ラルティーグの写真展が観られたのは望外の喜びだった。東京都写真美術館のリニューアルも終わったことだし来年はもう少し写真展の方に目を向けて行きたいと思うのだけれど、結構時間があるようで思ったほど小まめに足を運べていないのが残念。
結局、今年は４０回弱美術館へは足を運んだけど、観たいと思っても見逃してしまった展覧会も多いし、もっと小規模な展覧会にも足を運んでゆきたいとも…。来年はスケジュール調整をもっと密にして見逃さないようにしたいと思っている。
①生誕300年若冲展
東京都美術館
若冲展としてはまさに前代未聞の規模と言えると思う。細密な若冲の彩色画からは画面を絵で埋め尽くす情熱みたいなものが伝わってくる。それはあたかもブリューゲルやヒエロニムス・ボスが取りつかれた一寸の余白も許さない止み難い衝動にも似ている。
一方、若冲の「象と鯨図屏風」や「月に叺々鳥」等の水墨画からは若冲の持つ絶妙な余白感覚が伝わってくる。なんとも不思議な…。さらに黒と白への執着。今回初めて見た「石灯籠図屏風」に至ってはその筆致はまるで点描派の筆使いのようで驚かされる。
②広重ビビッド
サントリー美術館
広重の、特に晩年の方の名所江戸百景を観るとき、ぼくの頭に浮かんでくるのはぼくが勝手につけた「フォトグラファー広重」という言葉。まさに変幻自在の彼のアングルを見ていると、どうしたって彼の頭の中にヴァーチャルなカメラがあるとしかおもえないのだ。
超広角で景色全体を捉えたと思ったら、「四ツ谷内藤新宿」のように接写に近い近景に馬の脚を入れてその向こうに内藤新宿の宿場の町並みを入れている。広重の構図はゴッホなんかも真似ているけど、当時台頭しつつあった写真はさすがにまだこのアングルの真似はできなかったようだ。
また広重の描く江戸の日常はまるでパリを活写したカルティエ・ブレッソンのスナップ写真のようだ。もちろん先の大写しやこういう手法は広重だけのものではなく当時の浮世絵自体が持っていた手法らしいけど、広重ほど効果的にかつモダンで都会的に駆使した絵師は居なかったように思う。
③カラバッジョ展
国立西洋美術館
先般のグエルチーノ展に続く西美のイタリアシリーズとも言える展覧会。とても充実していた展覧会だと思う。しかし、カラヴァッジョと言えば名うての無頼漢。すぐ切れるタイプで暴力的で人まで殺めてしまう。そういういう人物像と、「ナルキッソス」に代表されるような息をのむような繊細さとの接点にいつも悩まされるのだけれど、考えてみればドガだって、ヴァーグナーにだって同じような事が言える。
カラバッジョの絵を観ていると随所にぼくの大好きなジョルジュ・ド・ラ・トゥールを彷彿とさせる闇に出会う。現に会場には西美の所有する彼の二点の絵も展示されていた。同じように光と影の画家としてのジャコモ・マッサの存在を知ったのも今回の展覧会の収穫だった。また今回はつい最近カラバッジョの真筆と認められた「法悦のマグダラのマリア」が初めて公開されている。
④ジャック=アンリ・ラルティーグ 幸せの瞬間をつかまえて
埼玉県立近代美術館
ジャック=アンリ・ラルティーグの回顧展は2013年に東京都写真美術館で開かれた「植田正治とジャック・アンリ・ラルティーグ展 ～写真であそぶ～」以来だけれど、今回はラルティーグ単独の展覧会になる。
東京都写真美術館でこの二人の作品をパラレルに展示したのは二人の写真家がアマチュア写真家だということがあるのだけれど、それはもちろんカッコつきの「アマチュア」ということであるのは言うまでもない。鳥取の植田正治写真美術館でも感じたのだけが、植田正治の写真が静謐な「静」の写真だとすれば、ラルティーグのそれは躍動感のある「動」の写真と言えるかもしれない。
⑤鈴木其一江戸琳派の旗手
サントリー美術館
世界でも稀な400年も続いた絵師集団である狩野派が、時の権力者と共に歩みその系図を重んじたのに対し、片ややはり300年間紆余曲折を経ながらも続いてきた琳派は系図ではなくひとえにその共通した美意識で繋がっている。
数年前、熱海のMOA美術館で尾形光琳の「紅白梅図屏風」と「燕子花図屏風」が並んでいたのを目にした時の驚きは忘れられない。同時にその時ぼくの脳裏に去来した何とも贅沢な願望は、この光琳の「燕子花図屏風」と鈴木其一の「朝顔図屏風」を並べて観てみたいというものだった。
もちろん、それは望むべくも無いけれど、今日鈴木其一の「朝顔図屏風」の前に立って熱海の時の感動に近いものが蘇ってきた。あの光琳から百年、琳派の美意識はより鮮明になって其一に生き続けており、それはきっと今でも日本人の美意識の一つの底流となって生きているに違いないと思った。
[参考]
2015年の美術展 My best5
①没後30年 鴨居玲展 踊り候え…東京ステーションギャラリー
②琳派Art 光琳と現代美術…MOA美術館
③よみがえるバロックの画家 グエルチーノ展…国立西洋美術館
④ユトリロとヴァラドン 母と子の物語…損保ジャパン東郷青児美術館
⑤川瀬巴水展 郷愁の日本風景…日本橋髙島屋
[Dec.2016]
gillman*s Museum デトロイト美術館展
■Museum of the Month
上野の森美術館
[感想メモ]
上野の森美術館は今年はポール・スミス展に続いて、このデトロイト美術館展で二回目。この美術館の展示スペース自体があまり広くはないので(とは言っても山種美術館や太田美術館などよりは広いと思う)展示作品数は50点ちょっと。その範囲で印象派から20世紀前半までを駆け足で廻るような慌ただしさはあるけど、考えようによっては厳選された作品を一点一点じっくりと見る良い機会ではあるかもしれない。
特に今回少ない展示数の中でもドイツ表現主義を中心とする20世紀のドイツ絵画が10点強展示されているので、見方によっては今後の近代フランス絵画以外への興味の足がかりとなるかもしれない。
[デトロイト美術館展 My Best5]
①肘掛け椅子の女性/パブロ・ピカソ(No.45)…一口にピカソが好きだと言っても、ピカソの画風は時代によって千変万化するので難しい。ぼくはどちらかと言えば青の時代やこの古典主義様式時代の作品が好きだ。この作品の実物は初めて見たけれど、実に堂々としている。骨太な骨格の女性像はどこか神々しくてそれでいて全てを優しく包み込むような母性のようなものを感じる。この絵を観られただけでも元はとれたかなと…。
②エルサレムの眺め/オスカー・ココシュカ(No.35)…会場には日本ではあまり見られないドイツ表現主義の絵画も何点かあったが、その一画にココシュカの絵も二点ほどあった。ココシュカは人物画が多いように思うけど、ぼくはどちらかと言えば彼の風景画の方が好きだ。展示されていたのは「エルベ川、ドレスデン近郊」と本作の二点とも風景画でぼくはどちらも気に入った。こちらの方は横が1.3メーターあまりの大作で、ココシュカ独特の明るい色でエルサレムの街の俯瞰が描かれている。1930年ころの作品なので、この頃には翻弄され続けた女性アルマ・マーラー(マーラーの未亡人)の幻影からやっと抜け出せた頃か。この後ナチスの台頭で彼はプラハに逃れることになるのだけれど。
③犬と女性/ピエール・ボナール(No.24)…ボナールはぼくの大好きな画家の一人。その何とも言えない色彩の取り合わせにいつも魅了されてしまう。本作もアンティミスト(親密派)としてのボナールのいつもの画題通りに妻のマルトを描いている。彼には装飾性の高い作品もあり、変則な縦型の本作もそのような雰囲気を持っている。彼の描き出す日常の場面、日常の光に包まれた静謐な時間に引き付けられてしまう。
④画家の夫人/ポール・セザンヌ(No.15)…セザンヌはリンゴやサント・ヴクィトワール山や妻など同じ画題を繰り返し描いている。画面構成や平面の扱いなど専門的に見れば興味が尽きないし凄い画家でもあるのだろうけれど、ぼくみたいな素人からすると時に退屈な絵に見えないこともない。それは多分良く言えばクール、悪く言えば絵画構成等に傾注して描く対象物への興味なんかあったのだろうかという疑念を抱かせる点にあるのかもしれない。そういう意味では妻もリンゴも同じであったと言えるのかもしれないが、この作品では珍しくその妻そのものへの視線が光っているような気がする。絵には全く興味のなかった妻、夫婦とは名ばかりだったような二人の関係が妻の表情によく表れているような…気がする。
⑤バイオリニストと若い女性/エドガー・ドガ(No.4)…5番目は散々迷った。ルノアールも入っていないし、マチスだって良かった、ジェルヴェクスも捨てがたい。で結局ドガのこの作品となった。というのもこの作品の解説のところにドガの作品と当時台頭しつつあった写真との関係が述べられていたからだ。以前からドガの作品はスナップショットのようだと思っていたんだけれど、ドガも一時は写真機を使って自分で撮っていたこともあるらしい。もちろんそれはドガが写真をなぞったということではなくて、目の前を過ぎてゆく一瞬を捕捉するということを写真の登場によってより明確に意識したということではないかと思っている。
[図録]
174頁。2000円。展示作品数が52展と比較的コンパクトなものなので図録もコンパクトになっている。内容は作品と解説が見開きになっている通常のスタイル。写真の色の再現性は悪くはないと思う。印象派から20世紀前半までの絵画を駆け足で振り返るにしても作品数は少ないという思いはあるが、図録の中ではそこら辺をデトロイト美術館名誉館長のビール氏と千足伸行氏の読み応えのある論文でカバーしている感じがある。
デトロイト美術館展
上野の森美術館
2016年10月7日～1月21日
[感想メモ]
上野の森美術館は今年はポール・スミス展に続いて、このデトロイト美術館展で二回目。この美術館の展示スペース自体があまり広くはないので(とは言っても山種美術館や太田美術館などよりは広いと思う)展示作品数は50点ちょっと。その範囲で印象派から20世紀前半までを駆け足で廻るような慌ただしさはあるけど、考えようによっては厳選された作品を一点一点じっくりと見る良い機会ではあるかもしれない。
特に今回少ない展示数の中でもドイツ表現主義を中心とする20世紀のドイツ絵画が10点強展示されているので、見方によっては今後の近代フランス絵画以外への興味の足がかりとなるかもしれない。
[デトロイト美術館展 My Best5]
①肘掛け椅子の女性/パブロ・ピカソ(No.45)…一口にピカソが好きだと言っても、ピカソの画風は時代によって千変万化するので難しい。ぼくはどちらかと言えば青の時代やこの古典主義様式時代の作品が好きだ。この作品の実物は初めて見たけれど、実に堂々としている。骨太な骨格の女性像はどこか神々しくてそれでいて全てを優しく包み込むような母性のようなものを感じる。この絵を観られただけでも元はとれたかなと…。
②エルサレムの眺め/オスカー・ココシュカ(No.35)…会場には日本ではあまり見られないドイツ表現主義の絵画も何点かあったが、その一画にココシュカの絵も二点ほどあった。ココシュカは人物画が多いように思うけど、ぼくはどちらかと言えば彼の風景画の方が好きだ。展示されていたのは「エルベ川、ドレスデン近郊」と本作の二点とも風景画でぼくはどちらも気に入った。こちらの方は横が1.3メーターあまりの大作で、ココシュカ独特の明るい色でエルサレムの街の俯瞰が描かれている。1930年ころの作品なので、この頃には翻弄され続けた女性アルマ・マーラー(マーラーの未亡人)の幻影からやっと抜け出せた頃か。この後ナチスの台頭で彼はプラハに逃れることになるのだけれど。
③犬と女性/ピエール・ボナール(No.24)…ボナールはぼくの大好きな画家の一人。その何とも言えない色彩の取り合わせにいつも魅了されてしまう。本作もアンティミスト(親密派)としてのボナールのいつもの画題通りに妻のマルトを描いている。彼には装飾性の高い作品もあり、変則な縦型の本作もそのような雰囲気を持っている。彼の描き出す日常の場面、日常の光に包まれた静謐な時間に引き付けられてしまう。
④画家の夫人/ポール・セザンヌ(No.15)…セザンヌはリンゴやサント・ヴクィトワール山や妻など同じ画題を繰り返し描いている。画面構成や平面の扱いなど専門的に見れば興味が尽きないし凄い画家でもあるのだろうけれど、ぼくみたいな素人からすると時に退屈な絵に見えないこともない。それは多分良く言えばクール、悪く言えば絵画構成等に傾注して描く対象物への興味なんかあったのだろうかという疑念を抱かせる点にあるのかもしれない。そういう意味では妻もリンゴも同じであったと言えるのかもしれないが、この作品では珍しくその妻そのものへの視線が光っているような気がする。絵には全く興味のなかった妻、夫婦とは名ばかりだったような二人の関係が妻の表情によく表れているような…気がする。
⑤バイオリニストと若い女性/エドガー・ドガ(No.4)…5番目は散々迷った。ルノアールも入っていないし、マチスだって良かった、ジェルヴェクスも捨てがたい。で結局ドガのこの作品となった。というのもこの作品の解説のところにドガの作品と当時台頭しつつあった写真との関係が述べられていたからだ。以前からドガの作品はスナップショットのようだと思っていたんだけれど、ドガも一時は写真機を使って自分で撮っていたこともあるらしい。もちろんそれはドガが写真をなぞったということではなくて、目の前を過ぎてゆく一瞬を捕捉するということを写真の登場によってより明確に意識したということではないかと思っている。
[図録]
174頁。2000円。展示作品数が52展と比較的コンパクトなものなので図録もコンパクトになっている。内容は作品と解説が見開きになっている通常のスタイル。写真の色の再現性は悪くはないと思う。印象派から20世紀前半までの絵画を駆け足で振り返るにしても作品数は少ないという思いはあるが、図録の中ではそこら辺をデトロイト美術館名誉館長のビール氏と千足伸行氏の読み応えのある論文でカバーしている感じがある。
(Okt.2016)
gillman*s Museum ゴッホとゴーギャン展
■Museum of the Month
[感想メモ]
最近見たゴッホ展、ゴーギャン展といえば、2009年の東京国立近代美術館での「ゴーギャン展」、2010年の国立新美術館での「没後120年 ゴッホ展」、2013年の宮城県美術館での「ゴッホ 空白のパリ時代を追う」だったけど、今回はその二人の画家の共同展覧会ということで期待していた。ゴッホもゴーギャンも今やとてもポピュラーな画家だけれど色々な切り口があって興味の尽きない作家なのでその点でもよかった。
二人の共同生活とそれが破たんしたこともよく知られていることだけれど、性格の問題だけでなく今回の展覧会で展示作品を通して二人の絵画の何が違うのかおぼろげながら見えてくるような気がした。特に展示会場の中に設けられた二人の作品を対峙させたコーナーなどは絵画の表現の違いが肌で感じられてとても良かった。当日は午前中に行ったからか並ぶこともなく比較的ゆっくりと観ることができた。
[ゴッホとゴーギャン展 My Best5]
①恋する人(ミリエ少尉の肖像)/ゴッホ(No.41)…ゴッホに魅力を感じる点は人によってそれぞれだと思う。その独特な筆致や色彩そしてテーマ、生き方等など。ぼくはその中でも特に彼の色彩に魅力を感じている。
この絵はぼくにとってその最も顕著な作品だ。この絵をクレラーミュラー美術館で初めて見たとき、背景の緑の美しさに胸が苦しくなるような思いをした。今回もまたそんな気分に襲われた。
この何とも言えない色彩は残念ながら今回の図録でも、クレラーミュラー美術館でもとめた図録でも再現はされていない。というか全く異なる色になっている。現物を見るしかないので…今回が見納めかなぁ。
②タマネギの皿のある部屋/ゴッホ(No.51) vs. ハム/ゴーギャン(No.60)…今回の展覧会ではゴッホとゴーギャンの絵画のあり方の違いを浮き彫りにするために二人の絵を並べて対比しているコーナーが二か所ほどあったように思う。これはそのひとつ。静物画における二人のあり様の違いを示している。
まずゴッホのタマネギ…の方については観るのはクレラーミュラー美術館と先年の国立新美術館でのゴッホ展に続いて三度目となるけど、観るたびにそのピュアーな色彩に引き込まれる。これも残念ながら印刷では再現しにくい色だ。絵が光を放っているような明るい、そして混じりけのない画面。描かれた静物一つ一つにゴッホにとっての意味が込められている。
それに対してゴーギャンのハム。もしかしたらぼくはゴーギャンの絵の中でこれが一番好きかもしれない。色は紛れもなくゴーギャンの色になっているが、構図はセザンヌのようで、しかしそれほどには冷たくなく、静かな音楽のようだ。ゴッホのようには描かれた静物自体には何の思い入れもなくハムはあくまでハムなのだけれど、描かれたものからはもっと別なものが伝わってくる。
③アルルの洗濯女/ゴーギャン(No.50)…アルルの洗濯する女をゴーギャンは二点描いているけど、一点は2009年に東京国立近代美術館で開かれたゴーギャン展で観たことがある。今回のアルルの洗濯女はもう一点の方なのだけれど、先の絵が四人の洗濯女が並んで川で洗濯している図柄であるのに対し、こちらは一人の洗濯女とそれを見つめるもう一人の洗濯女を俯瞰的な構図で描いている。画面には殆ど直線がなくすべてが波打っている。色彩とフォルムがうまく共鳴しあってコンポジションのような感じもする。ゴッホはこの絵の制作過程も見ていたようで絶賛している。
④収穫/ゴッホ(No.37) vs. ブドウの収穫/ゴーギャン(No.49)…これも二人の作品を対峙させる形での展示の一つ。先の静物画における対比に対してこちらは各々の自信作での対峙と言っていいかもしれない。ゴッホの収穫の方は青い空と明るいオレンジがかった黄色の対比が初夏の田園風景を引き立たせている。ゴッホ自身が自信作というだけあってとても安定した構図など彼の心理面での充実ぶりを示していると思った。
それに対し、ブドウの収穫も同じ田園の収穫の場面を扱っているが、ゴッホの作品が見たものが比較的ストレートに表出されているのに対し、ゴーギャンの作品は絵のタイトルが不釣り合いなほどに陰鬱な雰囲気を醸し出している。画面の中央を占める両手で頬杖をついている女のポーズなどはペルーのミイラから発想したともいわれている。ゴーギャンは情景そのものを写し取るというよりは画面の要素に意味を象徴させるような象徴主義的な表現に傾倒してゆく。ゴーギャンは本作品を自信作とみなしていた。
⑤渓谷(レ・ペイルレ)/ゴッホ(No.56)…この絵も2010年に国立新美術館で開かれたゴッホ展以来である。その時は「渓谷の小道」という題で展示されていた。一目見てその異様な画面に引き付けられる。この作品はゴッホが施療院に入院している間に外出許可をもらい描いたらしいのだが、新たな表現に挑もうとする情熱みたいなのが伝わってくる。この曲がりくねった曲線は手の訓練のためでもあったらしい。
[図録]
159頁。2200円。ゴッホについてもゴーギャンについても印刷で色を忠実に出すことは至難の業だと思う。今回特にそのことを実感した。出来れば実物の印象をしっかりと脳裏に植え付けて図録を観るときはその記憶で補うということが望ましいと思う…のだけど、中々できないのでやっぱり出来るだけちゃんと再現して欲しいなぁと。ということで色味は別としても随所に丁寧な解説もあって読み物としても面白かった。
[After]
東京都美術館の中のレストランも展覧会とリンクしたメニューを提供するなどして頑張っている。今回は食事と昼飲みを兼ねて御徒町駅前の吉池食堂まで足を延ばした。ユニクロの最上階にあるレストランは今や昼飲みのメッカみたいで刺身をつまみにスカイツリーを見ながらビールという客で大盛況。ぼくは軽くビールとイクラさけオムレツを。これは美味でした。
ゴッホとゴーギャン
東京都美術館
2016年10月8日～12月8日
[感想メモ]
最近見たゴッホ展、ゴーギャン展といえば、2009年の東京国立近代美術館での「ゴーギャン展」、2010年の国立新美術館での「没後120年 ゴッホ展」、2013年の宮城県美術館での「ゴッホ 空白のパリ時代を追う」だったけど、今回はその二人の画家の共同展覧会ということで期待していた。ゴッホもゴーギャンも今やとてもポピュラーな画家だけれど色々な切り口があって興味の尽きない作家なのでその点でもよかった。
二人の共同生活とそれが破たんしたこともよく知られていることだけれど、性格の問題だけでなく今回の展覧会で展示作品を通して二人の絵画の何が違うのかおぼろげながら見えてくるような気がした。特に展示会場の中に設けられた二人の作品を対峙させたコーナーなどは絵画の表現の違いが肌で感じられてとても良かった。当日は午前中に行ったからか並ぶこともなく比較的ゆっくりと観ることができた。
[ゴッホとゴーギャン展 My Best5]
①恋する人(ミリエ少尉の肖像)/ゴッホ(No.41)…ゴッホに魅力を感じる点は人によってそれぞれだと思う。その独特な筆致や色彩そしてテーマ、生き方等など。ぼくはその中でも特に彼の色彩に魅力を感じている。
この絵はぼくにとってその最も顕著な作品だ。この絵をクレラーミュラー美術館で初めて見たとき、背景の緑の美しさに胸が苦しくなるような思いをした。今回もまたそんな気分に襲われた。
この何とも言えない色彩は残念ながら今回の図録でも、クレラーミュラー美術館でもとめた図録でも再現はされていない。というか全く異なる色になっている。現物を見るしかないので…今回が見納めかなぁ。
②タマネギの皿のある部屋/ゴッホ(No.51) vs. ハム/ゴーギャン(No.60)…今回の展覧会ではゴッホとゴーギャンの絵画のあり方の違いを浮き彫りにするために二人の絵を並べて対比しているコーナーが二か所ほどあったように思う。これはそのひとつ。静物画における二人のあり様の違いを示している。
まずゴッホのタマネギ…の方については観るのはクレラーミュラー美術館と先年の国立新美術館でのゴッホ展に続いて三度目となるけど、観るたびにそのピュアーな色彩に引き込まれる。これも残念ながら印刷では再現しにくい色だ。絵が光を放っているような明るい、そして混じりけのない画面。描かれた静物一つ一つにゴッホにとっての意味が込められている。
それに対してゴーギャンのハム。もしかしたらぼくはゴーギャンの絵の中でこれが一番好きかもしれない。色は紛れもなくゴーギャンの色になっているが、構図はセザンヌのようで、しかしそれほどには冷たくなく、静かな音楽のようだ。ゴッホのようには描かれた静物自体には何の思い入れもなくハムはあくまでハムなのだけれど、描かれたものからはもっと別なものが伝わってくる。
③アルルの洗濯女/ゴーギャン(No.50)…アルルの洗濯する女をゴーギャンは二点描いているけど、一点は2009年に東京国立近代美術館で開かれたゴーギャン展で観たことがある。今回のアルルの洗濯女はもう一点の方なのだけれど、先の絵が四人の洗濯女が並んで川で洗濯している図柄であるのに対し、こちらは一人の洗濯女とそれを見つめるもう一人の洗濯女を俯瞰的な構図で描いている。画面には殆ど直線がなくすべてが波打っている。色彩とフォルムがうまく共鳴しあってコンポジションのような感じもする。ゴッホはこの絵の制作過程も見ていたようで絶賛している。
④収穫/ゴッホ(No.37) vs. ブドウの収穫/ゴーギャン(No.49)…これも二人の作品を対峙させる形での展示の一つ。先の静物画における対比に対してこちらは各々の自信作での対峙と言っていいかもしれない。ゴッホの収穫の方は青い空と明るいオレンジがかった黄色の対比が初夏の田園風景を引き立たせている。ゴッホ自身が自信作というだけあってとても安定した構図など彼の心理面での充実ぶりを示していると思った。
それに対し、ブドウの収穫も同じ田園の収穫の場面を扱っているが、ゴッホの作品が見たものが比較的ストレートに表出されているのに対し、ゴーギャンの作品は絵のタイトルが不釣り合いなほどに陰鬱な雰囲気を醸し出している。画面の中央を占める両手で頬杖をついている女のポーズなどはペルーのミイラから発想したともいわれている。ゴーギャンは情景そのものを写し取るというよりは画面の要素に意味を象徴させるような象徴主義的な表現に傾倒してゆく。ゴーギャンは本作品を自信作とみなしていた。
⑤渓谷(レ・ペイルレ)/ゴッホ(No.56)…この絵も2010年に国立新美術館で開かれたゴッホ展以来である。その時は「渓谷の小道」という題で展示されていた。一目見てその異様な画面に引き付けられる。この作品はゴッホが施療院に入院している間に外出許可をもらい描いたらしいのだが、新たな表現に挑もうとする情熱みたいなのが伝わってくる。この曲がりくねった曲線は手の訓練のためでもあったらしい。
[図録]
159頁。2200円。ゴッホについてもゴーギャンについても印刷で色を忠実に出すことは至難の業だと思う。今回特にそのことを実感した。出来れば実物の印象をしっかりと脳裏に植え付けて図録を観るときはその記憶で補うということが望ましいと思う…のだけど、中々できないのでやっぱり出来るだけちゃんと再現して欲しいなぁと。ということで色味は別としても随所に丁寧な解説もあって読み物としても面白かった。
[After]
東京都美術館の中のレストランも展覧会とリンクしたメニューを提供するなどして頑張っている。今回は食事と昼飲みを兼ねて御徒町駅前の吉池食堂まで足を延ばした。ユニクロの最上階にあるレストランは今や昼飲みのメッカみたいで刺身をつまみにスカイツリーを見ながらビールという客で大盛況。ぼくは軽くビールとイクラさけオムレツを。これは美味でした。
(Okt.2016)
gillman*s Museum カリエール展
■Museum of the Month
[感想メモ]
カリエールはこの展覧会のサブタイトルにもなっている「セピア色の想い」ということでもわかるように、セピア色の濃淡で象徴主義的な表現をする絵画で知られている。会場には90点近くが展示されていたけれど、ほぼ全ての絵がセピア色のものだ。こういう展覧会も珍しいかもしれない。カリエールの展覧会はたしか2006年位に西洋美術館で友人だったロダンの作品との共同展示の展覧会があって以来だと思う。
正直言ってカリエールの絵は見ていて気持ちが浮き立つという類の絵ではないと思うけれど、その独特の空気感というか今回の図録の中でフランス文化庁のラペッティ氏がいみじくも言っているように「現実の幻視者」という表現が言い当てているような現実離れした浮遊感がある。カリエールはあの陶磁器のような肌のヴィーナス「ヴィーナスの誕生」を描いたアレキサンドル・カバネルの弟子なのだけれど、その絵画世界はなんとかけ離れていることか。カバネルのやはり弟子のラファエル・コランそしてその弟子の黒田清輝のあの明るい絵の世界と比べてみてもいかにもその表現は特異だ。
カリエールの表現はどうやらイギリスにいるときにイギリス絵画の巨匠ターナーの影響を受けたらしい。言われてみると確かに、霧のような空気のようなあの光を吸い込んでしまうような画面は共通点を持っているかもしれない。色を失ったのは長男の死によるともいわれている。しかし、今回彼の絵をずっと観ていて感じたのはターナーよりも、例えばデンマークの画家ヴィルヘルム・ハンマースホイのような自己の中に沈潜してゆく世界だった。今回の展示は特にカリエール家の所有ものや個人蔵で彼の家族を描いた絵が中心になっているということも影響していてるかも知れない。そこに家の中でずっと妻のイーダを描き続けたハンマースホイに通じるものを感じたのかもしれない。やはり一般的でないのか、会場に人はまばらだった。
[カリエール展 My Best 5]
①手紙(No.17)…描かれたのは1887年頃とされるので手紙を読んでいるのは妻のソフィー、女の子は長女かもしれない。エリーズはこの頃ちょうど10歳くらいだったはずだ。この絵では二人の女性をとりまくセピア色は何とも暖かく、優しい空気の色をしている。
②子供を抱くエリーズ(No.14)…エリーズというのはカリエールの7人いた子供の中の長女。幼な子がむずかってかエリーズの顔に手をやろうとしているところをあやしている。図録の表紙にもなっているが女性と子供の顔周辺のみが浮き上がって、子供の体を横切っているのが椅子なのか、紐なのかさえ判然としない。
③ポール・ガリマール夫人の肖像(N0.37)…この絵は今回展示されている絵の中では一番明るい色が使われているかもしれない。と言ってもその明るい色とは夫人の靴、コサージュと花にあしらわれた淡いピンクなのだけれど。夫人の体は大きく傾いで、まるで空中を浮遊しているようだ。
④風景(No.54)…大きさはせいぜいハガキ二枚くらいの大きさだと思う。例によってこれもセピア色の風景だ。Y字に分かれた道の向こうに屋敷森と小さな家が見える。ボヤっとしてどこかピンホールカメラで撮影した古い写真のようだ。会場にはこんな風景画が何枚か並んでいる。じっと見ているとあのムンクの絵「叫び」の溶けてゆく背景のようにも見えてくる。
⑤女性の肖像(No.68)…会場のなかでは大型の方だ。セピア色の画面の中に頬杖をついた中年の女性が椅子に腰かけている。その顔には微すかに笑みが浮かんでいるが、両手の指の先は奇妙なほどにとんがっていて、まるで爬虫類の爪のようにも見える。何かのメタファーなのだろうか。
[図録]
127頁。2200円。大判の図録で基本的には図録の本来の役目である絵そのものの提示に徹している。個々の作品の解説はない。シンプルといえばシンプルだが、一般的にはあまり知られていない画家なのでこの機会にもう少し丁寧に解説してほしかったという気はする。尤もこの図録を作るだけでもかなりの資金的負担にはなったと思うのだけれど。
[After]
この美術館は高層ビルの42階にあるので、極度の高所恐怖症のぼくにとってはこの美術館を訪れることだけでも決心がいるのだけど。しかし、この美術館から新宿の街を見下ろすのを密かに期待もしている。とくに遠くにスカイツリーを望む夕景は見ていて飽きない。夕日に照らされた暮れなずむ新宿の街は実に美しい。
没後100年 カリエール展
～セピア色の想い～
損保ジャパン日本興亜美術館
2016年9月10日～11月20日
[感想メモ]
カリエールはこの展覧会のサブタイトルにもなっている「セピア色の想い」ということでもわかるように、セピア色の濃淡で象徴主義的な表現をする絵画で知られている。会場には90点近くが展示されていたけれど、ほぼ全ての絵がセピア色のものだ。こういう展覧会も珍しいかもしれない。カリエールの展覧会はたしか2006年位に西洋美術館で友人だったロダンの作品との共同展示の展覧会があって以来だと思う。
正直言ってカリエールの絵は見ていて気持ちが浮き立つという類の絵ではないと思うけれど、その独特の空気感というか今回の図録の中でフランス文化庁のラペッティ氏がいみじくも言っているように「現実の幻視者」という表現が言い当てているような現実離れした浮遊感がある。カリエールはあの陶磁器のような肌のヴィーナス「ヴィーナスの誕生」を描いたアレキサンドル・カバネルの弟子なのだけれど、その絵画世界はなんとかけ離れていることか。カバネルのやはり弟子のラファエル・コランそしてその弟子の黒田清輝のあの明るい絵の世界と比べてみてもいかにもその表現は特異だ。
カリエールの表現はどうやらイギリスにいるときにイギリス絵画の巨匠ターナーの影響を受けたらしい。言われてみると確かに、霧のような空気のようなあの光を吸い込んでしまうような画面は共通点を持っているかもしれない。色を失ったのは長男の死によるともいわれている。しかし、今回彼の絵をずっと観ていて感じたのはターナーよりも、例えばデンマークの画家ヴィルヘルム・ハンマースホイのような自己の中に沈潜してゆく世界だった。今回の展示は特にカリエール家の所有ものや個人蔵で彼の家族を描いた絵が中心になっているということも影響していてるかも知れない。そこに家の中でずっと妻のイーダを描き続けたハンマースホイに通じるものを感じたのかもしれない。やはり一般的でないのか、会場に人はまばらだった。
[カリエール展 My Best 5]
①手紙(No.17)…描かれたのは1887年頃とされるので手紙を読んでいるのは妻のソフィー、女の子は長女かもしれない。エリーズはこの頃ちょうど10歳くらいだったはずだ。この絵では二人の女性をとりまくセピア色は何とも暖かく、優しい空気の色をしている。
②子供を抱くエリーズ(No.14)…エリーズというのはカリエールの7人いた子供の中の長女。幼な子がむずかってかエリーズの顔に手をやろうとしているところをあやしている。図録の表紙にもなっているが女性と子供の顔周辺のみが浮き上がって、子供の体を横切っているのが椅子なのか、紐なのかさえ判然としない。
③ポール・ガリマール夫人の肖像(N0.37)…この絵は今回展示されている絵の中では一番明るい色が使われているかもしれない。と言ってもその明るい色とは夫人の靴、コサージュと花にあしらわれた淡いピンクなのだけれど。夫人の体は大きく傾いで、まるで空中を浮遊しているようだ。
④風景(No.54)…大きさはせいぜいハガキ二枚くらいの大きさだと思う。例によってこれもセピア色の風景だ。Y字に分かれた道の向こうに屋敷森と小さな家が見える。ボヤっとしてどこかピンホールカメラで撮影した古い写真のようだ。会場にはこんな風景画が何枚か並んでいる。じっと見ているとあのムンクの絵「叫び」の溶けてゆく背景のようにも見えてくる。
⑤女性の肖像(No.68)…会場のなかでは大型の方だ。セピア色の画面の中に頬杖をついた中年の女性が椅子に腰かけている。その顔には微すかに笑みが浮かんでいるが、両手の指の先は奇妙なほどにとんがっていて、まるで爬虫類の爪のようにも見える。何かのメタファーなのだろうか。
[図録]
127頁。2200円。大判の図録で基本的には図録の本来の役目である絵そのものの提示に徹している。個々の作品の解説はない。シンプルといえばシンプルだが、一般的にはあまり知られていない画家なのでこの機会にもう少し丁寧に解説してほしかったという気はする。尤もこの図録を作るだけでもかなりの資金的負担にはなったと思うのだけれど。
[After]
この美術館は高層ビルの42階にあるので、極度の高所恐怖症のぼくにとってはこの美術館を訪れることだけでも決心がいるのだけど。しかし、この美術館から新宿の街を見下ろすのを密かに期待もしている。とくに遠くにスカイツリーを望む夕景は見ていて飽きない。夕日に照らされた暮れなずむ新宿の街は実に美しい。
(Okt, 2016)
gillman*s memories 志ん朝とEvans
■gillman*s Memories
I remember…
志ん朝とEvans
ぼくのカレンダーの画面が9月の画面に変わると3つの日付にリマインダーが現れた。9月といっても一画面に35日分が表示されるから10月初旬までを俯瞰することができる。そのリマインダーは9月15日がBill Evansの命日、9月26日が親父の命日、そして10月1日が古今亭志ん朝の命日だ。志ん朝もEvansもその分野こそ違うがぼくの大好きなアーチストだ。
ちょっとこじつけ臭くなるけど、考えてみるとこの二人の間にはいくつかの共通点がある。残念なことに二人とも夭折してしまった。Evansは51歳、志ん朝は63歳で亡くなっている。二人ともその世界では比類ないほどに非凡だった。二人とも若くして既に完成していたような面がある。
もちろん歳とともに変化はしてゆくが、志ん朝はもう若いころの高座から志ん朝の風情があったし、Evansも26歳の時の最初のアルバム「New Jazz Conception/Bill Evans」のWalz for DebbyからしてもうEvansだったような気がする。もちろん、それでこの二人が老境の域に達するまで生きていてくれたら、という無念さを埋めてくれるものではないけれど…
そしてぼくがこの二人に一番共通していると思っていることは、この二人が持つ端正さと男の色気のよう雰囲気だ。その芸は知的なものの中にぞくっとするような深遠な世界を持っている。秋の夜長はこの二人の遺産に酔ってみたい気がする。
My favourite CDs
[Bill Evans]
Portrait in Jazz
1959年、どれもEvansのピアノとラファロの凄いベースとがかみ合ってとにかくいい。特にAutumn LeavesはTake1とTake2が入っているが、どちらも素晴らしい。Bill Evans Trioの第一作らしい気合が入っていると思う。
Undercurrent
1962年、Jimm Hallのギターの素晴らしさを知ったのはこのアルバムだった。わくわくするようなテンポ。My Fanny Valentineも2Take入っている。ジャケットも素晴らしかったなぁ。LPのジャケットはいつも机の脇に飾っていたけれど、CDになると小さくて…
You must believe in Spring
1977年、アルバムタイトルはミシェル・ルグランの曲。ピアノの流れるような動きをEddie Gomezのベースがしっかりと受け止めて例えようのない美しい世界を作り出してる。どの曲も心に響いてくる。録音もとてもいい。
[古今亭志ん朝]
化け物使い
志ん朝の話の中でぼくが一番好きな噺だ。人使いの荒い隠居についに奉公人も転居を機に見限って出ていくが、隠居は平然として転居先に出てくる化け物を顎で使うという、いわば他愛ない噺。化け物の台詞は一言もないのに、志ん朝はまるでその化け物が目の前にいるかのように演じきる。親父の志ん生もやっているけど、この噺は志ん朝の方がうまいと思っている。
明烏
桂文楽が十八番にしていた郭噺。初心な若旦那が町内の悪友に騙されて吉原に連れてゆかれるという噺だが。志ん朝の色気が如何なく発揮されている。特に下げのところで花魁と一つ床で朝を迎えた若旦那が、迎えにきた悪友に言う言葉なんかは志ん朝でなければ出せない味がある。
愛宕山
幇間、いわゆる太鼓持ちの噺。太鼓持ちの一八が、旦那の遊山に愛宕山についてゆくが、旦那が遊びで谷底に投げた小判を命がけで拾いにゆくという噺。旦那、芸者、取り巻き、そして太鼓持ちと登場人物が多彩だが志ん朝の手にかかると、その一人一人のキャラクターが手に取るように見えてくる。
[I remember…電子過去帳]
今年96歳になるウチのお袋は、毎朝「過去帳」を開いてその日の月命日の身内や知人にお経をあげている。年寄りの古臭い習慣かも知れないけれど、ぼくは好きだ。それを見るたびに自分がどれだけ、色んな人から縁を貰って生きながらえているかが実感出来るから。
お袋の過去帳ではなけれど、ぼくも自分のカレンダーに身内や知人の他にも好きな音楽家、歌手や作家、画家などの命日を書き込んでいる。そうすると、ぼくらは如何に過去の人達から多くの贈り物を貰っているかが感じられる。その日が近づくとちょっとその人の歌や作品について味わい直してみたくなる。
I remember…
志ん朝とEvans
Bill Evans (†1980年9月15日)
古今亭志ん朝 (†2001年10月1日)
ぼくのカレンダーの画面が9月の画面に変わると3つの日付にリマインダーが現れた。9月といっても一画面に35日分が表示されるから10月初旬までを俯瞰することができる。そのリマインダーは9月15日がBill Evansの命日、9月26日が親父の命日、そして10月1日が古今亭志ん朝の命日だ。志ん朝もEvansもその分野こそ違うがぼくの大好きなアーチストだ。
ちょっとこじつけ臭くなるけど、考えてみるとこの二人の間にはいくつかの共通点がある。残念なことに二人とも夭折してしまった。Evansは51歳、志ん朝は63歳で亡くなっている。二人ともその世界では比類ないほどに非凡だった。二人とも若くして既に完成していたような面がある。
もちろん歳とともに変化はしてゆくが、志ん朝はもう若いころの高座から志ん朝の風情があったし、Evansも26歳の時の最初のアルバム「New Jazz Conception/Bill Evans」のWalz for DebbyからしてもうEvansだったような気がする。もちろん、それでこの二人が老境の域に達するまで生きていてくれたら、という無念さを埋めてくれるものではないけれど…
そしてぼくがこの二人に一番共通していると思っていることは、この二人が持つ端正さと男の色気のよう雰囲気だ。その芸は知的なものの中にぞくっとするような深遠な世界を持っている。秋の夜長はこの二人の遺産に酔ってみたい気がする。
My favourite CDs
[Bill Evans]
Portrait in Jazz
1959年、どれもEvansのピアノとラファロの凄いベースとがかみ合ってとにかくいい。特にAutumn LeavesはTake1とTake2が入っているが、どちらも素晴らしい。Bill Evans Trioの第一作らしい気合が入っていると思う。
Undercurrent
1962年、Jimm Hallのギターの素晴らしさを知ったのはこのアルバムだった。わくわくするようなテンポ。My Fanny Valentineも2Take入っている。ジャケットも素晴らしかったなぁ。LPのジャケットはいつも机の脇に飾っていたけれど、CDになると小さくて…
You must believe in Spring
1977年、アルバムタイトルはミシェル・ルグランの曲。ピアノの流れるような動きをEddie Gomezのベースがしっかりと受け止めて例えようのない美しい世界を作り出してる。どの曲も心に響いてくる。録音もとてもいい。
[古今亭志ん朝]
化け物使い
志ん朝の話の中でぼくが一番好きな噺だ。人使いの荒い隠居についに奉公人も転居を機に見限って出ていくが、隠居は平然として転居先に出てくる化け物を顎で使うという、いわば他愛ない噺。化け物の台詞は一言もないのに、志ん朝はまるでその化け物が目の前にいるかのように演じきる。親父の志ん生もやっているけど、この噺は志ん朝の方がうまいと思っている。
明烏
桂文楽が十八番にしていた郭噺。初心な若旦那が町内の悪友に騙されて吉原に連れてゆかれるという噺だが。志ん朝の色気が如何なく発揮されている。特に下げのところで花魁と一つ床で朝を迎えた若旦那が、迎えにきた悪友に言う言葉なんかは志ん朝でなければ出せない味がある。
愛宕山
幇間、いわゆる太鼓持ちの噺。太鼓持ちの一八が、旦那の遊山に愛宕山についてゆくが、旦那が遊びで谷底に投げた小判を命がけで拾いにゆくという噺。旦那、芸者、取り巻き、そして太鼓持ちと登場人物が多彩だが志ん朝の手にかかると、その一人一人のキャラクターが手に取るように見えてくる。
[I remember…電子過去帳]
今年96歳になるウチのお袋は、毎朝「過去帳」を開いてその日の月命日の身内や知人にお経をあげている。年寄りの古臭い習慣かも知れないけれど、ぼくは好きだ。それを見るたびに自分がどれだけ、色んな人から縁を貰って生きながらえているかが実感出来るから。
お袋の過去帳ではなけれど、ぼくも自分のカレンダーに身内や知人の他にも好きな音楽家、歌手や作家、画家などの命日を書き込んでいる。そうすると、ぼくらは如何に過去の人達から多くの贈り物を貰っているかが感じられる。その日が近づくとちょっとその人の歌や作品について味わい直してみたくなる。
(Sept.2016 revised)
gillman*s Museum 鈴木其一展
■ Museum of the Month
[感想メモ]
世界でも稀な400年も続いた絵師集団である狩野派が、時の権力者と共に歩みその系図を重んじたのに対し、片ややはり300年間紆余曲折を経ながらも続いてきた琳派は系図ではなくひとえにその共通した美意識で繋がっている。
数年前、熱海のMOA美術館で尾形光琳の「紅白梅図屏風」と「燕子花図屏風」が並んでいたのを目にした時の驚きは忘れられない。同時にその時ぼくの脳裏に去来した何とも贅沢な願望は、この光琳の「燕子花図屏風」と鈴木其一の「朝顔図屏風」を並べて観てみたいというものだった。
もちろん、それは望むべくも無いけれど、今日鈴木其一の「朝顔図屏風」の前に立って熱海の時の感動に近いものが蘇ってきた。あの光琳から百年、琳派の美意識はより鮮明になって其一に生き続けており、それはきっと今でも日本人の美意識の一つの底流となって生きているに違いないと思った。
今回の展覧会は5つの展示期間、大きくは2つ位いの期間に分けて展示替えが行われるので注意が必要だ。目玉展示の「朝顔図屏風」は全期間を通じて展示されるが、宗達から連綿と続くあの「風神、雷神図」の其一ヴァージョンは10月5日からの展示になるし、他の作品の大半も展示替えになる。という事はまんべんなく観ようと思ったら二度行かなければならないかも知れない。
[鈴木其一展 My Best 5 (前期)]
①朝顔図屏風(No.67)…まるで空中を浮遊しているような朝顔の群像。以前見た光琳の「燕子花図屏風」と色使いや極めて洗練されたデザイン画のような点では似ているのだけれど、光琳の燕子花図がまだ伊勢物語という文学的背景を背負っているのに対し、其一の朝顔は純粋に意匠的なもののように思われる。ずっと頭の中で思い描いていた朝顔図よりはるかにモダンで正にRIMPAという感じだった。
②三十六歌仙図(No.187)…三十六歌仙という画題は琳派に伝承されているものらしいのだけど、この三十六歌仙は掛軸の表装部分までデザイン化する描表装という手法と相まって、そのまま現代美術館に飾ってもなんら違和感が無い程今日的だ。色彩、構図どれをとってもこれが十九世紀に描かれたものとは思えない程。
③木蓮小禽図(No.51)…もちろん、其一の作品は超モダンなものだけが好いのではない。伝統にのっとった賛が入った掛け軸だって素晴らしいものがある。一見地味な掛け軸だけれど、木蓮の花の質感・存在感が素晴らしい。残念ながら図録ではその良さが全くと言っていいほど伝わって来ない。一羽の鶯がどこにいるか探してみるのも楽しみ。
④芒野図屏風(No.50)…師の抱一ゆずりの銀箔の使い方が実に渋い。二曲一隻の屏風に一面芒(すすき)が生い茂っている。月光に芒が照らされ、所々に霞が立ち込めている。なんとも幽玄なシーンだが、画面自体は素晴らしいPOPアートになっている。
⑤十二ヶ月花鳥図扇面(No.131)…これはファインバーグ・コレクションの所有だが、扇面画十二枚がセットになっている。全体に淡い色調で紙に折り目がついていることから実際に扇子に仕立てられていたらしい。とすればなんとも贅沢で素敵な扇子だ。何よりも目を見張ったのは、その構図。小さな扇なのに絵はその外の大きな世界にシームレスに続いているように見える。
[図録]
340頁。2800円。図録を見るとその展覧会への意気込みが伝わってくることもあるが、今回はそんな図録の一つと言えるかもしれない。300頁超えという持って帰るにはちと重すぎるボリュームにもそれが現れている。構成はいたって標準的なもので、作品の写真と巻末にその解説が載っている。
今までの日本美術の展覧会の図録では三井記念美術館での「北大路魯山人の美 和食の天才展」の図録が最も気に入っているけれど、あそこまでの遊びは無くても好いけど、340頁もあるのだからもう少し遊んでほしかったと思う。とは言え、学術的にも素晴らしいものだと思う。
鈴木其一展
～江戸琳派の旗手～
サントリー美術館
2016年9月10日～10月30日
[感想メモ]
世界でも稀な400年も続いた絵師集団である狩野派が、時の権力者と共に歩みその系図を重んじたのに対し、片ややはり300年間紆余曲折を経ながらも続いてきた琳派は系図ではなくひとえにその共通した美意識で繋がっている。
数年前、熱海のMOA美術館で尾形光琳の「紅白梅図屏風」と「燕子花図屏風」が並んでいたのを目にした時の驚きは忘れられない。同時にその時ぼくの脳裏に去来した何とも贅沢な願望は、この光琳の「燕子花図屏風」と鈴木其一の「朝顔図屏風」を並べて観てみたいというものだった。
もちろん、それは望むべくも無いけれど、今日鈴木其一の「朝顔図屏風」の前に立って熱海の時の感動に近いものが蘇ってきた。あの光琳から百年、琳派の美意識はより鮮明になって其一に生き続けており、それはきっと今でも日本人の美意識の一つの底流となって生きているに違いないと思った。
今回の展覧会は5つの展示期間、大きくは2つ位いの期間に分けて展示替えが行われるので注意が必要だ。目玉展示の「朝顔図屏風」は全期間を通じて展示されるが、宗達から連綿と続くあの「風神、雷神図」の其一ヴァージョンは10月5日からの展示になるし、他の作品の大半も展示替えになる。という事はまんべんなく観ようと思ったら二度行かなければならないかも知れない。
[鈴木其一展 My Best 5 (前期)]
①朝顔図屏風(No.67)…まるで空中を浮遊しているような朝顔の群像。以前見た光琳の「燕子花図屏風」と色使いや極めて洗練されたデザイン画のような点では似ているのだけれど、光琳の燕子花図がまだ伊勢物語という文学的背景を背負っているのに対し、其一の朝顔は純粋に意匠的なもののように思われる。ずっと頭の中で思い描いていた朝顔図よりはるかにモダンで正にRIMPAという感じだった。
②三十六歌仙図(No.187)…三十六歌仙という画題は琳派に伝承されているものらしいのだけど、この三十六歌仙は掛軸の表装部分までデザイン化する描表装という手法と相まって、そのまま現代美術館に飾ってもなんら違和感が無い程今日的だ。色彩、構図どれをとってもこれが十九世紀に描かれたものとは思えない程。
③木蓮小禽図(No.51)…もちろん、其一の作品は超モダンなものだけが好いのではない。伝統にのっとった賛が入った掛け軸だって素晴らしいものがある。一見地味な掛け軸だけれど、木蓮の花の質感・存在感が素晴らしい。残念ながら図録ではその良さが全くと言っていいほど伝わって来ない。一羽の鶯がどこにいるか探してみるのも楽しみ。
④芒野図屏風(No.50)…師の抱一ゆずりの銀箔の使い方が実に渋い。二曲一隻の屏風に一面芒(すすき)が生い茂っている。月光に芒が照らされ、所々に霞が立ち込めている。なんとも幽玄なシーンだが、画面自体は素晴らしいPOPアートになっている。
⑤十二ヶ月花鳥図扇面(No.131)…これはファインバーグ・コレクションの所有だが、扇面画十二枚がセットになっている。全体に淡い色調で紙に折り目がついていることから実際に扇子に仕立てられていたらしい。とすればなんとも贅沢で素敵な扇子だ。何よりも目を見張ったのは、その構図。小さな扇なのに絵はその外の大きな世界にシームレスに続いているように見える。
[図録]
340頁。2800円。図録を見るとその展覧会への意気込みが伝わってくることもあるが、今回はそんな図録の一つと言えるかもしれない。300頁超えという持って帰るにはちと重すぎるボリュームにもそれが現れている。構成はいたって標準的なもので、作品の写真と巻末にその解説が載っている。
今までの日本美術の展覧会の図録では三井記念美術館での「北大路魯山人の美 和食の天才展」の図録が最も気に入っているけれど、あそこまでの遊びは無くても好いけど、340頁もあるのだからもう少し遊んでほしかったと思う。とは言え、学術的にも素晴らしいものだと思う。
(Sept.2016)
gillman*s Museum マーガレット・キャメロン展
■Museum of the Month
写真を観るのも、下手の横好きで撮るのも好きなのだけれど、マーガレット・キャメロンの写真を観るについてぼくらの頭に入れておかなければいけない事が幾つかあると思う。彼女が生まれた1815年は日本では文化12年、杉田玄白が蘭学事始めを著した頃だ。
そして彼女が50歳を目前にして娘に貰ったカメラで写真を撮り始めたのが1863年頃、日本で言えば文久2年、その年は奇しくも日本の写真の先駆者下岡蓮杖が横浜の野毛に写真館を開いた年でもある。その頃の蓮杖はもちろん写真家ではなく「写真師」と呼ばれていたはずだ。要はそういう時代である。
彼女の肖像写真の何枚かにはぼくらも知っている詩人テニスンや画家の弟で美術評論家のウィリアム・ロセッティなどの記録的にも貴重なものが含まれているけど、大抵は彼女の身の回りの人間をピクトリアリズム(Pictorealism)風に、即ち古典的絵画様式に似せて撮っている。
ぼくは正直言って、これよりもっと後のスティーグリッツとかラルティーグとかブレッソンの作品の方が観ていてずっと楽しいのだけれど…。もちろん彼女の写真には、専門家が見れば上流階級のマダムの余技と片付けるには余りにも超時代的な要素が含まれているのだと思う。ぼくにはそこら辺はよく分からないのだけれど、とにかく写真を撮ること自体が面白くて仕方がないと言う写真創世記のワクワク感はビンビンと伝わって来た。尚、展示会場には二部屋程フラッシュなしでの作品撮影が許されている場所があったので他の人の迷惑にならない範囲なら撮影できるのが気が利いていてよかった。
[キャメロン展 My Best 5]
①ベアトリーチェ(No.65)…ピクトリアリズム時代の傑作だと思う。はじめはダンテの「神曲」で煉獄山の頂上でダンテを迎えるベアトリーチェかと思ったら、16世紀に実在した悲劇の娘ベアトリーチェ・チェンチらしい。貴族の父の暴力に耐えかねついに父を殺害し自らも死刑になってしまう悲劇の女性。ルネサンスのボッティチェリの絵画に出てくる女性のようだ。衣服は少しぼけて、悲しげな表情にピントが合っている。当時は実在のモデルを歴史上の人物として撮影したことが批判されたらいしが、ポートレート写真としても優れていると思う。モデルはキャメロンの姪(養子のようだ)にあたるメイ・プリンセプ。後に詩人テニスンの子息の妻となる。キャメロン展のポスターにも使われている。(図録表紙写真)
②修道士ロレンツォとジュリエット(No.73)…色彩こそモノクロだけど、一目見ただけでラファエル前派の絵画の作風を写真化したんじゃないかと思ってしまう。キャメロンの交友関係にラファエル前派の画家ロセッティの弟で美術評論家のウィリアム・ロセッティもいたことから十分考えられると思う。ジュリエットの表情なぞまさにそれだ。(写真) モデルはキャメロン邸の小間使いメアリ・ライアン。メアリはロンドン郊外で物乞いをしていたところを、その美しさに打たれてキャメロンが自宅に連れてきて雇い、教養もつけさせた。最終的には貴族に見初められてその妻となったらしい。
③ジュリア・ジャクスン(No.66)…ピクトリアリズムの枠組みになぞらえた肖像写真が多い中、これはキャメロンの姪であるジュリア・ジャクスンを個人そのままにとらえた肖像写真。真正面からカメラをしっかりと見つめてその女性の芯の強さを表している。ジュリア・ジャクソンはキャメロン自身が名付け親になっており、可愛がっていた。彼女はラファエル前派の画家エドワード・バーン=ジヨーンズの絵画「受胎告知」のマリアのモデルにもなっている。彼女は嫁ぎ先で夫とすぐに死別、その後再婚して後に著名な小説家となったヴァージニア・ウルフを生む。
④シャーロット・ノーマン(No.111)…キャメロンの写真の中には素人写真家ならではの失敗や技術の未熟さもあったようで、ご多分に漏れずそこら辺が当時の批評家たちの非難の的にもなった。しかしそのうちキャメロンはそれらの失敗は新しい表現に結びつくことに気が付き始める。ある批評家はそれに触れて「失敗が成功だったことに気づき、それ以降は焦点の外れた肖像写真を計画的に作り出すという明敏さをもった最初の人物」と明言した。このシャーロット・ノーマンの写真もそうした失敗写真コーナーに飾られている。いわゆるアトピンといわれる手前がぼけていて向こうに居る少女の顔にだけピントがあっている。今では当たり前の画面だけれど…。これはレンズというよりも現像処理段階でのムラから発したらしい。
⑤アメリカの芸術家ジョージア・オキーフの肖像2(No.119)/アルフレッド・スティーグリッツ…これはキャメロンの作品ではなく、それから40年以上後のスティーグリッツの作品。ここら辺に来るとフォーカスも安定していてちょっとほっとする。スティーグリッツも最初はピクトリアリズムからスタートしたけれど後にストレートな写真に移っている。スティーグリッツは絵画に隷属するようなメディアとしての写真を自立した表現手段として発展させていったように思う。
[図録]
221頁。2300円。写真史にあまり興味のない人にとっては正直言って持て余す感じかもしれない。中に掲載されている作品の写真は正直言って会場に展示されていた実物の写真よりも見易い。それは多分印刷することで若干コントラストが強められるなど細部が判別しやすくなっているからかもしれない。
[After]
帰りはいつも美術館カフェのCafe1894で休んでいくのだけれど、昨日はパーティーかなんかで4時から貸切。入れなくて残念。
マーガレット・キャメロン展
三菱一号館美術館
2016年7月2日～9月19日
写真を観るのも、下手の横好きで撮るのも好きなのだけれど、マーガレット・キャメロンの写真を観るについてぼくらの頭に入れておかなければいけない事が幾つかあると思う。彼女が生まれた1815年は日本では文化12年、杉田玄白が蘭学事始めを著した頃だ。
そして彼女が50歳を目前にして娘に貰ったカメラで写真を撮り始めたのが1863年頃、日本で言えば文久2年、その年は奇しくも日本の写真の先駆者下岡蓮杖が横浜の野毛に写真館を開いた年でもある。その頃の蓮杖はもちろん写真家ではなく「写真師」と呼ばれていたはずだ。要はそういう時代である。
彼女の肖像写真の何枚かにはぼくらも知っている詩人テニスンや画家の弟で美術評論家のウィリアム・ロセッティなどの記録的にも貴重なものが含まれているけど、大抵は彼女の身の回りの人間をピクトリアリズム(Pictorealism)風に、即ち古典的絵画様式に似せて撮っている。
ぼくは正直言って、これよりもっと後のスティーグリッツとかラルティーグとかブレッソンの作品の方が観ていてずっと楽しいのだけれど…。もちろん彼女の写真には、専門家が見れば上流階級のマダムの余技と片付けるには余りにも超時代的な要素が含まれているのだと思う。ぼくにはそこら辺はよく分からないのだけれど、とにかく写真を撮ること自体が面白くて仕方がないと言う写真創世記のワクワク感はビンビンと伝わって来た。尚、展示会場には二部屋程フラッシュなしでの作品撮影が許されている場所があったので他の人の迷惑にならない範囲なら撮影できるのが気が利いていてよかった。
[キャメロン展 My Best 5]
①ベアトリーチェ(No.65)…ピクトリアリズム時代の傑作だと思う。はじめはダンテの「神曲」で煉獄山の頂上でダンテを迎えるベアトリーチェかと思ったら、16世紀に実在した悲劇の娘ベアトリーチェ・チェンチらしい。貴族の父の暴力に耐えかねついに父を殺害し自らも死刑になってしまう悲劇の女性。ルネサンスのボッティチェリの絵画に出てくる女性のようだ。衣服は少しぼけて、悲しげな表情にピントが合っている。当時は実在のモデルを歴史上の人物として撮影したことが批判されたらいしが、ポートレート写真としても優れていると思う。モデルはキャメロンの姪(養子のようだ)にあたるメイ・プリンセプ。後に詩人テニスンの子息の妻となる。キャメロン展のポスターにも使われている。(図録表紙写真)
②修道士ロレンツォとジュリエット(No.73)…色彩こそモノクロだけど、一目見ただけでラファエル前派の絵画の作風を写真化したんじゃないかと思ってしまう。キャメロンの交友関係にラファエル前派の画家ロセッティの弟で美術評論家のウィリアム・ロセッティもいたことから十分考えられると思う。ジュリエットの表情なぞまさにそれだ。(写真) モデルはキャメロン邸の小間使いメアリ・ライアン。メアリはロンドン郊外で物乞いをしていたところを、その美しさに打たれてキャメロンが自宅に連れてきて雇い、教養もつけさせた。最終的には貴族に見初められてその妻となったらしい。
③ジュリア・ジャクスン(No.66)…ピクトリアリズムの枠組みになぞらえた肖像写真が多い中、これはキャメロンの姪であるジュリア・ジャクスンを個人そのままにとらえた肖像写真。真正面からカメラをしっかりと見つめてその女性の芯の強さを表している。ジュリア・ジャクソンはキャメロン自身が名付け親になっており、可愛がっていた。彼女はラファエル前派の画家エドワード・バーン=ジヨーンズの絵画「受胎告知」のマリアのモデルにもなっている。彼女は嫁ぎ先で夫とすぐに死別、その後再婚して後に著名な小説家となったヴァージニア・ウルフを生む。
④シャーロット・ノーマン(No.111)…キャメロンの写真の中には素人写真家ならではの失敗や技術の未熟さもあったようで、ご多分に漏れずそこら辺が当時の批評家たちの非難の的にもなった。しかしそのうちキャメロンはそれらの失敗は新しい表現に結びつくことに気が付き始める。ある批評家はそれに触れて「失敗が成功だったことに気づき、それ以降は焦点の外れた肖像写真を計画的に作り出すという明敏さをもった最初の人物」と明言した。このシャーロット・ノーマンの写真もそうした失敗写真コーナーに飾られている。いわゆるアトピンといわれる手前がぼけていて向こうに居る少女の顔にだけピントがあっている。今では当たり前の画面だけれど…。これはレンズというよりも現像処理段階でのムラから発したらしい。
⑤アメリカの芸術家ジョージア・オキーフの肖像2(No.119)/アルフレッド・スティーグリッツ…これはキャメロンの作品ではなく、それから40年以上後のスティーグリッツの作品。ここら辺に来るとフォーカスも安定していてちょっとほっとする。スティーグリッツも最初はピクトリアリズムからスタートしたけれど後にストレートな写真に移っている。スティーグリッツは絵画に隷属するようなメディアとしての写真を自立した表現手段として発展させていったように思う。
[図録]
221頁。2300円。写真史にあまり興味のない人にとっては正直言って持て余す感じかもしれない。中に掲載されている作品の写真は正直言って会場に展示されていた実物の写真よりも見易い。それは多分印刷することで若干コントラストが強められるなど細部が判別しやすくなっているからかもしれない。
[After]
帰りはいつも美術館カフェのCafe1894で休んでいくのだけれど、昨日はパーティーかなんかで4時から貸切。入れなくて残念。
(Aug. 2016)
gillman*s Museum メアリー・カサット展
■Museum of the Month
パリで活躍したアメリカ人の女流画家メアリー・カサットの絵は好きで前から見てみたいと思っていたのだけれどなかなか機会がなく叶わなかった。今回横浜美術館で回顧展が開かれたので期待して行ってみた。
油彩、パステル画、銅版画そして彩色版画と多角的な作品が収められていて、とても楽しめた。会場に入って数点の彼女の作品を見て、まず思うのは巧いなぁということ。ここら辺は天賦の才能なんだろうなと。それからもう一つは、ドガや印象派などと出会って感銘した画家の画風がその時の作品にストレートに反映されていること。それが時間の経過とともに彼女の中でどのような変容を遂げるかを見届けるのもこの回顧展の楽しみの一つだと思う。(展示は時系列にはなっていないけれど作成年を見ると何となく…)
最近観た女流画家の回顧展としてはフィンランド人のヘレン・シャルフベックとユトリロの母であるシュザンヌ・ヴァラドンがあるけど、それぞれ頭の中で比べながら観ると感慨深いものがある。カサットは1844年～1926年、シャルフベックは1862年～1946年そしてヴァラドンが1865年～1938年といわばほとんど同時代を生きた女性たちだ。しかしその生き方はまるで異なる。手堅いプロのアーティストとして生きたカサット、破天荒なほど自由奔放に生きたヴァラドンそして生涯孤独だったシャルフベック。
そして皆国は違うけれども、まだ必ずしも女性に取って自由ではなかった同じような時代にパリで絵を学んだという事は共通している。その時代のカサットとヴァラドンの記憶を結びつけるのはドガだ。シャルフベックはパリとヘルシンキを行き来したけれど彼女の関心はどちらかと言えばイギリスやイタリアに向いていたかもしれない。
画風の変容も、印象派からジャポニズムそして版画やパステルなどの表現手段ごとの自分のスタイルを模索していったカサット、正式な美術教育を受けていないけれど男を変えるたびにそこから感性を吸い取ってゆくようなヴァラドンの変容、そして生涯作風が揺れ続け、その揺れること自体が彼女の生きている証だったようなシャルフベック。三人の女性の人生を重ね合わせながら観ていたらとても感慨深いものがあった。
[カサット展 My Best 5]
①沐浴する女性(No.59)…迷ったけれど結局ドライポイントの彩色版画であるこれを一番に選んだ。カサットはエコール・デ・ボザールで見た日本の浮世絵版画に感動してその構図、画題そして線の繊細さを求めて10点組の彩色版画を作成しているけど、これが また素晴らしい出来。ただエキゾチックなだけではなくて表現として洗練されている。特にその中でもこの「沐浴する女性」は繊細な色遣いと線が見事だ。これを見たドガは、女なんかにこんな線が描けるとはなんという事だと悔しがったらしい。(ドガは大の女嫌いだったけど、カサットとヴァラドンは別格だったらしい)
②桟敷席にて(No.13)…カサットの油彩の代表作だからという理由だけでなく確かにその構図やカメラでいうピントとボケでの筆致の使い分け、光と影のバランスどれをとっても素晴らしい。一目見ただけでその時代の空気、光が蘇ってくるようだ。向かいのバルコンに居るサッといかにも粗いタッチで描かれた紳士がちゃんとオペラグラスでこっちを見ている風に見えるから大したものだ。
③眠たい子供を沐浴させる母親(No.29)…カサットはこのような母子像を何枚も描いている。見ようによっては現代の聖母子像のような雰囲気さえあるかもしれない。色彩的にはルノアールを全体に淡くしたような印象だけれども、ここでもカサットの構図の構成力はすごいと思わせる。まず中央の母子の交差する視線に目をやると観る者の目線は続いて画面の左下へと延びている母親の腕へと誘導される。そしてその手の先は洗面器の中で母親がスポンジを握って水を切ろうとしているまさにその瞬間であることを示している。なんかギュッという指の動きが一瞬見えたような…。
④ロバート・J・カサット夫人、画家の母(No.34)…カサットはずいぶん多くの肖像画を手掛けているけれどその肖像画の中でもこれはピカイチだと思う。敬愛する母親の内面まで映し出すようだ。彼女は母親をパステルでも描いているけどこれも素晴らしい(No.33)。黒い服に身を包んだ母親の肖像画というと他の二枚の絵も思い出す。(ここには展示されていないけど…) 一枚はホイッスラーの「灰色と黒のアレンジメント第一番、画家の母の肖像(1871年)」 そしてもう一枚がハンマースホイの「画家の母(1886年)」だ。この三枚の母親の肖像画を頭の中で並べてみると各々の母に対する想いみたいなものが伝わってくる。カサットのこの絵は1889年ごろに描かれているのでもしかしたらホイッスラーの絵は見ているかもしれない。
⑤ソファに腰掛けるレーヌとマーゴ(No.107)…また 迷う。パステルが彼女は好きだったようで、素晴らしい作品も多いが、此処では敢えてモノクロのドライポイントの版画をあげたい。画面の中央に母子が横たわって居る。周りは全て余白だ。一見未完成の作品のように見えるが、そうではない。輪郭がソフトで優しいドライポイントの効果が上手く使われている。ふと、カサットがアメリカ人であることを思い出した。どこかイラストレーションのようで、やがてバーニー・ヒュークスなどのアメリカン・イラストレーションへと繋がってゆく予兆のようなものをこの画面からは感じた。
[図録]
212頁。2300円。図録の出来は標準的だけれども、この図録の存在自体は特別なものだと思う。日本では作品の現物は勿論画集でさえ滅多に見られない類の作家の回顧展の図録は即その国におけるその作家の資料の全てである場合がある。ということは後でその作品に出会いたくともそれ自体無理になる場合があるということだ。メアリー・カサットもそれに近い作家なのかもしれない。
例えば、先のシェルフベックやカイユボットやハンマースホイの回顧展の図録などは今でもその作家の日本における貴重な資料だと思う。回顧展の図録などは意外と図書館には置いていないものだ。(ぼくはいつも国立新美術館の3階の資料室で見てますが…) 展覧会を見て、その作家が好きになったら図録を手元に置いておくのもいいと思う。
[After]
横浜美術館は収蔵品の常設展示もあるので、企画展の帰りにはいつも観る。ここは結構写真の収蔵品を多く持っているので写真部門には必ず立ち寄るようにしている。そのあとは美術館カフェの窓からゆっくりと美術館前広場の光景を観察するのが好きだ。
(Aug. 2016)
メアリー・カサット展
横浜美術館
2016年6月25日～9月11日
パリで活躍したアメリカ人の女流画家メアリー・カサットの絵は好きで前から見てみたいと思っていたのだけれどなかなか機会がなく叶わなかった。今回横浜美術館で回顧展が開かれたので期待して行ってみた。
油彩、パステル画、銅版画そして彩色版画と多角的な作品が収められていて、とても楽しめた。会場に入って数点の彼女の作品を見て、まず思うのは巧いなぁということ。ここら辺は天賦の才能なんだろうなと。それからもう一つは、ドガや印象派などと出会って感銘した画家の画風がその時の作品にストレートに反映されていること。それが時間の経過とともに彼女の中でどのような変容を遂げるかを見届けるのもこの回顧展の楽しみの一つだと思う。(展示は時系列にはなっていないけれど作成年を見ると何となく…)
最近観た女流画家の回顧展としてはフィンランド人のヘレン・シャルフベックとユトリロの母であるシュザンヌ・ヴァラドンがあるけど、それぞれ頭の中で比べながら観ると感慨深いものがある。カサットは1844年～1926年、シャルフベックは1862年～1946年そしてヴァラドンが1865年～1938年といわばほとんど同時代を生きた女性たちだ。しかしその生き方はまるで異なる。手堅いプロのアーティストとして生きたカサット、破天荒なほど自由奔放に生きたヴァラドンそして生涯孤独だったシャルフベック。
そして皆国は違うけれども、まだ必ずしも女性に取って自由ではなかった同じような時代にパリで絵を学んだという事は共通している。その時代のカサットとヴァラドンの記憶を結びつけるのはドガだ。シャルフベックはパリとヘルシンキを行き来したけれど彼女の関心はどちらかと言えばイギリスやイタリアに向いていたかもしれない。
画風の変容も、印象派からジャポニズムそして版画やパステルなどの表現手段ごとの自分のスタイルを模索していったカサット、正式な美術教育を受けていないけれど男を変えるたびにそこから感性を吸い取ってゆくようなヴァラドンの変容、そして生涯作風が揺れ続け、その揺れること自体が彼女の生きている証だったようなシャルフベック。三人の女性の人生を重ね合わせながら観ていたらとても感慨深いものがあった。
[カサット展 My Best 5]
①沐浴する女性(No.59)…迷ったけれど結局ドライポイントの彩色版画であるこれを一番に選んだ。カサットはエコール・デ・ボザールで見た日本の浮世絵版画に感動してその構図、画題そして線の繊細さを求めて10点組の彩色版画を作成しているけど、これが また素晴らしい出来。ただエキゾチックなだけではなくて表現として洗練されている。特にその中でもこの「沐浴する女性」は繊細な色遣いと線が見事だ。これを見たドガは、女なんかにこんな線が描けるとはなんという事だと悔しがったらしい。(ドガは大の女嫌いだったけど、カサットとヴァラドンは別格だったらしい)
②桟敷席にて(No.13)…カサットの油彩の代表作だからという理由だけでなく確かにその構図やカメラでいうピントとボケでの筆致の使い分け、光と影のバランスどれをとっても素晴らしい。一目見ただけでその時代の空気、光が蘇ってくるようだ。向かいのバルコンに居るサッといかにも粗いタッチで描かれた紳士がちゃんとオペラグラスでこっちを見ている風に見えるから大したものだ。
③眠たい子供を沐浴させる母親(No.29)…カサットはこのような母子像を何枚も描いている。見ようによっては現代の聖母子像のような雰囲気さえあるかもしれない。色彩的にはルノアールを全体に淡くしたような印象だけれども、ここでもカサットの構図の構成力はすごいと思わせる。まず中央の母子の交差する視線に目をやると観る者の目線は続いて画面の左下へと延びている母親の腕へと誘導される。そしてその手の先は洗面器の中で母親がスポンジを握って水を切ろうとしているまさにその瞬間であることを示している。なんかギュッという指の動きが一瞬見えたような…。
④ロバート・J・カサット夫人、画家の母(No.34)…カサットはずいぶん多くの肖像画を手掛けているけれどその肖像画の中でもこれはピカイチだと思う。敬愛する母親の内面まで映し出すようだ。彼女は母親をパステルでも描いているけどこれも素晴らしい(No.33)。黒い服に身を包んだ母親の肖像画というと他の二枚の絵も思い出す。(ここには展示されていないけど…) 一枚はホイッスラーの「灰色と黒のアレンジメント第一番、画家の母の肖像(1871年)」 そしてもう一枚がハンマースホイの「画家の母(1886年)」だ。この三枚の母親の肖像画を頭の中で並べてみると各々の母に対する想いみたいなものが伝わってくる。カサットのこの絵は1889年ごろに描かれているのでもしかしたらホイッスラーの絵は見ているかもしれない。
⑤ソファに腰掛けるレーヌとマーゴ(No.107)…また 迷う。パステルが彼女は好きだったようで、素晴らしい作品も多いが、此処では敢えてモノクロのドライポイントの版画をあげたい。画面の中央に母子が横たわって居る。周りは全て余白だ。一見未完成の作品のように見えるが、そうではない。輪郭がソフトで優しいドライポイントの効果が上手く使われている。ふと、カサットがアメリカ人であることを思い出した。どこかイラストレーションのようで、やがてバーニー・ヒュークスなどのアメリカン・イラストレーションへと繋がってゆく予兆のようなものをこの画面からは感じた。
[図録]
212頁。2300円。図録の出来は標準的だけれども、この図録の存在自体は特別なものだと思う。日本では作品の現物は勿論画集でさえ滅多に見られない類の作家の回顧展の図録は即その国におけるその作家の資料の全てである場合がある。ということは後でその作品に出会いたくともそれ自体無理になる場合があるということだ。メアリー・カサットもそれに近い作家なのかもしれない。
例えば、先のシェルフベックやカイユボットやハンマースホイの回顧展の図録などは今でもその作家の日本における貴重な資料だと思う。回顧展の図録などは意外と図書館には置いていないものだ。(ぼくはいつも国立新美術館の3階の資料室で見てますが…) 展覧会を見て、その作家が好きになったら図録を手元に置いておくのもいいと思う。
[After]
横浜美術館は収蔵品の常設展示もあるので、企画展の帰りにはいつも観る。ここは結構写真の収蔵品を多く持っているので写真部門には必ず立ち寄るようにしている。そのあとは美術館カフェの窓からゆっくりと美術館前広場の光景を観察するのが好きだ。
(Aug. 2016)
gillman*s Museum ポール・スミス展
■Museum of the Month
ぼくがポール・スミスという名前を初めて知ったのはアパレルの仕事をしていた故義兄から一着のモスグリーンのジャケットを貰った時からだった。そのジャケットのタグにポール・スミスの名があった。ぼくは着るものの方は疎いのだけれど、それ以来お店や雑誌などでポール・スミスという名前が目に入ると気を付けてみるようになった。
ポール・スミス展は上野の森美術館でやっている。月曜日なら上野の他の美術館が休みなので、ここはすいているだろうと思ったのだけれど、意外とチケット売り場には列が…。その日は時間もなかったので翌日再度行くことに。
やはり混んでいる。中は美術展というより、何とも楽しいイヴェントのような雰囲気で、まさにポール・スミス・ワールド。彼の集めた写真やイラスト、それに仕事のスタジオなどあの不思議なカラリングが生み出される現場感があふれていた。会場内は写真もオーケーということなので今回はカメラを持ってきてよかった。これは誰にでも楽しいという訳ではないと思うけれど、ぼくはとても楽しかった。
[ポール・スミス展 My Best 5] 作品というより展示コーナー
①デザインスタジオ…彼のかつてのコヴェント・ガーデンのデザイン・オフィスを模したコーナーにはカラーチャートや素材見本やステーショナリーが雑然と置かれている。全体を俯瞰すると仕事場の雰囲気が感じ取れる。そして一つ一つのモノに目をやると、どこに関心が向くかは人によって全く違うかもしれないけれど、見ていて飽きない。一つ一つを貪るように写真に収めていた人がいた。
②オフィス…デザインスタジオの隣にはやはり彼のオフィスの様子がわかる展示があった。昔のマック、スヌーピーの置物、自転車、カメラ等々、足の踏み場もないような状態でモノが置かれている。一見すると70年代モノのアンティークショップのようだ。それらはポール・スミスが世界を旅して手に入れたものやファンから送られたもの等だが、彼はそれが自分の頭の中そのものだと言う。そこから数々のインスピレーションが湧いてくるのだと。
③インスピレーション…彼はアイデアやインスピレーションを逃さないようにメモやデジタルカメラの映像を残しているが、この小さな部屋では多数のモニターに彼の写真アーカイブが投影される。
④コラボレーション…有名な自動車のミニをはじめとして彼のデザインは工業製品ともコラボをしている。ライカのカメラもそうだが、ぼくは二階の会場に飾られていたTriumphのオートバイが一番美しく感じられた。
⑤ギャラリー…会場を入るとすぐに回廊の両側の壁にポール・スミスが集めた写真や絵がギャラリーのように飾られている。一つ一つは全く異なるものだけど、全体を見回してみるとポール・スミスのテイストというか、どんなものに愛情が向いているのかを感じ取ることができる。気に入ったイラストなり写真なりを自分のデジカメでハイティングして自分の中のポール・スミスを探してみるのも面白いと思う。ぜひカメラを持参で。
*一つ残念なことは美術館の中にはロッカーがないので、出来るだけ荷物を少なくしていく方が良いと思います。
[図録]
175頁。2500円。これは図録というよりは「ポール・スミス図鑑」もしくは「ポール・スミス・マガジン」と言った方が好いような感じ。文章は殆どないけれど全体的雰囲気は見事にエグジビションの雰囲気にシンクロしている。
ポール・スミス展
上野の森美術館
2016年7月27日～8月23日
ぼくがポール・スミスという名前を初めて知ったのはアパレルの仕事をしていた故義兄から一着のモスグリーンのジャケットを貰った時からだった。そのジャケットのタグにポール・スミスの名があった。ぼくは着るものの方は疎いのだけれど、それ以来お店や雑誌などでポール・スミスという名前が目に入ると気を付けてみるようになった。
ポール・スミス展は上野の森美術館でやっている。月曜日なら上野の他の美術館が休みなので、ここはすいているだろうと思ったのだけれど、意外とチケット売り場には列が…。その日は時間もなかったので翌日再度行くことに。
やはり混んでいる。中は美術展というより、何とも楽しいイヴェントのような雰囲気で、まさにポール・スミス・ワールド。彼の集めた写真やイラスト、それに仕事のスタジオなどあの不思議なカラリングが生み出される現場感があふれていた。会場内は写真もオーケーということなので今回はカメラを持ってきてよかった。これは誰にでも楽しいという訳ではないと思うけれど、ぼくはとても楽しかった。
[ポール・スミス展 My Best 5] 作品というより展示コーナー
①デザインスタジオ…彼のかつてのコヴェント・ガーデンのデザイン・オフィスを模したコーナーにはカラーチャートや素材見本やステーショナリーが雑然と置かれている。全体を俯瞰すると仕事場の雰囲気が感じ取れる。そして一つ一つのモノに目をやると、どこに関心が向くかは人によって全く違うかもしれないけれど、見ていて飽きない。一つ一つを貪るように写真に収めていた人がいた。
②オフィス…デザインスタジオの隣にはやはり彼のオフィスの様子がわかる展示があった。昔のマック、スヌーピーの置物、自転車、カメラ等々、足の踏み場もないような状態でモノが置かれている。一見すると70年代モノのアンティークショップのようだ。それらはポール・スミスが世界を旅して手に入れたものやファンから送られたもの等だが、彼はそれが自分の頭の中そのものだと言う。そこから数々のインスピレーションが湧いてくるのだと。
③インスピレーション…彼はアイデアやインスピレーションを逃さないようにメモやデジタルカメラの映像を残しているが、この小さな部屋では多数のモニターに彼の写真アーカイブが投影される。
④コラボレーション…有名な自動車のミニをはじめとして彼のデザインは工業製品ともコラボをしている。ライカのカメラもそうだが、ぼくは二階の会場に飾られていたTriumphのオートバイが一番美しく感じられた。
⑤ギャラリー…会場を入るとすぐに回廊の両側の壁にポール・スミスが集めた写真や絵がギャラリーのように飾られている。一つ一つは全く異なるものだけど、全体を見回してみるとポール・スミスのテイストというか、どんなものに愛情が向いているのかを感じ取ることができる。気に入ったイラストなり写真なりを自分のデジカメでハイティングして自分の中のポール・スミスを探してみるのも面白いと思う。ぜひカメラを持参で。
*一つ残念なことは美術館の中にはロッカーがないので、出来るだけ荷物を少なくしていく方が良いと思います。
[図録]
175頁。2500円。これは図録というよりは「ポール・スミス図鑑」もしくは「ポール・スミス・マガジン」と言った方が好いような感じ。文章は殆どないけれど全体的雰囲気は見事にエグジビションの雰囲気にシンクロしている。
(Aug. 2016)
gillman*s Museum ポンピドゥー・センター傑作展
■Museum of the Month
[memo]
ポンピドゥー・センターができてからもオルセーやルーヴルには行ってもポンピドゥー・センターに足を運んだことはなかった。もともと現代美術に余り馴染みが無いこともあるけど、あのセンターの建物自体余り好きになれなかったので…ということもあるかも知れない。
今回も余り乗り気はしなかったのだけれど1977年ポンピドゥー・センターが出来るまでの20世紀を年代順に追っていって一年に一人の作家の一作品を展示すると言うコンセプトが面白そうなので行ってみた。
会場の入口を入って初っ端の作品が1906年、ラウル・デュフィの「旗で飾られた通り」だった。デュフィは大好きな作家だけど、そうかデュフィがスタートなんだ。ということは…。
1906年のデュフィから1977年のレンゾ・ピアノ/リチャード・ロジャース(ポンピドゥー・センターの設計者) までの作品を続けて観てぼくの頭に浮かんできたのは、そのスパンの年代の絵画等における激しい変化。具象の崩壊と、表現における感性から観念への移行そして写真の台頭だった。これはもちろんぼくの勝手な解釈、感想なので…。逆に言うとその時代の流れが大掴みに実感できたというのはある。
ただ、これを現代美術の「傑作展」というにはセンターが所蔵するウォーホルやポロックやロスコなどの作品も来ていないし、ちょっと辛いところはあるにしても、ポンピドゥー・センターからの限られた貸出作品枠の中で、新機軸の展示切り口を探し出して見せたのはチャレンジングな試みだと思う。
[My Best 5] 年代順
①ラウル・デュフィ「旗で飾られた通り」1906年…もしポンピドゥー・センターに行って真っ先に観たい作品があるとすればデュフィの作品だ。センターは実に多くのデュフィの作品を所蔵している。それを観るだけでも行く価値はあるかもしれない。
②マン・レイ「剃髪したデュシャン」1921年…マン・レイはレイヨグラフというレンズを使わないで印画紙の上にモノを置いて感光させる写真で知られているけれど、この写真はレイが親友のデュシャンをカメラで撮った珍しい写真だと思う。
③藤田嗣治「画家の肖像」1928年…この前年に描かれた三重県立美術館にある「猫のいる自画像」と同じ茶トラの猫が描かれている(同じ猫だと思う)。1927年の自画像に描かれた時の猫は藤田の後ろからぬっと顔を出しているけれど、この絵では抱かれて実に気持ちよさそうに目をつむっている。小品だが、乳白色の色合いも素晴らしく実に藤田らしい作品だ。
④ピエール・ボナール「浴槽の裸婦」1931年…いわゆるアンティミスト(親密派)のボナールは身の回りに題材を求めることが多いのだけれど、その中でも妻のマルトのものが多い。マルトは異常なほどの潔癖症で一日に何回も風呂に入っていたらしい。ボナール独特の繊細で淡い色彩が装飾的な要素をもつ構図と相まって日常の中にある静謐な瞬間をとらえている。
⑤アンリ・マチス「大きな赤い室内」1948年…マチスの赤はいつも素晴らしいけど、この室内シリーズの一枚も素晴らしい。晩年洗練され単純化されてゆく構図にも魅せられた。
あ～結局、なんとコンサバなチョイス。モダンアート・ファンの皆さまゴメンナサイ。
[図録]
219頁。2400円。まさに図録。構成は見開きで左ページに作家の写真と格言的作家の言葉、右ページに作品の写真。巻末の作品解説も基本的には展示脇の解説と同じだと思う。色は余り忠実ではないと感じた。
(Aug. 2016)
ポンピドゥー・センター傑作展
東京都美術館
2016年6月11日～9月22日
[memo]
ポンピドゥー・センターができてからもオルセーやルーヴルには行ってもポンピドゥー・センターに足を運んだことはなかった。もともと現代美術に余り馴染みが無いこともあるけど、あのセンターの建物自体余り好きになれなかったので…ということもあるかも知れない。
今回も余り乗り気はしなかったのだけれど1977年ポンピドゥー・センターが出来るまでの20世紀を年代順に追っていって一年に一人の作家の一作品を展示すると言うコンセプトが面白そうなので行ってみた。
会場の入口を入って初っ端の作品が1906年、ラウル・デュフィの「旗で飾られた通り」だった。デュフィは大好きな作家だけど、そうかデュフィがスタートなんだ。ということは…。
1906年のデュフィから1977年のレンゾ・ピアノ/リチャード・ロジャース(ポンピドゥー・センターの設計者) までの作品を続けて観てぼくの頭に浮かんできたのは、そのスパンの年代の絵画等における激しい変化。具象の崩壊と、表現における感性から観念への移行そして写真の台頭だった。これはもちろんぼくの勝手な解釈、感想なので…。逆に言うとその時代の流れが大掴みに実感できたというのはある。
ただ、これを現代美術の「傑作展」というにはセンターが所蔵するウォーホルやポロックやロスコなどの作品も来ていないし、ちょっと辛いところはあるにしても、ポンピドゥー・センターからの限られた貸出作品枠の中で、新機軸の展示切り口を探し出して見せたのはチャレンジングな試みだと思う。
[My Best 5] 年代順
①ラウル・デュフィ「旗で飾られた通り」1906年…もしポンピドゥー・センターに行って真っ先に観たい作品があるとすればデュフィの作品だ。センターは実に多くのデュフィの作品を所蔵している。それを観るだけでも行く価値はあるかもしれない。
②マン・レイ「剃髪したデュシャン」1921年…マン・レイはレイヨグラフというレンズを使わないで印画紙の上にモノを置いて感光させる写真で知られているけれど、この写真はレイが親友のデュシャンをカメラで撮った珍しい写真だと思う。
③藤田嗣治「画家の肖像」1928年…この前年に描かれた三重県立美術館にある「猫のいる自画像」と同じ茶トラの猫が描かれている(同じ猫だと思う)。1927年の自画像に描かれた時の猫は藤田の後ろからぬっと顔を出しているけれど、この絵では抱かれて実に気持ちよさそうに目をつむっている。小品だが、乳白色の色合いも素晴らしく実に藤田らしい作品だ。
④ピエール・ボナール「浴槽の裸婦」1931年…いわゆるアンティミスト(親密派)のボナールは身の回りに題材を求めることが多いのだけれど、その中でも妻のマルトのものが多い。マルトは異常なほどの潔癖症で一日に何回も風呂に入っていたらしい。ボナール独特の繊細で淡い色彩が装飾的な要素をもつ構図と相まって日常の中にある静謐な瞬間をとらえている。
⑤アンリ・マチス「大きな赤い室内」1948年…マチスの赤はいつも素晴らしいけど、この室内シリーズの一枚も素晴らしい。晩年洗練され単純化されてゆく構図にも魅せられた。
あ～結局、なんとコンサバなチョイス。モダンアート・ファンの皆さまゴメンナサイ。
[図録]
219頁。2400円。まさに図録。構成は見開きで左ページに作家の写真と格言的作家の言葉、右ページに作品の写真。巻末の作品解説も基本的には展示脇の解説と同じだと思う。色は余り忠実ではないと感じた。
(Aug. 2016)
gillman*s Museum エミール・ガレ展
■Museum of the Month
先日六本木の国立新美術館に行ったときにサントリー美術館ではエミール・ガレ展をやっていたのは知っていたけど、出来れば展覧会のはしごはやりたくないのでそのまま帰ってきた。昨日時間を割いて改めて行った。というのは早とちりして会期がてっきり7月の28日までだと思い込んでいたのでちょっと無理して時間を作ってきたのだけれど、なんのことはない会期はあとひと月もあったのだ。
午後一番で行ったけれど会場は結構な人で観るには支障がなかったが、やはりガレという人気作家の展覧会なのだなぁと。ぼくはガレとドームの違いも良くわからないけど、そんなぼくでもそれなりに楽しめた。以前友人宅に行ったとき居間に置かれているドームのランプを指して失礼にも「このドームのレプリカ良いですねぇ」と言ったら「一応、本物だけど…。工房のものだとは思うけどね」と言われて大恐縮したことがあるくらいだから。
出展作はオルセー協力を大きくうたっていたのだが、作品の殆どは、おそらくは8割方はサントリー美術館所有だった。ただ、普段はなかなか見られないガレのスケッチや意匠デザインの図案などがあって作品の背景を含めて立体的に鑑賞できるという点では良かった。
ただ残念なことは、いかにも会場が暗すぎること。前回の広重の浮世絵などの植物性の劣化しやすい絵の具の作品などは光が害を及ぼすので、鑑賞ギリギリの明るさまで落とすのはわかるのだけれど、ガラスはそれまで暗くする必要はないと思うし、ガレの作品は黒のマットのガラス作品が結構多いので正直言ってディテールは判別ができなかった。年寄りの弱った眼にはなお辛い。
以前ドームの作品の展示会に行った時も会場は暗かったけれど、その時のドームはランプが主流だったので鑑賞には逆に暗いほうが良かったのだが、今回は花器などが多くランプの類はほんの数点だった。ガラス作品でも箱根ラリック美術館は決して暗くはなかった。意匠デザイン画などが展示されてあるのが要因であるなら、それを避けてガラス作品にはちゃんと光を当てるなどの工夫がほしかった。
さらにいつもは結構重要な作品が展示される場所である3階の階段下のスペースが、作品は数点置かれていただけてあとは、意図が良くわからない展示作品の写真パネルになっていたのは、スペースを埋めるだけの作品数が足りなかったのか。これは下種の勘繰りかもしれないが…。
[ガレ展 My Best 5]
①蓋付壺「たまり水」No.146…多様なブルーとエメラルドグリーンで彩られたガラス壺で、置かれているショーケースの後ろのライトを通して垣間見える藍色はなんとも言いようの無い程鮮烈で美しい。光を浴びた水面を象徴しているのか青の下には光をはなつプラチナ箔が埋め込まれている。壺の「たまり水」という名前はガレ自らがつけたもの。これは数少ないオルセー美術館からの出展物。
②壺「枯葉」No.151…ガラス壺の形はまさに東洋磁器の壺だが、実はガラスの層の間にプラチナ箔を埋め込んであり、それがエングレーヴィングされた枯葉に差し込む木漏れ日のような効果を出している。この壺の意匠を考えるためにガレは日本の銀杏や楓の枯葉を取寄せてスケッチしている。壺にはメーテルリンクの詩の一節「過ぎ去りし苦しみの葉」という言葉が刻み込まれている。
③花器「蜻蛉」No.114…ガレといえば蜻蛉というほど彼の好んだ題材だけれど、この一品にもまさにガレらしい蜻蛉が息づいている。細身の頸とふっくらとした胴体の花器の表面に黒いガラスで水面に落下する蜻蛉の姿がエングレーヴィングされている。
④花器「蘇鉄」No.98…くすんだ色が多いガレの作品の中で明るい色彩のこのガラス壺はひときわ目立っていた。赤黒い実をつけた黄色の蘇鉄の雌花のなんとも怪しい姿が意匠的にも素晴らしい形を伴って表現されている。以前沖縄でこのような蘇鉄の花を見た時の驚きがそのまま伝わって来た。
⑤花器「カトレア」No.91…ガレは昆虫の中では蜻蛉、そして花の中では蘭の花をよくモチーフにしていたけれど、その蘭の花の意匠の花器の中でも最も大胆なものだと思う。グレーの花瓶をまるで抱き込むかのように大きな一輪のピンクのカトレアの花が溶着されている。しかし花器の裏側には枯れたカトレアの花が弱々しく張り付いている。生と死を象徴するガレ晩年の(晩年といってもガレは58歳で白血病で亡くなっている)作品だ。
[図録]
299頁。2400円。皮肉にも会場内では暗くて良く見えなかった作品のディテールを見ることができる。再現が難しいガラス作品の質感やガレ独特のマット感が良く伝わってくる。今回の展示会は実物とこの図録を合わせてはじめて鑑賞が完結するような気がした。
[After]
六本木のサントリー美術館などに行くと必ず寄るのがミッドタウン・ウエスト１階にあるFUJIFILM SQUARE。そこではいつも何がしかの写真展が開かれているけれど、その隣のスペースでは富士フィルムが所有している写真アーカイブの中から逐次作家別の作品展示が行われている。
昨日は「奈良原一高」の作品展だった(展示作品は８点くらい)。モノクロの力がグイグイ迫ってくる。このコーナーは毎回楽しみにしている。ただし、カメラ博物館やこの写真展というのを、通常の言葉通りの規模でイメージしてしまうと肩透かしを食うことになるので、規模的にはあくまでコーナーと考えたほうがよいと思います。
オルセー美術館特別協力
エミール・ガレ展
サントリー美術館
2016年6月29日～8月28日
先日六本木の国立新美術館に行ったときにサントリー美術館ではエミール・ガレ展をやっていたのは知っていたけど、出来れば展覧会のはしごはやりたくないのでそのまま帰ってきた。昨日時間を割いて改めて行った。というのは早とちりして会期がてっきり7月の28日までだと思い込んでいたのでちょっと無理して時間を作ってきたのだけれど、なんのことはない会期はあとひと月もあったのだ。
午後一番で行ったけれど会場は結構な人で観るには支障がなかったが、やはりガレという人気作家の展覧会なのだなぁと。ぼくはガレとドームの違いも良くわからないけど、そんなぼくでもそれなりに楽しめた。以前友人宅に行ったとき居間に置かれているドームのランプを指して失礼にも「このドームのレプリカ良いですねぇ」と言ったら「一応、本物だけど…。工房のものだとは思うけどね」と言われて大恐縮したことがあるくらいだから。
出展作はオルセー協力を大きくうたっていたのだが、作品の殆どは、おそらくは8割方はサントリー美術館所有だった。ただ、普段はなかなか見られないガレのスケッチや意匠デザインの図案などがあって作品の背景を含めて立体的に鑑賞できるという点では良かった。
ただ残念なことは、いかにも会場が暗すぎること。前回の広重の浮世絵などの植物性の劣化しやすい絵の具の作品などは光が害を及ぼすので、鑑賞ギリギリの明るさまで落とすのはわかるのだけれど、ガラスはそれまで暗くする必要はないと思うし、ガレの作品は黒のマットのガラス作品が結構多いので正直言ってディテールは判別ができなかった。年寄りの弱った眼にはなお辛い。
以前ドームの作品の展示会に行った時も会場は暗かったけれど、その時のドームはランプが主流だったので鑑賞には逆に暗いほうが良かったのだが、今回は花器などが多くランプの類はほんの数点だった。ガラス作品でも箱根ラリック美術館は決して暗くはなかった。意匠デザイン画などが展示されてあるのが要因であるなら、それを避けてガラス作品にはちゃんと光を当てるなどの工夫がほしかった。
さらにいつもは結構重要な作品が展示される場所である3階の階段下のスペースが、作品は数点置かれていただけてあとは、意図が良くわからない展示作品の写真パネルになっていたのは、スペースを埋めるだけの作品数が足りなかったのか。これは下種の勘繰りかもしれないが…。
[ガレ展 My Best 5]
①蓋付壺「たまり水」No.146…多様なブルーとエメラルドグリーンで彩られたガラス壺で、置かれているショーケースの後ろのライトを通して垣間見える藍色はなんとも言いようの無い程鮮烈で美しい。光を浴びた水面を象徴しているのか青の下には光をはなつプラチナ箔が埋め込まれている。壺の「たまり水」という名前はガレ自らがつけたもの。これは数少ないオルセー美術館からの出展物。
②壺「枯葉」No.151…ガラス壺の形はまさに東洋磁器の壺だが、実はガラスの層の間にプラチナ箔を埋め込んであり、それがエングレーヴィングされた枯葉に差し込む木漏れ日のような効果を出している。この壺の意匠を考えるためにガレは日本の銀杏や楓の枯葉を取寄せてスケッチしている。壺にはメーテルリンクの詩の一節「過ぎ去りし苦しみの葉」という言葉が刻み込まれている。
③花器「蜻蛉」No.114…ガレといえば蜻蛉というほど彼の好んだ題材だけれど、この一品にもまさにガレらしい蜻蛉が息づいている。細身の頸とふっくらとした胴体の花器の表面に黒いガラスで水面に落下する蜻蛉の姿がエングレーヴィングされている。
④花器「蘇鉄」No.98…くすんだ色が多いガレの作品の中で明るい色彩のこのガラス壺はひときわ目立っていた。赤黒い実をつけた黄色の蘇鉄の雌花のなんとも怪しい姿が意匠的にも素晴らしい形を伴って表現されている。以前沖縄でこのような蘇鉄の花を見た時の驚きがそのまま伝わって来た。
⑤花器「カトレア」No.91…ガレは昆虫の中では蜻蛉、そして花の中では蘭の花をよくモチーフにしていたけれど、その蘭の花の意匠の花器の中でも最も大胆なものだと思う。グレーの花瓶をまるで抱き込むかのように大きな一輪のピンクのカトレアの花が溶着されている。しかし花器の裏側には枯れたカトレアの花が弱々しく張り付いている。生と死を象徴するガレ晩年の(晩年といってもガレは58歳で白血病で亡くなっている)作品だ。
[図録]
299頁。2400円。皮肉にも会場内では暗くて良く見えなかった作品のディテールを見ることができる。再現が難しいガラス作品の質感やガレ独特のマット感が良く伝わってくる。今回の展示会は実物とこの図録を合わせてはじめて鑑賞が完結するような気がした。
[After]
六本木のサントリー美術館などに行くと必ず寄るのがミッドタウン・ウエスト１階にあるFUJIFILM SQUARE。そこではいつも何がしかの写真展が開かれているけれど、その隣のスペースでは富士フィルムが所有している写真アーカイブの中から逐次作家別の作品展示が行われている。
昨日は「奈良原一高」の作品展だった(展示作品は８点くらい)。モノクロの力がグイグイ迫ってくる。このコーナーは毎回楽しみにしている。ただし、カメラ博物館やこの写真展というのを、通常の言葉通りの規模でイメージしてしまうと肩透かしを食うことになるので、規模的にはあくまでコーナーと考えたほうがよいと思います。
(July 2016)
gillman*s Museums ヴェネツィア派
■Museum of the Month
ここのところバタバタしていてちょっと美術館から遠ざかってしまっていたけれど、昨日国立新美術館にいった。午前中だったけれど結構な人が美術館に向かっていた。でも中に入ると大半の人はルノアール展の方に入って行った。
同時に二階会場で開かれている「アカデミア美術館所蔵-ヴェネツィア・ルネサンスの巨匠たち展」の方はさほど混んではいなかった。
ヴェネツィア派というとフィレンツェやローマを中心とするルネサンスの中では地味に感じられるのかもしれない。大半は宗教画だし、グエルチーノやカラヴァッジョのような色彩の華やかさはない。しかし、素描に重きを置くフィレンツェ派に対して、色彩に重きを置くヴェネツィア派のティントレットやティツィアーノの絵を見ているうちに、トーンを少し抑え気味の揺れるような色彩の向こうにかすかな動きさえ見えてくるような気がする。今回はティツィアーノの受胎告知をはじめとした大作も観ることができる貴重な機会だと思う。
[My Best 5]
①受胎告知/ティツィアーノ・ヴェチェッリオ…縦4.1メートル、横2.4メートルの巨大な絵でヴェネツィアのサン・サルヴァドール教会にあったこの絵がまさか日本に来るとは思わなかった。通常なら教会に描かれるこの大きさの絵はフレスコ画なのだけれど、ヴェネツィアは湿気が多いのでキャンバスを何枚も並べた油彩画になっていたので持ってこられたのだと思う。フィレンツェ派の輪郭のかっちりとした絵に対してカンヴァスに色彩をのせてゆくヴェネツィア派のティツィアーノの画面は実に動きを感じさせる。
②父なる神のサン・マルコ広場への顕現/ボニファーチョ・ヴェロネーゼ…ヴェネツィアといえばサン・マルコ広場だけど、この絵ではその広場の上に広がる黒雲のさらに上を父なる神が飛翔してヴェネツィアを祝福している。飛んでいる神のなんと自由な浮遊感。マントをたなびかせてまるでスーパーマンのようだ。
③聖母被昇天/ヤコボ・ティントレット…じつに劇的な空間構成だ。これが縦2.5メートルの大画面に広がっているのだから迫力がある。群がる徒弟たちの視線を浴びながら聖母マリアがまるでワイヤー・アクションでつられているかのようにスーッと天に上ってゆくような感覚。ほぼ同時代のティツィアーノやエル・グレコの聖母被昇天図に並ぶ傑作だと思う。
④聖母子(アルベルテイーニの聖母)/ティツィアーノ・ヴェチェッリオ…聖母の衣服の速いタッチ、少しチントのかかったような色味。同時代のラファエロの聖母子像とはかなり異なる。ラファエロの聖母子像が究極の理想像とすれば、ティツィアーノのそれはもっと生身の聖母の感じがする。静謐な慈愛の眼差しが画面を支配している。
⑤聖母子(赤い智天使の聖母)/ジョヴァンニ・ベッリーニ…ベッリーニ親子はヴェネツィア派の重要な画家で、このジョヴァンニはヤーコポの息子でやはり画家のジェンティーレの弟にあたる。この聖母子像は展示会場のすぐ入ったところに最初の展示作品として置かれていた。画面の上に描かれたタイトルにある「赤い智天使…」の頭部が少し離れたところから見ると、まるで6つの赤いバラの花のように見える。実に安定した三角構図が見ていて心地よい。
[図録]
235頁。2500円。標準的な図録といったら失礼になるかもしれないけれど、とても手堅い作りで、各所にヴェネツィア派に関しての丁寧な解説がしてあり、これ一冊で十分ヴェネツィア派に関しての俯瞰を得ることができると思う。本屋で買った高額な美術書と違って美術展の図録のだいご味は、実物の絵に触れた感触が残っているうちにその背景や作品の特徴を反芻できることだと思う。それも貴重な美術展を数倍楽しむ一つの方法ではないかと…。そういう意味でもその作業に十分応えうる図録だと思う。
[After]
美術館の帰りの昼飯は近場で…。最近は出口近くの中華料理屋さんでのランチが多い。やっぱりビールを頼んでしまうけど…。
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アカデミア美術館所蔵
ヴェネツィア・ルネサンスの巨匠たち展
国立新美術館
2016/07/13-10/10
ここのところバタバタしていてちょっと美術館から遠ざかってしまっていたけれど、昨日国立新美術館にいった。午前中だったけれど結構な人が美術館に向かっていた。でも中に入ると大半の人はルノアール展の方に入って行った。
同時に二階会場で開かれている「アカデミア美術館所蔵-ヴェネツィア・ルネサンスの巨匠たち展」の方はさほど混んではいなかった。
ヴェネツィア派というとフィレンツェやローマを中心とするルネサンスの中では地味に感じられるのかもしれない。大半は宗教画だし、グエルチーノやカラヴァッジョのような色彩の華やかさはない。しかし、素描に重きを置くフィレンツェ派に対して、色彩に重きを置くヴェネツィア派のティントレットやティツィアーノの絵を見ているうちに、トーンを少し抑え気味の揺れるような色彩の向こうにかすかな動きさえ見えてくるような気がする。今回はティツィアーノの受胎告知をはじめとした大作も観ることができる貴重な機会だと思う。
[My Best 5]
①受胎告知/ティツィアーノ・ヴェチェッリオ…縦4.1メートル、横2.4メートルの巨大な絵でヴェネツィアのサン・サルヴァドール教会にあったこの絵がまさか日本に来るとは思わなかった。通常なら教会に描かれるこの大きさの絵はフレスコ画なのだけれど、ヴェネツィアは湿気が多いのでキャンバスを何枚も並べた油彩画になっていたので持ってこられたのだと思う。フィレンツェ派の輪郭のかっちりとした絵に対してカンヴァスに色彩をのせてゆくヴェネツィア派のティツィアーノの画面は実に動きを感じさせる。
②父なる神のサン・マルコ広場への顕現/ボニファーチョ・ヴェロネーゼ…ヴェネツィアといえばサン・マルコ広場だけど、この絵ではその広場の上に広がる黒雲のさらに上を父なる神が飛翔してヴェネツィアを祝福している。飛んでいる神のなんと自由な浮遊感。マントをたなびかせてまるでスーパーマンのようだ。
③聖母被昇天/ヤコボ・ティントレット…じつに劇的な空間構成だ。これが縦2.5メートルの大画面に広がっているのだから迫力がある。群がる徒弟たちの視線を浴びながら聖母マリアがまるでワイヤー・アクションでつられているかのようにスーッと天に上ってゆくような感覚。ほぼ同時代のティツィアーノやエル・グレコの聖母被昇天図に並ぶ傑作だと思う。
④聖母子(アルベルテイーニの聖母)/ティツィアーノ・ヴェチェッリオ…聖母の衣服の速いタッチ、少しチントのかかったような色味。同時代のラファエロの聖母子像とはかなり異なる。ラファエロの聖母子像が究極の理想像とすれば、ティツィアーノのそれはもっと生身の聖母の感じがする。静謐な慈愛の眼差しが画面を支配している。
⑤聖母子(赤い智天使の聖母)/ジョヴァンニ・ベッリーニ…ベッリーニ親子はヴェネツィア派の重要な画家で、このジョヴァンニはヤーコポの息子でやはり画家のジェンティーレの弟にあたる。この聖母子像は展示会場のすぐ入ったところに最初の展示作品として置かれていた。画面の上に描かれたタイトルにある「赤い智天使…」の頭部が少し離れたところから見ると、まるで6つの赤いバラの花のように見える。実に安定した三角構図が見ていて心地よい。
[図録]
235頁。2500円。標準的な図録といったら失礼になるかもしれないけれど、とても手堅い作りで、各所にヴェネツィア派に関しての丁寧な解説がしてあり、これ一冊で十分ヴェネツィア派に関しての俯瞰を得ることができると思う。本屋で買った高額な美術書と違って美術展の図録のだいご味は、実物の絵に触れた感触が残っているうちにその背景や作品の特徴を反芻できることだと思う。それも貴重な美術展を数倍楽しむ一つの方法ではないかと…。そういう意味でもその作業に十分応えうる図録だと思う。
[After]
美術館の帰りの昼飯は近場で…。最近は出口近くの中華料理屋さんでのランチが多い。やっぱりビールを頼んでしまうけど…。
(July 2016)
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gillman*s choice Madeleine Peyroux
■ Jazz Album of the Month
Careless Love
Madeleine Peyroux
LPがCDになって良かったことは盤のメンテナンスを気にせず音楽が気軽に聴けるようになったこと、それに場所をとらなくなったことだけど、一方ジャケットのデザインや写真を鑑賞する楽しみは大幅に減ってしまった。
ということで、最近は昔のような「ジャケ買い」はほとんど無くなってしまったのだけれど、この間珍しくこのマデリン・ペルーのジャケット写真が気に入って思わず手にしてしまった。
マデリンが裏町の路地に椅子を据えてそこに座り頬杖をついている。なんともアンニュイでちょっとふてぶてしそうな気怠い雰囲気。
で、CDを聴いてみてびっくり。あれ、ビリー・ホリデーのCDを買ってしまったかな？、と思わずジャケットをひっくり返す。もちろん、そんなことはない。
恥ずかしながらぼくはこのマデリン・ペルーという歌手を知らなかったのだけれどどうやら彼女は「現代のビリー・ホリデー」と言われているらしい。
含みのある低音、気怠い歌い方。声の質やレゾナンスからは黒人歌手のように感じられるけど、白人の歌手だ。
1974年生まれというから決して若くはない、ぼくが今まで知らなかっただけみたいだ。歌の範囲はジャズスタンダードからカヴァー曲に至るまで広い。歌を聴いているうちにビリー・ホリデーからノラ・ジョーンズの世界へと繋がってゆくような不思議な感覚。
このアルバムのどの曲も多分ビリー・ホリデーは歌っていないと思うのだけど、1曲目のDance Me To The End Of Loveや9曲目のWeary Bluesなんかは絶対ホリデーの歌で聴いた覚えがあるなんていう錯覚に陥ってしまう。
ちなみにペルーはアメリカで生まれて少女のころパリに移ってそこで育っているのでフランス語はおてのもの。ということで8曲目のジョセフィン・ベーカーが歌ったシャンソンJ'Ai Deux Amoursはフランス語で歌われていて、これがまた好い。
うだるような、暑い夏の日に思いっきり気怠いペルーの歌を聴きながらダラダラと過ごす一日というのも素敵な時間の過ごし方かもしれない。
[Careless Love (2004)]
1.Dance Me To The End Of Love
2.Don't Wait Too Long
3.Don't Cry Baby
4.You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
5.Between The Bars
6.No More
7.Lonesome Road
8.J'Ai Deux Amours
9.Weary Blues
10.I'll Look Around
11.Careless Love
12.This Is Heaven To Me
[Personnel]
Madeleine Peyroux — vocals, acoustic guitar
Dean Parks — guitars
Larry Goldings — piano, Wurlitzer electric piano, Estey Organ, Hammond organ, celeste
David Piltch — bass
Jay Bellerose — drums, percussion
Lee Thornburg — trumpet (tracks 6 and 12)
Scott Amendola — brushes (track 10)
..
Careless Love
Madeleine Peyroux
LPがCDになって良かったことは盤のメンテナンスを気にせず音楽が気軽に聴けるようになったこと、それに場所をとらなくなったことだけど、一方ジャケットのデザインや写真を鑑賞する楽しみは大幅に減ってしまった。
ということで、最近は昔のような「ジャケ買い」はほとんど無くなってしまったのだけれど、この間珍しくこのマデリン・ペルーのジャケット写真が気に入って思わず手にしてしまった。
マデリンが裏町の路地に椅子を据えてそこに座り頬杖をついている。なんともアンニュイでちょっとふてぶてしそうな気怠い雰囲気。
で、CDを聴いてみてびっくり。あれ、ビリー・ホリデーのCDを買ってしまったかな？、と思わずジャケットをひっくり返す。もちろん、そんなことはない。
恥ずかしながらぼくはこのマデリン・ペルーという歌手を知らなかったのだけれどどうやら彼女は「現代のビリー・ホリデー」と言われているらしい。
含みのある低音、気怠い歌い方。声の質やレゾナンスからは黒人歌手のように感じられるけど、白人の歌手だ。
1974年生まれというから決して若くはない、ぼくが今まで知らなかっただけみたいだ。歌の範囲はジャズスタンダードからカヴァー曲に至るまで広い。歌を聴いているうちにビリー・ホリデーからノラ・ジョーンズの世界へと繋がってゆくような不思議な感覚。
このアルバムのどの曲も多分ビリー・ホリデーは歌っていないと思うのだけど、1曲目のDance Me To The End Of Loveや9曲目のWeary Bluesなんかは絶対ホリデーの歌で聴いた覚えがあるなんていう錯覚に陥ってしまう。
ちなみにペルーはアメリカで生まれて少女のころパリに移ってそこで育っているのでフランス語はおてのもの。ということで8曲目のジョセフィン・ベーカーが歌ったシャンソンJ'Ai Deux Amoursはフランス語で歌われていて、これがまた好い。
うだるような、暑い夏の日に思いっきり気怠いペルーの歌を聴きながらダラダラと過ごす一日というのも素敵な時間の過ごし方かもしれない。
[Careless Love (2004)]
1.Dance Me To The End Of Love
2.Don't Wait Too Long
3.Don't Cry Baby
4.You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
5.Between The Bars
6.No More
7.Lonesome Road
8.J'Ai Deux Amours
9.Weary Blues
10.I'll Look Around
11.Careless Love
12.This Is Heaven To Me
[Personnel]
Madeleine Peyroux — vocals, acoustic guitar
Dean Parks — guitars
Larry Goldings — piano, Wurlitzer electric piano, Estey Organ, Hammond organ, celeste
David Piltch — bass
Jay Bellerose — drums, percussion
Lee Thornburg — trumpet (tracks 6 and 12)
Scott Amendola — brushes (track 10)
(June 2016)
..
gillman*s Museums ルノワール展
■Museum of the Month
また病院の帰りに美術館に寄ってしまった。若冲展の前売り券はまだ一枚残っているし再度観たい気持ちは充分なのだけれど、連日の過熱ぶりをみていると足が向かない。ということで、今日は六本木の国立新美術館へ。ルノワール展の他にも資料室でちょっと調べたい事があったので…。
着いたら昼近くだったけれど、思ったほど混んではいなかった。中に入っても「ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会」等の目玉作品の前は人だかりがしていたけれど、見られないということは全くない。まぁ、8月までやってるので上野のあっちの方が片付いてからゆっくり来ようというのかな。
会場の中はどこもルノワール色一色。月並みな言葉だけど、癒されるような…。ルノワールはかつて世の中には醜いことや、辛いことは山ほどある、画家がわざわざそんなものを描くことは無い、みたいなことを言っていたが確かにここにあるのは幸せな光と、愛おしい時間の姿だ。もちろんルノワールの人生自身はそんな癒しに満ちたものではなかったけれど、彼の筆先から湧き出てくるイメージはいつも光に満ちている。
そんな中で夭折した女性画家のベルト・モリゾの絵が一際ぼくの目を引いた。「舞踏会の装いをした若い女性」。ルノワールとは明らかに異なる淡い色の画面の中で若い女性が物憂げに虚空を見つめている。ルノワールがモリゾの娘を描いた「猫を抱く子供」はこちらがモリゾの夭折を知ってしまっているからか他の絵とは異なって、幸せな時間の背後にある別のモノを感じてしまう。
ルノワールを肖像画家とみることもできるけど、その肖像画の中でもリヒャルト・ワーグナーの肖像画は実に彼の実像を表していると思った。他のワーグナーの肖像画や写真はどれも尊大で天才ぶりを強調したようなものばかりだけれど、ルノワールの肖像画のワーグナーは弱々しく尊大さのかけらもない。ルノワールはワーグナー本人に会ってみて音楽と人物はイコールではないと感じたのかもしれない。それがでているのは肖像画家としての面目躍如たるものがあると思った。
[ルノワール展 My Best 5]
①ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会…やはり圧巻、緑色が鮮烈
②草原の坂道…ヴィスコンテ映画のワンシーンを見ているような
③リヒャルト・ワーグナー…コジマ・ワグナーが嫌ったはず
④田舎のダンス/都会のダンス…ユトリロの母、バラドンの若き日の姿
⑤舞踏会の装いをした若い女性/ベルト・モリゾ…パステル色の後ろに見えるもの
[図録]
270頁。2700円。図録部分は展示に沿って構成された平均的なものだと思うが、巻頭にいくつか載っている論文の一つ、横山有季子氏の『「悲しい絵を描かなかった唯一の偉大な画家」ルノワールと文学者の交流』は読みごたえがあった。
[After]
ここの一階のカフェ・コキーユは好きでよく利用する。テーブルは基本的にはフリースペースなので売店で買ったものでなくとも飲食がオーケー。美術展を見た後はいつもここでビールを一杯。９００円弱と高い。今日は昼食を兼ねてローソンで買ったサンドイッチとここのビールでランチ。
ルノワール展
～オルセー、オランジュリー美術館所蔵～
国立新美術館
2016年4月27日～8月22日
また病院の帰りに美術館に寄ってしまった。若冲展の前売り券はまだ一枚残っているし再度観たい気持ちは充分なのだけれど、連日の過熱ぶりをみていると足が向かない。ということで、今日は六本木の国立新美術館へ。ルノワール展の他にも資料室でちょっと調べたい事があったので…。
着いたら昼近くだったけれど、思ったほど混んではいなかった。中に入っても「ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会」等の目玉作品の前は人だかりがしていたけれど、見られないということは全くない。まぁ、8月までやってるので上野のあっちの方が片付いてからゆっくり来ようというのかな。
会場の中はどこもルノワール色一色。月並みな言葉だけど、癒されるような…。ルノワールはかつて世の中には醜いことや、辛いことは山ほどある、画家がわざわざそんなものを描くことは無い、みたいなことを言っていたが確かにここにあるのは幸せな光と、愛おしい時間の姿だ。もちろんルノワールの人生自身はそんな癒しに満ちたものではなかったけれど、彼の筆先から湧き出てくるイメージはいつも光に満ちている。
そんな中で夭折した女性画家のベルト・モリゾの絵が一際ぼくの目を引いた。「舞踏会の装いをした若い女性」。ルノワールとは明らかに異なる淡い色の画面の中で若い女性が物憂げに虚空を見つめている。ルノワールがモリゾの娘を描いた「猫を抱く子供」はこちらがモリゾの夭折を知ってしまっているからか他の絵とは異なって、幸せな時間の背後にある別のモノを感じてしまう。
ルノワールを肖像画家とみることもできるけど、その肖像画の中でもリヒャルト・ワーグナーの肖像画は実に彼の実像を表していると思った。他のワーグナーの肖像画や写真はどれも尊大で天才ぶりを強調したようなものばかりだけれど、ルノワールの肖像画のワーグナーは弱々しく尊大さのかけらもない。ルノワールはワーグナー本人に会ってみて音楽と人物はイコールではないと感じたのかもしれない。それがでているのは肖像画家としての面目躍如たるものがあると思った。
[ルノワール展 My Best 5]
①ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会…やはり圧巻、緑色が鮮烈
②草原の坂道…ヴィスコンテ映画のワンシーンを見ているような
③リヒャルト・ワーグナー…コジマ・ワグナーが嫌ったはず
④田舎のダンス/都会のダンス…ユトリロの母、バラドンの若き日の姿
⑤舞踏会の装いをした若い女性/ベルト・モリゾ…パステル色の後ろに見えるもの
[図録]
270頁。2700円。図録部分は展示に沿って構成された平均的なものだと思うが、巻頭にいくつか載っている論文の一つ、横山有季子氏の『「悲しい絵を描かなかった唯一の偉大な画家」ルノワールと文学者の交流』は読みごたえがあった。
[After]
ここの一階のカフェ・コキーユは好きでよく利用する。テーブルは基本的にはフリースペースなので売店で買ったものでなくとも飲食がオーケー。美術展を見た後はいつもここでビールを一杯。９００円弱と高い。今日は昼食を兼ねてローソンで買ったサンドイッチとここのビールでランチ。
(May 2016)
gillman*s Museums 三井記念美術館
■ Museum of the Month
魯山人の悲惨な幼少期を想うとき、ぼくの頭にはいつも種田山頭火のそれがダブって去来する。山頭火はその幻影から逃れるために行乞の旅に出て傍目には破滅的な人生を歩んだ。一方、魯山人はそこから這い上がるようにして美の世界へと耽溺していったように思う。
魯山人の作品を前にするとその範囲が明時代の陶磁器の写しから織部までその多様さに驚かされる。しかも見てゆくうちにそれが魯山人の美意識と言う一つの糸で繋がっていることが感じられ、普段陶磁器など愛でたことがない自分にもその素晴らしさは伝わってくる。
洒脱で大胆でそして繊細な魯山人の世界は、そんなに昔の事ではなくつい5,60年昔の事のはずなのだけれど、何処か遠いおとぎの国のことのように思えたりもする。ちょっと残念だったのは展覧会のサブタイトルに[和食の天才]とついていることからももう少し食との関わりを展示の中で視覚的に示してもらえると有難かった。
[魯山人展My Best 5]
①椿鉢
②織部風誰ヶ袖向付
③織部土瓶
④織部俎板盤
⑤蕪絵乗益椀
[図録]
190頁。日本美術の展覧会の図録は資料的観点を重視することもあってか、図録だけではその良さが中々伝わってこないものが多いような気がするのだけれど、今回の図録はとにかく写真が素晴らしい。
写真を通しても魯山人の美意識と言うものがひしひしと伝わってくる。最近の日本美術の図録の中では今のところ一番気に入っている。
[蛇足]
三井記念美術館のミュージアム・カフェで食事をしたのですが、エールタイプの日本橋ビールが日本食にあいました。その後天気が良かったので近くの日本橋の船着場から60分のクルージングに行きましたが、天候の良い時には広々とした東京湾の景色も見られてお勧めです。
北大路魯山人の美
[和食の天才]
三井記念美術館
2016年4月12日～6月26日
魯山人の悲惨な幼少期を想うとき、ぼくの頭にはいつも種田山頭火のそれがダブって去来する。山頭火はその幻影から逃れるために行乞の旅に出て傍目には破滅的な人生を歩んだ。一方、魯山人はそこから這い上がるようにして美の世界へと耽溺していったように思う。
魯山人の作品を前にするとその範囲が明時代の陶磁器の写しから織部までその多様さに驚かされる。しかも見てゆくうちにそれが魯山人の美意識と言う一つの糸で繋がっていることが感じられ、普段陶磁器など愛でたことがない自分にもその素晴らしさは伝わってくる。
洒脱で大胆でそして繊細な魯山人の世界は、そんなに昔の事ではなくつい5,60年昔の事のはずなのだけれど、何処か遠いおとぎの国のことのように思えたりもする。ちょっと残念だったのは展覧会のサブタイトルに[和食の天才]とついていることからももう少し食との関わりを展示の中で視覚的に示してもらえると有難かった。
[魯山人展My Best 5]
①椿鉢
②織部風誰ヶ袖向付
③織部土瓶
④織部俎板盤
⑤蕪絵乗益椀
[図録]
190頁。日本美術の展覧会の図録は資料的観点を重視することもあってか、図録だけではその良さが中々伝わってこないものが多いような気がするのだけれど、今回の図録はとにかく写真が素晴らしい。
写真を通しても魯山人の美意識と言うものがひしひしと伝わってくる。最近の日本美術の図録の中では今のところ一番気に入っている。
[蛇足]
三井記念美術館のミュージアム・カフェで食事をしたのですが、エールタイプの日本橋ビールが日本食にあいました。その後天気が良かったので近くの日本橋の船着場から60分のクルージングに行きましたが、天候の良い時には広々とした東京湾の景色も見られてお勧めです。
(Apr.2016)
gillman*s Museums 大原治雄展
■Museum of the Month
大原治雄の写真展を観たかったけど、高知県立美術館なので、今のぼくにはちょっと遠すぎる。巡回展でほかの美術館でも見られるようになるらしいが伊丹と清里なのでこれも遠い。ということで取り敢えず図録を送ってもらった訳だけど、それがさっき宅配便でついた。
大原治雄は1927年に17歳でブラジルに移民している。その過酷な移民生活の中で手にした一台のカメラから彼の写真活動が始まる。生きるか死ぬかの過酷な原野での開拓生活の合間に撮影された写真は驚くほど静謐で、どこか植田正治の世界を思い起こさせる。
片や鳥取、片や地球の裏側のブラジルで…。境遇もまるで異なる二人のなかに通底する似た何ものかがあったのだろうか。距離感こそ違えともに世の中の中心から離れているということもあるのだろうか。植田正治は1913年～2000年、そして大原治雄は1909年～1999年。ほぼ同時代人だ。
二人の作品にとって「土地」ということがとても大切なファクターになっている。植田にとって鳥取はいわば舞台のようなものだったのかもしれないけれど、大原にとって土地は生きる糧であり生活そのものだったのだと思う。大原も写すという行為の中では演出もしたようだけど、その作品における土地との関係ではよりリアリティーを含んでいるような気がするのだ。
[大原治雄写真集 My Best 10]
①朝の雲/1952年…まさに孤高(ポスター、チラシ写真)
②コーヒーの収穫に向かう朝/1940年…ミレーのように
③治雄の娘・マリアと甥・富田カズオ/1955年…まるでラルティーグの「ダニとミションとボビー」の世界(図録表紙写真)
④逆光:銀婚式前日の治雄と幸(こう)のセルフポートレート/1959年…写っているのは心と時間だ
⑤渦/1957年…見事なコンポジション
⑥ポートレート/1950年(144頁)…凛とした青春
⑦シャッカラ・アララの入り口/1950年…異郷の地に和の空気
⑧シャッカラ・アララの前を通る空港方面に向かう道1949年…世界に繋がるただ一つの道
⑨見物人/1961年…チャップリン的なペーソス
⑩天日乾燥場で遊ぶ子どもたち/1950年…原野がここまでになるまでどれ程の汗と日々が
[図録]
174頁。2900円+税。シンプルな写真集だけれど、図録の写真は良く諧調が再現されていると思う。なんとも美しいモノクロの世界に魅せられる。マルコス・サー・コヘーアによる写真展の解説資料も追加で添付されていた。
HARUO OHARA
大原治雄写真展
～ブラジルの光、家族の光景～
高知県立美術館
2016年4月9日～6月12日
大原治雄の写真展を観たかったけど、高知県立美術館なので、今のぼくにはちょっと遠すぎる。巡回展でほかの美術館でも見られるようになるらしいが伊丹と清里なのでこれも遠い。ということで取り敢えず図録を送ってもらった訳だけど、それがさっき宅配便でついた。
大原治雄は1927年に17歳でブラジルに移民している。その過酷な移民生活の中で手にした一台のカメラから彼の写真活動が始まる。生きるか死ぬかの過酷な原野での開拓生活の合間に撮影された写真は驚くほど静謐で、どこか植田正治の世界を思い起こさせる。
片や鳥取、片や地球の裏側のブラジルで…。境遇もまるで異なる二人のなかに通底する似た何ものかがあったのだろうか。距離感こそ違えともに世の中の中心から離れているということもあるのだろうか。植田正治は1913年～2000年、そして大原治雄は1909年～1999年。ほぼ同時代人だ。
二人の作品にとって「土地」ということがとても大切なファクターになっている。植田にとって鳥取はいわば舞台のようなものだったのかもしれないけれど、大原にとって土地は生きる糧であり生活そのものだったのだと思う。大原も写すという行為の中では演出もしたようだけど、その作品における土地との関係ではよりリアリティーを含んでいるような気がするのだ。
[大原治雄写真集 My Best 10]
①朝の雲/1952年…まさに孤高(ポスター、チラシ写真)
②コーヒーの収穫に向かう朝/1940年…ミレーのように
③治雄の娘・マリアと甥・富田カズオ/1955年…まるでラルティーグの「ダニとミションとボビー」の世界(図録表紙写真)
④逆光:銀婚式前日の治雄と幸(こう)のセルフポートレート/1959年…写っているのは心と時間だ
⑤渦/1957年…見事なコンポジション
⑥ポートレート/1950年(144頁)…凛とした青春
⑦シャッカラ・アララの入り口/1950年…異郷の地に和の空気
⑧シャッカラ・アララの前を通る空港方面に向かう道1949年…世界に繋がるただ一つの道
⑨見物人/1961年…チャップリン的なペーソス
⑩天日乾燥場で遊ぶ子どもたち/1950年…原野がここまでになるまでどれ程の汗と日々が
[図録]
174頁。2900円+税。シンプルな写真集だけれど、図録の写真は良く諧調が再現されていると思う。なんとも美しいモノクロの世界に魅せられる。マルコス・サー・コヘーアによる写真展の解説資料も追加で添付されていた。
(June 2016)
gillman*s Museums 国芳・国貞
■ Museum of the Month
ゴールデンウィークの前後から日本美術の展覧会を固め打ちしているけど、取り敢えずはここらで一段落ということになるかもしれない。
年初に今年は日本美術を観ようと心に決めていてしょっぱなが正月の「川瀬巴水展」だったけど、今まで幸いにして大きく期待外れなものはなかった。今日の浮世絵展も期待以上のものだったなぁ。
この間の歌川広重の展覧会といい、ここのところの浮世絵展でまず感じるのは、まず保存状態の良い初刷りの浮世絵の色の鮮やかさ。
次にこれが本当に版画なんだろうかと目を疑うようなち密さ。そして江戸時代の人の何という大人の色彩感覚、そして意匠力、構図力。今回の展覧会も会場に入るなり、この全てが感じられた。
国芳vs国貞という図式は面白かった。スペクタクルな国芳とファッショナブルな国貞という見方もできるし、自分なりの軸を探してみる楽しさもあるかもしれない。
国芳の「正札附現金男…(長いので)」の着物の猫の図柄は有名だけれど、何回見ても飽きない。国芳は猫やヒトの体を組み合わせて髑髏や人の顔を作るのが得意だが、これはアルチンボルドあたりの絵をどこかで見て思いついたのかもしれない。
ぼくもウィーンの美術史美術館で何点かアルチンボルドの動物や魚を寄せ集めた肖像画を見たことかあるけど、意匠としてのデザイン性や洗練さは国芳のほうが数段優れていると思った。
こんなにまとめて国芳の作品を間近に見たことはないので、その多彩な表現力に唯々驚いた。それに国貞の「御誂三段ぼかし」などポップとしか言いようのないデザインと色使い、観ていて思わずにんまりとしてしまう。会場は結構混んでいたけれど根気よく観て回ればちゃんと見られる程度の混み方だった。
この素晴らしいコレクションが日本になくてアメリカのボストンにあるというのはちょっと残念だけれど、逆に良くぞこんな素晴らしい状態で保存してくれたと感謝の気持ちも湧いてくる。
日本人にとっては当時浮世絵は身の回りに普通にあるものだったから、当たり前すぎて保存などあまり考えなかったのかもしれない。価値体系の異なる文化から他の文化を見るということも時には必要なことかもしれない。
[国芳・国貞 My Best 5] これ無理だよ、えいや～で…
①「若鬼丸と大緋鯉」国貞…大胆だなぁ
②「讃岐院眷属をして…」国貞…やっぱりこのワニザメを見ちゃうとなぁ
③「御誂三段ぼかし」国芳…これ欲しいなぁ
④「雪遊び」国芳…江戸のAKB48だなぁ
⑤「子供遊土蔵之上棟」国芳…エッシャーも真っ青
[図録]
270頁。2500円。広重の時にもそうだったけど基本的には浮世絵の場合図録の写真と現物は全く別のものだと思ったほうが良いと感じている。
これはその図録の印刷がどうのということではなくて、浮世絵の場合写真と現物では特にディテールがぎっしりと詰まっている初刷りの存在感などは比べようがないような気がする。
とは言え、ボストンにある浮世絵をそう頻繁に観に行くこと自体無理なのでやはり手元に置いておいて折に触れ観たいと思う。
[グッズ]
また、性懲りもなく会場にあった国芳ガチャをやってしまった。２回ひいたけど今回は二度とも「正札附現金男…」の背景の髑髏下駄でした。
ボストン美術館所蔵
俺たちの国芳/わたしの国貞
Bunkamura ザ・ミュージアム
2016年3月19日～6月5日
ゴールデンウィークの前後から日本美術の展覧会を固め打ちしているけど、取り敢えずはここらで一段落ということになるかもしれない。
年初に今年は日本美術を観ようと心に決めていてしょっぱなが正月の「川瀬巴水展」だったけど、今まで幸いにして大きく期待外れなものはなかった。今日の浮世絵展も期待以上のものだったなぁ。
この間の歌川広重の展覧会といい、ここのところの浮世絵展でまず感じるのは、まず保存状態の良い初刷りの浮世絵の色の鮮やかさ。
次にこれが本当に版画なんだろうかと目を疑うようなち密さ。そして江戸時代の人の何という大人の色彩感覚、そして意匠力、構図力。今回の展覧会も会場に入るなり、この全てが感じられた。
国芳vs国貞という図式は面白かった。スペクタクルな国芳とファッショナブルな国貞という見方もできるし、自分なりの軸を探してみる楽しさもあるかもしれない。
国芳の「正札附現金男…(長いので)」の着物の猫の図柄は有名だけれど、何回見ても飽きない。国芳は猫やヒトの体を組み合わせて髑髏や人の顔を作るのが得意だが、これはアルチンボルドあたりの絵をどこかで見て思いついたのかもしれない。
ぼくもウィーンの美術史美術館で何点かアルチンボルドの動物や魚を寄せ集めた肖像画を見たことかあるけど、意匠としてのデザイン性や洗練さは国芳のほうが数段優れていると思った。
こんなにまとめて国芳の作品を間近に見たことはないので、その多彩な表現力に唯々驚いた。それに国貞の「御誂三段ぼかし」などポップとしか言いようのないデザインと色使い、観ていて思わずにんまりとしてしまう。会場は結構混んでいたけれど根気よく観て回ればちゃんと見られる程度の混み方だった。
この素晴らしいコレクションが日本になくてアメリカのボストンにあるというのはちょっと残念だけれど、逆に良くぞこんな素晴らしい状態で保存してくれたと感謝の気持ちも湧いてくる。
日本人にとっては当時浮世絵は身の回りに普通にあるものだったから、当たり前すぎて保存などあまり考えなかったのかもしれない。価値体系の異なる文化から他の文化を見るということも時には必要なことかもしれない。
[国芳・国貞 My Best 5] これ無理だよ、えいや～で…
①「若鬼丸と大緋鯉」国貞…大胆だなぁ
②「讃岐院眷属をして…」国貞…やっぱりこのワニザメを見ちゃうとなぁ
③「御誂三段ぼかし」国芳…これ欲しいなぁ
④「雪遊び」国芳…江戸のAKB48だなぁ
⑤「子供遊土蔵之上棟」国芳…エッシャーも真っ青
[図録]
270頁。2500円。広重の時にもそうだったけど基本的には浮世絵の場合図録の写真と現物は全く別のものだと思ったほうが良いと感じている。
これはその図録の印刷がどうのということではなくて、浮世絵の場合写真と現物では特にディテールがぎっしりと詰まっている初刷りの存在感などは比べようがないような気がする。
とは言え、ボストンにある浮世絵をそう頻繁に観に行くこと自体無理なのでやはり手元に置いておいて折に触れ観たいと思う。
[グッズ]
また、性懲りもなく会場にあった国芳ガチャをやってしまった。２回ひいたけど今回は二度とも「正札附現金男…」の背景の髑髏下駄でした。
(May 2016)
gillman*s Museums 川端康成展
■Museum of the Month
連休明けで病院に行った帰りに東京駅のステーション・ギャラリーに寄った。先月末から「川端康成コレクション 伝統とモダニズム展」が開かれている。コレクションはその所有者の美意識の表れとみるなら、この展示を見ることで川端の美意識の一端に触れることになるかもしれない。
この展示のサブタイトルが「知識も理屈もなく、私はただ見てゐる」とあり川端はだから私は美術品については語らない、と言っているけど実際は結構語っている。
確かに、展示されている作品は作者もそうそうたる作家のものが多い。その中でぼくが一番感銘を受けたのは黒田辰秋の一連の工芸品だ。これらは絵画を所有するのとはまた違った醍醐味、楽しみがあるのだろうとその時思った。
まずそれらを手に取って見るということ自体が、所有者でなければできない訳で、つまりは自分のモノとして手に取ってみた者だけが分かる凄み、良さと言うものがあるんだろうなぁ。それは確かに羨ましいなぁ。
[川端康成コレクション展 My Best 5]
黒田辰秋/拭漆栃手箱
黒田辰秋/朱漆六稜棗(なつめ)
東山魁夷/北山初雪
楠本憲吉/色絵灰皿
安田靭彦/川端康成全集(装丁画)
あ、魯山人の牡丹の絵の湯飲みもよかったなぁ…。
[図録]
180頁。2000円。上では触れなかったけど、会場には川端の書簡や、川端宛ての有名作家の書簡などが数多く展示されていた。もちろん会場でそれらをつぶさに眺めることもできるが、その内容までじっくりと目を通して読んでみたい向きにはこの図録は有難い資料だと思う。
その文章資料の中にはあの「伊豆の踊子」の原型となった川端と伊藤初代との実らなかった恋に関する2014年に新発見の書簡も含まれている。
川端康成コレクション
～伝統とモダニズム～
東京ステーションギャラリー
2016年4月23日～6月19日
連休明けで病院に行った帰りに東京駅のステーション・ギャラリーに寄った。先月末から「川端康成コレクション 伝統とモダニズム展」が開かれている。コレクションはその所有者の美意識の表れとみるなら、この展示を見ることで川端の美意識の一端に触れることになるかもしれない。
この展示のサブタイトルが「知識も理屈もなく、私はただ見てゐる」とあり川端はだから私は美術品については語らない、と言っているけど実際は結構語っている。
確かに、展示されている作品は作者もそうそうたる作家のものが多い。その中でぼくが一番感銘を受けたのは黒田辰秋の一連の工芸品だ。これらは絵画を所有するのとはまた違った醍醐味、楽しみがあるのだろうとその時思った。
まずそれらを手に取って見るということ自体が、所有者でなければできない訳で、つまりは自分のモノとして手に取ってみた者だけが分かる凄み、良さと言うものがあるんだろうなぁ。それは確かに羨ましいなぁ。
[川端康成コレクション展 My Best 5]
黒田辰秋/拭漆栃手箱
黒田辰秋/朱漆六稜棗(なつめ)
東山魁夷/北山初雪
楠本憲吉/色絵灰皿
安田靭彦/川端康成全集(装丁画)
あ、魯山人の牡丹の絵の湯飲みもよかったなぁ…。
[図録]
180頁。2000円。上では触れなかったけど、会場には川端の書簡や、川端宛ての有名作家の書簡などが数多く展示されていた。もちろん会場でそれらをつぶさに眺めることもできるが、その内容までじっくりと目を通して読んでみたい向きにはこの図録は有難い資料だと思う。
その文章資料の中にはあの「伊豆の踊子」の原型となった川端と伊藤初代との実らなかった恋に関する2014年に新発見の書簡も含まれている。
(May 2016)
gillman*s Museums MUGMUM'S First
■ Museum of the Month
写真家集団マグナムはロバート・キャパの発案で1947年にカルティエ・ブレッソン等によって創設されて以来今日に至るまで第一線で活躍する写真家集団として続いているが、いわばその原点とも言える第一回の写真展「Face of Time(実際にはオーストリアで巡回展がなされたためタイトルはドイツ語でGesicht der Zeitとなってる…)の行方不明になっていたオリジナルプリントが2006年に発見されたため以来世界でMagnum's Firstと銘打って写真展が行われている。
展示点数がモノクロ写真83枚と少ないが、そこには時代の顔が色濃く浮かび上がっている。特に目を引いたのはカルティエ・ブレッソンの撮影した一連のマハトマ・ガンジーの写真で、そこには断食から生還するガンジーそして暗殺される前日のガンジー、ガンジーの葬儀と凍りついたまさにFace of Time、時代の顔がおさめられていた。枚数は少ないけど、これは絵画でいえば印象派の第一回印象派展にあたる記念すべき写真史の一頁だと思う。
[Mugnum's First My Best 5] 難しいっ!
①ロバート・キャパ…村祭り、バスク地方 1951年
②アンリ・カルティエ・ブレッソン…ガンディーの葬儀、デリー 1948年
③エルンスト・ハース…映画「ピラミッド」のセットにて、エジプト 1954年
④エーリッヒ・レッシング…ベルヴェデーレ宮殿、ウィーン 1954年
⑤インゲ・モラス…ボンド・ストリート、ロンドン 1953年
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[図録]
150頁。3000円。一連のオリジナル・プリントは木箱に収められてインスブルックの施設の地下室に置かれていたのだが、多分冷暗所でかつ湿気の少ない気候のせいもあってか、全くと言っていい程ダメージを受けていない。その恩恵もあって図録の写真は鑑賞に堪える質をキープしている。
(May 2016)
Mugnum's First
ヒルサイドフォーラム(代官山)
2016年4月23日～5月15日
写真家集団マグナムはロバート・キャパの発案で1947年にカルティエ・ブレッソン等によって創設されて以来今日に至るまで第一線で活躍する写真家集団として続いているが、いわばその原点とも言える第一回の写真展「Face of Time(実際にはオーストリアで巡回展がなされたためタイトルはドイツ語でGesicht der Zeitとなってる…)の行方不明になっていたオリジナルプリントが2006年に発見されたため以来世界でMagnum's Firstと銘打って写真展が行われている。
展示点数がモノクロ写真83枚と少ないが、そこには時代の顔が色濃く浮かび上がっている。特に目を引いたのはカルティエ・ブレッソンの撮影した一連のマハトマ・ガンジーの写真で、そこには断食から生還するガンジーそして暗殺される前日のガンジー、ガンジーの葬儀と凍りついたまさにFace of Time、時代の顔がおさめられていた。枚数は少ないけど、これは絵画でいえば印象派の第一回印象派展にあたる記念すべき写真史の一頁だと思う。
[Mugnum's First My Best 5] 難しいっ!
①ロバート・キャパ…村祭り、バスク地方 1951年
②アンリ・カルティエ・ブレッソン…ガンディーの葬儀、デリー 1948年
③エルンスト・ハース…映画「ピラミッド」のセットにて、エジプト 1954年
④エーリッヒ・レッシング…ベルヴェデーレ宮殿、ウィーン 1954年
⑤インゲ・モラス…ボンド・ストリート、ロンドン 1953年
.JPG)
[図録]
150頁。3000円。一連のオリジナル・プリントは木箱に収められてインスブルックの施設の地下室に置かれていたのだが、多分冷暗所でかつ湿気の少ない気候のせいもあってか、全くと言っていい程ダメージを受けていない。その恩恵もあって図録の写真は鑑賞に堪える質をキープしている。
(May 2016)
gillman*s Museums 広重展
■Museum of the Month
歌川広重はぼくなんかは学校の時には安藤広重と習ったけど、知らない間に歌川広重になっていた。どうも広重は絵師としては安藤姓を名乗ったことは無いことが分かって、今の歌川広重と呼ぶようになったらしい。
この連休は日本美術づいているけど、いやぁ、今回の広重展も大興奮。今回は原安三郎氏のコレクションの展示なのだけれど、広重の作品の殆どが初刷りで、何と言ってもまず色の鮮烈さに圧倒される。名所江戸百景で有名な「大はしあたけの夕立」などは、その雨の線の繊細さは印刷で見ていたのとはまるで次元が異なり鳥肌が立ったほど。
広重の、特に晩年の方の名所江戸百景を観るとき、ぼくの頭に浮かんでくるのはぼくが勝手につけた「フォトグラファー広重」という言葉。まさに変幻自在の彼のアングルを見ていると、どうしたって彼の頭の中にヴァーチャルなカメラがあるとしかおもえないのだ。
超広角で景色全体を捉えたと思ったら、「四ツ谷内藤新宿」のように接写に近い近景に馬の脚を入れてその向こうに内藤新宿の宿場の町並みを入れている。広重の構図はゴッホなんかも真似ているけど、当時台頭しつつあった写真はさすがにまだこのアングルの真似はできなかったようだ。
これをフィルムカメラでやろうとしたら、昔オーソン・ウェルズが映画「市民ケーン」の中でやってのけたようにパンフォーカスのようなことをやらなければならない。つまり一つの画面の中の超近景と遠景のどちらにもピントがあった写真を撮るためには特別のテクニックが必要なのだ。
それを広重は人間の目と想像力でやってのけた。他にも、例えば「日本橋江戸ばし」などでは橋の欄干のどアップの右隅に此方に近ずいてくるぼてぶりの天秤の一部だけが描かれているし、「吾妻橋金龍山遠望」では芸者を載せた船が画面中央から移動して殆ど画面から外れかけている。
それはまるでパリを活写したカルティエ・ブレッソンのスナップ写真のようだ。もちろん先の大写しやこういう手法は広重だけのものではなく当時の浮世絵自体が持っていた手法らしいけど、広重ほど効果的にかつモダンで都会的に駆使した絵師は居なかったように思う。
会場には一部北斎の富嶽三十六景の作品も展示されていた。広重と北斎の風景画を比べると、北斎はスペクタクル、広重はドキュメンタリーじゃないかなんて勝手な見方が頭をよぎる。広重が好きな人には堪らない展覧会だと思う。それ程混んでいなかったので、ゆったり見られて至福の時だった。
[広重展 My Best 5]
①大はしあたけの夕立
②美作 山伏谷
③浅草田圃酉の町詣
④真崎辺より水神の 森内川関屋の里を見る図
⑤四ツ谷内藤新宿
[図録]
495頁。2800円。浮世絵はいわば一種の印刷みたいなものだから、図録などの印刷には向いているだろうと思われるけど、実際は逆で現物の雰囲気は中々伝わってこない。今回の図録は図版解説としては完璧だと思うけど、残念ながら初刷りのあの華麗な雰囲気はあまり伝わっては来ない。
逆にそれを要求するのは酷というものだ。写真にあるドイツTASCHEN社の出している「名所江戸百景」を以前買って持っているけど、これも少し不満が残る。これは元は太田美術館の所有する初刷りの作品でより原寸に近い、装丁も和綴じになっている。
とはいえ、今回の図録も展覧会でしっかりと現物のイメージを目に焼き付けてそれを想起しながら見れば楽しい資料であることは間違いない。ぼくは広重ハンドブックとして使おうと思っている。
[蛇足]
個人的にはぼくは浮世絵と縁があると勝手に思い込んでいる。広重の墓はいまぼくが住んでいるところから歩いていくらもかからないところにあるし、中学校の時に一時両国の祖母の所に住んでいたことがあるけど、そこら辺は北斎が住んでいたところだ。
実は先日知ったのだけれど、昔ぼくが住んでいた家の前の公園に今、すみだ北斎美術館が建設されている最中だ。資金の問題で完成が遅れているらしいけど、来年には完成すると思う。それも楽しみだ。
..
広重ビビッド
2016年4月29日～6月12日
サントリー美術館
歌川広重はぼくなんかは学校の時には安藤広重と習ったけど、知らない間に歌川広重になっていた。どうも広重は絵師としては安藤姓を名乗ったことは無いことが分かって、今の歌川広重と呼ぶようになったらしい。
この連休は日本美術づいているけど、いやぁ、今回の広重展も大興奮。今回は原安三郎氏のコレクションの展示なのだけれど、広重の作品の殆どが初刷りで、何と言ってもまず色の鮮烈さに圧倒される。名所江戸百景で有名な「大はしあたけの夕立」などは、その雨の線の繊細さは印刷で見ていたのとはまるで次元が異なり鳥肌が立ったほど。
広重の、特に晩年の方の名所江戸百景を観るとき、ぼくの頭に浮かんでくるのはぼくが勝手につけた「フォトグラファー広重」という言葉。まさに変幻自在の彼のアングルを見ていると、どうしたって彼の頭の中にヴァーチャルなカメラがあるとしかおもえないのだ。
超広角で景色全体を捉えたと思ったら、「四ツ谷内藤新宿」のように接写に近い近景に馬の脚を入れてその向こうに内藤新宿の宿場の町並みを入れている。広重の構図はゴッホなんかも真似ているけど、当時台頭しつつあった写真はさすがにまだこのアングルの真似はできなかったようだ。
これをフィルムカメラでやろうとしたら、昔オーソン・ウェルズが映画「市民ケーン」の中でやってのけたようにパンフォーカスのようなことをやらなければならない。つまり一つの画面の中の超近景と遠景のどちらにもピントがあった写真を撮るためには特別のテクニックが必要なのだ。
それを広重は人間の目と想像力でやってのけた。他にも、例えば「日本橋江戸ばし」などでは橋の欄干のどアップの右隅に此方に近ずいてくるぼてぶりの天秤の一部だけが描かれているし、「吾妻橋金龍山遠望」では芸者を載せた船が画面中央から移動して殆ど画面から外れかけている。
それはまるでパリを活写したカルティエ・ブレッソンのスナップ写真のようだ。もちろん先の大写しやこういう手法は広重だけのものではなく当時の浮世絵自体が持っていた手法らしいけど、広重ほど効果的にかつモダンで都会的に駆使した絵師は居なかったように思う。
会場には一部北斎の富嶽三十六景の作品も展示されていた。広重と北斎の風景画を比べると、北斎はスペクタクル、広重はドキュメンタリーじゃないかなんて勝手な見方が頭をよぎる。広重が好きな人には堪らない展覧会だと思う。それ程混んでいなかったので、ゆったり見られて至福の時だった。
[広重展 My Best 5]
①大はしあたけの夕立
②美作 山伏谷
③浅草田圃酉の町詣
④真崎辺より水神の 森内川関屋の里を見る図
⑤四ツ谷内藤新宿
[図録]
495頁。2800円。浮世絵はいわば一種の印刷みたいなものだから、図録などの印刷には向いているだろうと思われるけど、実際は逆で現物の雰囲気は中々伝わってこない。今回の図録は図版解説としては完璧だと思うけど、残念ながら初刷りのあの華麗な雰囲気はあまり伝わっては来ない。
逆にそれを要求するのは酷というものだ。写真にあるドイツTASCHEN社の出している「名所江戸百景」を以前買って持っているけど、これも少し不満が残る。これは元は太田美術館の所有する初刷りの作品でより原寸に近い、装丁も和綴じになっている。
とはいえ、今回の図録も展覧会でしっかりと現物のイメージを目に焼き付けてそれを想起しながら見れば楽しい資料であることは間違いない。ぼくは広重ハンドブックとして使おうと思っている。
[蛇足]
個人的にはぼくは浮世絵と縁があると勝手に思い込んでいる。広重の墓はいまぼくが住んでいるところから歩いていくらもかからないところにあるし、中学校の時に一時両国の祖母の所に住んでいたことがあるけど、そこら辺は北斎が住んでいたところだ。
実は先日知ったのだけれど、昔ぼくが住んでいた家の前の公園に今、すみだ北斎美術館が建設されている最中だ。資金の問題で完成が遅れているらしいけど、来年には完成すると思う。それも楽しみだ。
(May 2016)
..
gillman*s Museums 若冲展
■ Museum of the Month
朝八時ごろ家を出て、日暮里から散歩気分で歩いて谷中墓地を抜けて藝大の所まで来たらもう人の列が見える。まだ九時前なのに…。
若冲コレクターのプライス氏の講演が聴きたくて申し込んだけど見事に外れ。そのために買っておいた前売り券が手元に残ったけど、混雑ぶりを聞くと二の足を踏んでいた。
結局誘惑に負けて1時間超待ってやっと入場。これだけ混むのもさもありなん。展示内容は未曽有といって良いかもしれない。特に「釈迦三尊像」と「動植綵絵」が飾られている巨大なオーバルルームは圧巻だった。若冲の絵のもつ圧倒的なエネルギーが溢れかえっている。
細密な若冲の彩色画からは画面を絵で埋め尽くす情熱みたいなものが伝わってくる。それはあたかもブリューゲルやヒエロニムス・ボスがとりつかれた一寸の余白も許さない止み難い衝動にも似ている。
一方、若冲の「象と鯨図屏風」や「月に叭叭鳥(ははちょう)」等の水墨画からは若冲の持つ絶妙な余白感覚が伝わってくる。なんとも不思議な…。さらに黒と白への執着。今回初めて見た「石灯籠図屏風」に至ってはその筆致はまるで点描派の筆使いのようで驚かされる。
ゆっくり観たいけれど、勿論それは無理と言うものだ。押し合いへし合いしながら見なければならないのはなんとも残念だけれど、来てよかったと思う。そう言えば前売り券はカミさんの分としてもう一枚残っているんだけど…。もう一度行くか。
[若冲展My Best5]月並みだけど…
①動植綵絵 群鶏図
②月に叭叭鳥図
③象と鯨図屏風
④月梅図
⑤鳥獣花木図屏風
[図録]
315頁。3000円と通常の展覧会の図録より高価だけれど、豪華な若冲本という出来になっている。今回の展覧会にかけて美術雑誌や総合誌の若冲特集が出されていて、本屋の店頭でもよく見かけた。
どれもそこそこ高価で複数冊買うと結構大変だと思う。それならこの図録一冊を買うというのも一つの選択肢かも知れない。
[蛇足]
人混みですっかり疲れて、帰りはお約束の店でフィッシュ&チップスのハーフサイズとワンパイント・ビールで一休み。
若冲展
生誕三百年記念
東京都美術館
2016年4月22日～5月24日
朝八時ごろ家を出て、日暮里から散歩気分で歩いて谷中墓地を抜けて藝大の所まで来たらもう人の列が見える。まだ九時前なのに…。
若冲コレクターのプライス氏の講演が聴きたくて申し込んだけど見事に外れ。そのために買っておいた前売り券が手元に残ったけど、混雑ぶりを聞くと二の足を踏んでいた。
結局誘惑に負けて1時間超待ってやっと入場。これだけ混むのもさもありなん。展示内容は未曽有といって良いかもしれない。特に「釈迦三尊像」と「動植綵絵」が飾られている巨大なオーバルルームは圧巻だった。若冲の絵のもつ圧倒的なエネルギーが溢れかえっている。
細密な若冲の彩色画からは画面を絵で埋め尽くす情熱みたいなものが伝わってくる。それはあたかもブリューゲルやヒエロニムス・ボスがとりつかれた一寸の余白も許さない止み難い衝動にも似ている。
一方、若冲の「象と鯨図屏風」や「月に叭叭鳥(ははちょう)」等の水墨画からは若冲の持つ絶妙な余白感覚が伝わってくる。なんとも不思議な…。さらに黒と白への執着。今回初めて見た「石灯籠図屏風」に至ってはその筆致はまるで点描派の筆使いのようで驚かされる。
ゆっくり観たいけれど、勿論それは無理と言うものだ。押し合いへし合いしながら見なければならないのはなんとも残念だけれど、来てよかったと思う。そう言えば前売り券はカミさんの分としてもう一枚残っているんだけど…。もう一度行くか。
[若冲展My Best5]月並みだけど…
①動植綵絵 群鶏図
②月に叭叭鳥図
③象と鯨図屏風
④月梅図
⑤鳥獣花木図屏風
[図録]
315頁。3000円と通常の展覧会の図録より高価だけれど、豪華な若冲本という出来になっている。今回の展覧会にかけて美術雑誌や総合誌の若冲特集が出されていて、本屋の店頭でもよく見かけた。
どれもそこそこ高価で複数冊買うと結構大変だと思う。それならこの図録一冊を買うというのも一つの選択肢かも知れない。
[蛇足]
人混みですっかり疲れて、帰りはお約束の店でフィッシュ&チップスのハーフサイズとワンパイント・ビールで一休み。
(May 2016)
gillman*s Museums 黒田清輝展
■ Museum of the Month
先月、埼玉県立近代美術館で行われたのが原田直次郎の個展。今日はその原田とほぼ同い年の黒田清輝展にいった。原田がドイツのミュンヘンに留学したのに対して、黒田はフランスのパリに留学。黒田がその後巨匠と呼ばれたのに対し、原田の帰国後の苦悩が対照的だけれど、それも時代の巡り合わせみたいなものかもしれない。
今回の黒田清輝展はとても大規模なもので黒田の画業の俯瞰を得るには申し分のない展覧会に思える。帰国後不遇をかこった原田と比べたけれど黒田だって一朝一夕に巨匠になったわけではない。日本画壇の裸体画への無理解とも戦ったし、何よりも帰国後日本人の女性を油彩で描く違和感と闘ったはずだ。
もっとずっと時代は下るけれども鴨居玲などはスペインで画業を成して帰国後、日本人の佇まいが油彩で描けないで悩み抜いたようだ。今回ぼくが注視したのは黒田の描く女性の肌の感触についてだった。
黒田はフランスでラファエル・コランについて絵を勉強したのだけれど、そのコランの裸婦画「フロレアル」と、今回は展示されていなかったけれどそのコランの師匠アレクサンドル・カバネルの「ヴィーナスの誕生」を、そしてさらには黒田の日本女性の理想像の現れである裸婦画「智・感・情」の女性の肌は時代の流れのように変化してゆく。
カバネルの女性の大理石のような肌、コランのスムーズだけど平面的な肌、そして黒田の陰影に満ちた湿潤な肌合い。やっと油彩での日本女性の肌の質感にたどり着いた感じがある。
黒田は日本にフランス絵画の萌芽をもたらしたけれど、一方フランスでは既に終焉しつつあったアカデミズムにこだわるあまり、もしかしたら同じくらいに日本の新しい芽を摘んだかもしれないと思っているのはぼくだけかもしれない。
でも、黒田の生きた時代を考えながら彼の画業の全体像に目を通したら巨匠と言う表現も頷ける展示だった。
[黒田清輝展 My Best 5]
①智・感・情
②湖畔
③婦人像(厨房)
④雲
⑤菊花と西洋婦人
[図録]
316頁。ずっしりと重く黒田の画業の決定版という感じがする。これで通常通りの2500円はお買い得かも。
[蛇足]
美術館の帰りは駅近くのパブでビールをワンパイントがお薦め。つまみはハーフサイズのFish&Chips。
黒田清輝展
～日本近代絵画の巨匠～
東京国立博物館
2016年3月23日～5月15日
先月、埼玉県立近代美術館で行われたのが原田直次郎の個展。今日はその原田とほぼ同い年の黒田清輝展にいった。原田がドイツのミュンヘンに留学したのに対して、黒田はフランスのパリに留学。黒田がその後巨匠と呼ばれたのに対し、原田の帰国後の苦悩が対照的だけれど、それも時代の巡り合わせみたいなものかもしれない。
今回の黒田清輝展はとても大規模なもので黒田の画業の俯瞰を得るには申し分のない展覧会に思える。帰国後不遇をかこった原田と比べたけれど黒田だって一朝一夕に巨匠になったわけではない。日本画壇の裸体画への無理解とも戦ったし、何よりも帰国後日本人の女性を油彩で描く違和感と闘ったはずだ。
もっとずっと時代は下るけれども鴨居玲などはスペインで画業を成して帰国後、日本人の佇まいが油彩で描けないで悩み抜いたようだ。今回ぼくが注視したのは黒田の描く女性の肌の感触についてだった。
黒田はフランスでラファエル・コランについて絵を勉強したのだけれど、そのコランの裸婦画「フロレアル」と、今回は展示されていなかったけれどそのコランの師匠アレクサンドル・カバネルの「ヴィーナスの誕生」を、そしてさらには黒田の日本女性の理想像の現れである裸婦画「智・感・情」の女性の肌は時代の流れのように変化してゆく。
カバネルの女性の大理石のような肌、コランのスムーズだけど平面的な肌、そして黒田の陰影に満ちた湿潤な肌合い。やっと油彩での日本女性の肌の質感にたどり着いた感じがある。
黒田は日本にフランス絵画の萌芽をもたらしたけれど、一方フランスでは既に終焉しつつあったアカデミズムにこだわるあまり、もしかしたら同じくらいに日本の新しい芽を摘んだかもしれないと思っているのはぼくだけかもしれない。
でも、黒田の生きた時代を考えながら彼の画業の全体像に目を通したら巨匠と言う表現も頷ける展示だった。
[黒田清輝展 My Best 5]
①智・感・情
②湖畔
③婦人像(厨房)
④雲
⑤菊花と西洋婦人
[図録]
316頁。ずっしりと重く黒田の画業の決定版という感じがする。これで通常通りの2500円はお買い得かも。
[蛇足]
美術館の帰りは駅近くのパブでビールをワンパイントがお薦め。つまみはハーフサイズのFish&Chips。
(April 2016)
gillman*s Museum ジャック=アンリ・ラルティーグ展
■Museum of the Month
ジャック=アンリ・ラルティーグの回顧展は2013年に東京都写真美術館で開かれた「植田正治とジャック・アンリ・ラルティーグ展 ～写真であそぶ～」以来だけれど、今回はラルティーグ単独の展覧会になる。
東京都写真美術館でこの二人の作品をパラレルに展示したのは二人の写真家がアマチュア写真家だということがあるのだけれど、それはもちろんカッコつきの「アマチュア」ということであるのは言うまでもない。鳥取の植田正治写真美術館でも感じたのだが、植田正治の写真が静謐な「静」の写真だとすれば、ラルティーグのそれは躍動感のある「動」の写真と言えるかもしれない。
今日の展覧会を観て再度感じたのはこの二人に共通するのはカメラを持った時のワクワク感かも知れない。誰かのために撮るのではなく本人自身が撮りたくてうずうずしている。そんな気持ちが伝わってる。もしそれをもって「アマチュア」というのならそれは最高の褒め言葉じゃないかと感じた。
今回の展示の素晴らしいのは、前回は余り展示されていなかったラルティーグがカラーで撮った写真も数多く展示されていることだ。動きを重視した彼はそういうシテュエーションで使いにくかったカラーフィルムはあまり好まなかったらしいけど、動きを軸としないテーマではカラーも使っている。
ぼくはどちらかと言えば躍動感よりも日常の静謐な場面が好きなので、今回ラルティーグの多くのカラー写真に触れてみてすっかり魅入られてしまった。彼は大半をオートクロームで撮っているけど、その色合いのなんと優しくて暖かいことか。特に1954年に撮った「フロレット ヴァンス」の映像などは目の底に焼き付いて離れない。
昨日がオープニングで混んでいると思ったら、あっけないほど空いている。なんかもったいないなぁ。一度見ておいて損は無いと思うんだけど…。
[ラルティーグ展My Best 5]
①フロレット・ヴァンス(colour)1954年
②オビオ(colour) 1963年
③スージー・ヴェルノン 1926年
④ダニとミションとボビー1936年
⑤ルネ・ペルル 1930年
[図録]
163頁。この時代の写真は大判でないので図録にしても大きさで見劣りするということはない。モノクロ写真の諧調は印刷では難しい所もあるけどそれもなんとか。カラー写真の優しい彩は比較的良く出ていると思う。写真展の図録は見ているだけで楽しい。
[ポスター]
入場者がまだ少ないからか、入場券を買ったら帰りにポスターをもらいました。好い感じのポスターです。
ジャック=アンリ・ラルティーグ展
～幸せの瞬間をつかまえて～
埼玉県立近代美術館
2016.04.05～05.22
ジャック=アンリ・ラルティーグの回顧展は2013年に東京都写真美術館で開かれた「植田正治とジャック・アンリ・ラルティーグ展 ～写真であそぶ～」以来だけれど、今回はラルティーグ単独の展覧会になる。
東京都写真美術館でこの二人の作品をパラレルに展示したのは二人の写真家がアマチュア写真家だということがあるのだけれど、それはもちろんカッコつきの「アマチュア」ということであるのは言うまでもない。鳥取の植田正治写真美術館でも感じたのだが、植田正治の写真が静謐な「静」の写真だとすれば、ラルティーグのそれは躍動感のある「動」の写真と言えるかもしれない。
今日の展覧会を観て再度感じたのはこの二人に共通するのはカメラを持った時のワクワク感かも知れない。誰かのために撮るのではなく本人自身が撮りたくてうずうずしている。そんな気持ちが伝わってる。もしそれをもって「アマチュア」というのならそれは最高の褒め言葉じゃないかと感じた。
今回の展示の素晴らしいのは、前回は余り展示されていなかったラルティーグがカラーで撮った写真も数多く展示されていることだ。動きを重視した彼はそういうシテュエーションで使いにくかったカラーフィルムはあまり好まなかったらしいけど、動きを軸としないテーマではカラーも使っている。
ぼくはどちらかと言えば躍動感よりも日常の静謐な場面が好きなので、今回ラルティーグの多くのカラー写真に触れてみてすっかり魅入られてしまった。彼は大半をオートクロームで撮っているけど、その色合いのなんと優しくて暖かいことか。特に1954年に撮った「フロレット ヴァンス」の映像などは目の底に焼き付いて離れない。
昨日がオープニングで混んでいると思ったら、あっけないほど空いている。なんかもったいないなぁ。一度見ておいて損は無いと思うんだけど…。
[ラルティーグ展My Best 5]
①フロレット・ヴァンス(colour)1954年
②オビオ(colour) 1963年
③スージー・ヴェルノン 1926年
④ダニとミションとボビー1936年
⑤ルネ・ペルル 1930年
[図録]
163頁。この時代の写真は大判でないので図録にしても大きさで見劣りするということはない。モノクロ写真の諧調は印刷では難しい所もあるけどそれもなんとか。カラー写真の優しい彩は比較的良く出ていると思う。写真展の図録は見ているだけで楽しい。
[ポスター]
入場者がまだ少ないからか、入場券を買ったら帰りにポスターをもらいました。好い感じのポスターです。
(Apr. 2016)
gillman*s choice Spring is Here
Spring is Here
My Best 5
今年は暖かい日が少し続いたと思ったら、また寒くなる。桜が咲きそで、咲かない。三寒四温と言うけれど春は人の心を焦らしながらやってくる。ま、それだから春のありがたさが身に沁みるのだけれど…。
春はヒトの心も微妙に揺れる。やっと春が来てSpring is Here.ということになるのだけれど、誰の心にも万遍なく春がやって來るということではないようなのだ。Spring is here.直訳すれば「春はここに」だけれど、下の歌詞のように春が来たってみんなは言うけど、アタシなんかにゃ…というちょっとスネた内容なので、邦題は「春が来たと云うけれど」となっているらしい。
今ではジャズ・スタンダードナンバーになっているが、もとは1938年のミュージカル「私は天使と結婚した」のためのロジャース＆ハートのコンビによる作品。そう、あの名曲My Funny Valentineのコンビ。桜はいいけど、花粉の時期は早く脱して安心して花見をしたいなぁ。
(album/artist)
Portrait In Jazz
Bill Evans Trio
ゆったりとしたテンポの曲でしみじみと春を感じる。この曲はボーカルにも何曲か名演がある。歌詞を読むと本当は憂鬱な春なんだけれど…エバンスのピアノはけだるい春と複雑な女心をしみじみとうたっている。ぼくは最近は朝この曲を聴くことが多い。Evansにはこれ以外にも春にちなんで言えば"You must believe in Spring"というアルバムがあるが、これも素敵。
Lullabys Of Birdland
Chris Connor
語りに近いイントロのところをクリスがちょっとかすれ気味の声で歌い出すとぼくの心は一気に1950年代のあの世界に引き込まれてしまう。といってもその頃はぼくはまだ子供でそれに海の向こうの世界だけれど、まだ男が男で、女が女だった世界の幻想がぼくの深層心理に刷り込まれている。
Sings Ballads
Rosemary Clooney
このアルバムはR.クルーニーのアルバムの中でもぼくの一番のお気に入りのもの。晩年の作品だけれどジャズシガーとしてのロージーの完成形がここにあると思う。この曲ではバックの演奏はエド・ビカートのギターだけ。他の曲もフルバンドをバックにした昔のロージーから変わって、小編成のセッションと語り合うように歌っていて何度聴いても心に響く。
Anita Swings Rodgers And Hart
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Anita O'Day
ビリー・メイ・オーケストラをバックにまさにアルバムタイトル通りにロジャース&ハートの曲の数々を歌っているアルバム。どの曲も素敵だけれどぼくはこのSpring is here.とIt never entered my mind.が好きだ。ちょっと気怠いアニタ・オディの声がこの曲にぴったりの感じがする。
さくらさくら Sakura Sakura
Nicki Parrott
ニッキ・パロットは最近ぼくがよく聴くジャズ歌手の一人だ。ちょっと甘ったるい声は一瞬往年のブロッサム・デアリーを思わせるところがあるけれど、歌い方はもう少しモダンでクールっぽいかもしれない。
このアルバムでのSpring is Hereもバックはギター一本のみ。それで彼女の巧さが引き立っている。Sakura Sakuraと題されたアルバムは今聴くのにぴったり。April in Paris.など春にまつわる歌ばかり入っている。中でもYou must believe in Spring.が特に素晴らしかった。
♪Spring is Here
Once there was a thing called spring
When the world was writing verses like yours and mine,
All the lads and girls would sing
When we sat at little tables and drank May wine.
Now April, May and June
Are sadly out of tune
Life has stuck a pin in the boat.
Spring is here
Why doesn't my heart go dancing?
Spring is here
Why isn't the waltz entrancing?
No desire,
No ambition leads me
Maybe it's because nobody needs me
Spring is here
Why doesn't the breeze delight me?
Stars appear
Why doesn't the night invite me?
Maybe it's because nobody loves me
Spring is here, I hear
Maybe it's because nobody loves me
Spring is here, I hear
(March 2016)
さくら Best in my iPod
My Best 10
桜咲く
「サクラサク」というと、ぼくには苦い思い出がある。インターネットのなかった大昔は、受験の合格発表は自分で見に行くか試験会場で学生がバイトでやっている電報サービスを利用するしかなかった。特に離れた受験地の場合は大抵試験を受けた時に頼んでおくことが多かった。
発表当日に、合格したときには「サララサク」、そして不合格の場合は「サクラチル」という文面の電報が届くと言う訳だ。ぼくが最初に貰った電報は「サクラチル」だった。春になってハラハラと桜が散る光景を目にすると、ふとその時のことを想い出すことがある。やっと桜咲くか。
(Song/Album/Artist)
さくら（独唱）
さくら
キンモクセイ
初めて森山直太郎がこの歌を彼独特のファルセットで歌っているのを聴いた時の鮮烈な印象を今でも覚えている。それ以来この歌はぼくにとっての春のオープニング・ナンバーになった。その後、この曲も入っているキンモクセイのアルバム「サクラ」を聴いてからはこのアルバムを春先に聴くのが春一番の楽しみになった。車を走らせながらこのアルバムを聴くと、ああ春が来たなぁと実感する。
桜色舞うころ
MIKA NAKASHIMA BEST
中島美嘉
中島美嘉の歌は「雪の華」を聴いてから好きになった。そこにはアジアの歌の底流を流れる「切なさ」という響きがある。彼女のかすれ気味の声は微風に揺れた枝からはらはらと桜の花びらが舞い落ちる様を彷彿とさせて感慨深い。
桜坂
VOICE
中村あゆみ
この歌はもちろん本家の福山雅治の歌が好いけれど、中村あゆみのこの歌も捨てがたいものがある。アコースティックギターの調べに乗って彼女にしてはとても自然に何気ない風に歌っている。それが却って切ない春の訪れを告げるようで心に浸みる。平原綾香の「桜坂 Sakurazaka」も中村あゆみの歌に劣らず素晴らしい。
SAKURAドロップス
DEEP RIVER
宇多田ヒカル
Automaticの衝撃。
宇多田ヒカルは若くして一気に歌の世界を駆け抜けてしまい、今は立ち止まって充電をしてるのかもしれない。ぼくは今でも彼女があの「Automtic」で鮮烈にデビューした時のことを忘れていない。その時にはぼくはもう充分中年と言っていいサラリーマンになっていたけれど、通勤電車の中でのイヤホーン・ラジオから流れてきた強烈なビートで始まるAutomaticに出会ったショックは今でも覚えている。彼女の曲は一見曲の流れに乗りにくいような口語スタイルの歌詞が彼女の歌声と感性で抵抗なく溶け合っている。このSAKURAドロップスにもそんな宇多田節が現れている。
桜
No Reason ～オトコゴコロ～
高橋真梨子
日本人の女性歌手の歌を聴いていて巧いなぁと感心することが時々あるけれど、高橋真梨子もぼくにとってはそんな歌手の一人だ。ペドロ&カプリシャスの時代から良く聴いていたけれどソロになってからの方が好いように思う。自分の感性で曲を選べるようになったからだろうか。この「桜」は彼女のボーカルが多重録音になっていると思うのだが、それがこの曲を盛り上げている。杏里、布施明の歌うこの曲もとても好いとおもう。
Cherry
Compact Jazz
The Singers Unlimited
スイングル・シンガーズやマンハッタン・トランスファーそしてこのシンガーズ・アンリミテッドなどのジャズ・コーラス・グループの歌を聴いていると段々と心が軽くなってくるような気がする。人間の声が作り出すハーモニーや小気味のいいテンポは理屈抜きでぼくの身体の中に潜んでいた元気の素みたいなものを引き出してくれる。小気味いいテンポのこのCherryにもそんな力がありそうだ。
Sakura, Sakura (Traditional Japanese Melody)
Portrait Of Rampal
Jean-Pierre Rampal
最近はあまりフルートの曲を聴くことは少なくなったけれど、大学の頃はこのランパルのフルートを好く聴いていた覚えがある。透明な彼のフルートの音を再現しようと何回かスピーカーを変えてみたが、当時は特に高音部が満足のいく音が出せなかった。この「さくら、さくら」はもちろん日本向けに録音したものだと思う。イントロのあれ、お箏かなと思う部分も良く聴いてみるとハープで弾いているようだ。この曲を聴きながら道明寺の桜餅なんかを頬張りお茶を一服というのも好いかも知れない。もっとも、ぼくには桜餅とビールという組み合わせもアリだけれど…
心根 ～一本桜～
SONGS
山本潤子
このアルバムには歌詞の付いているこの「心根～一本桜～」と歌詞のないハミングだけの「一本桜 [ヴォーカリーズバージョン]」の二曲が入っている。どちらかといえばヒーリング・ミュージックのようなゆったりとしたメロディーが心に浸みてくる。一本桜 [ヴォーカリーズバージョン]の方を聴いているうちに以前見た福島の三春の滝桜を想い浮かべた。まさに桜の精の化身のような雄大で見事な滝桜を前にして自分の小ささを思い知ったことを想い出した。
あの日、桜の下
「10年」～70年代の歌たち～
クミコ
クミコの歌はどれもとても物語性が強く感じられるのだけれど、この曲もまたそうだ。思春期の春の一日の光景が淡い歌声の向うに見えてくるようだ。このアルバムにはタイトルが示すように70年代の歌が入っている。十年、闇夜の国から、時の過ぎゆくままに、喝采、「いちご白書」をもう一度、等など13曲。
桜三月散歩道
氷の世界
井上陽水
歌のタイトルも口に出して言うとテンポが好い。歌詞は～街へ行けば、人が死ぬ～など如何にも井上陽水の曲らしいシュールな内容だが、テンポはいかにも春らしく軽快だ。井上陽水は今でも頻繁にライブをしているがその中でも良くこの曲は歌われているようだ。キンモクセイのアルバム「さくら」に収録されているこの曲も歯切れがよく軽快で好い。
(Apr. 2012)
gillman*s Museum 美の饗宴展
■The Museum of the Month
森アーツセンターギャラリーからの帰りはまずいことに国立新美術館を通るのだ。まずいことに、とは美術館のはしごは「観る」ことにダレてしまうことにもなるので出来れば避けたいのだけれど、片っ方の展示会も会期終了が近づいているし…。
ということで迷ったのだけれど、以前大原美術館に行った時気に入ってまた観たいと頭に置いていたもの等に限定して観ることにした。結果として駆け足だけどよく観たのは以下の五点だった。
①ジョヴァンニ・セガンティーニ 「アルプスの真昼」…大好きな絵で2011年損保ジャパン東郷青児美術館「セガンティーニ展」でも再会した作品だけれど、何とも言えない澄み切ったアルプスの空気感と高地の光の感じがたまらない。
②フェルディナント・ホドラー 「木を伐る人」…ホドラー展が2014年に国立西洋美術館で開かれて、その時観た覚えがあるけど、その時はベルンの美術館の同じ図柄の絵だったようだ。元はスイスフランの図案のために描かれた意匠だが、なんとも力強い絵だと思う。
③棟方志功 「二菩薩釈迦十大弟子版画柵」…これは大原美術館でも特別に目を引いていた。今回は間近に観られたので感激。
④楠本憲吉 「色絵四弁花文小筥」…陶磁器の事はよく分からないけど、絵以上に陶磁器は現物を観ないと伝わってこない。楠本憲吉のこの小さな笥(はこ)は写真で見て想像していたのとはまるで違う質感。小さいのに実にどっしりとしている。
⑤松本俊介 「都会」…ぼくは現代画はどちらかというと苦手な方なのだけれど、松本俊介の絵はなんか心に響くモノがあって好きだ。この絵は彼の蒼色が都会の孤独を表すようで特に心に沁みて來る。
エル・グレコの作品など大原美術館の特に初期の収集作品をみると、それを東奔西走して集めた児島虎次郎の努力とその慧眼に頭が下がる思いだ。
先年、その彼が明治時代に留学していたベルギーのゲント(Gent:ヘントともいう)を訪れた時、この街のゲント芸術アカデミーで彼の美意識が磨かれたのかと思って感慨無量だったことを想い出した。
[図録]
図録は以前大原美術館に行った時に「大原美術館名作選」という大原美術館のベスト155作が出ている図録を買っていたので今回は買わなかったけれど、その中のかなりの部分が今回展示されている。こんなに持ってきてしまって大丈夫なんだろうかとちょっと心配になった。でも、今回の展覧会が大原美術館の財政を潤すことになれば良いのだけれど…。
大原美術館で買ったベスト選集
[おまけ]
一人の時は美術館一階のカフェ・コキーユでビールとサンドイッチのランチ。ちょっと割高だけど買った図録を眺めたり、本を読んだり雑踏の中の孤独でかえってゆったりできる感じです。また、時間のある時は三階の資料室もお勧めです。
はじまり、美の饗宴展
すばらしき大原美術館コレクション
国立新美術館
2016.01.20～04.04
森アーツセンターギャラリーからの帰りはまずいことに国立新美術館を通るのだ。まずいことに、とは美術館のはしごは「観る」ことにダレてしまうことにもなるので出来れば避けたいのだけれど、片っ方の展示会も会期終了が近づいているし…。
ということで迷ったのだけれど、以前大原美術館に行った時気に入ってまた観たいと頭に置いていたもの等に限定して観ることにした。結果として駆け足だけどよく観たのは以下の五点だった。
①ジョヴァンニ・セガンティーニ 「アルプスの真昼」…大好きな絵で2011年損保ジャパン東郷青児美術館「セガンティーニ展」でも再会した作品だけれど、何とも言えない澄み切ったアルプスの空気感と高地の光の感じがたまらない。
②フェルディナント・ホドラー 「木を伐る人」…ホドラー展が2014年に国立西洋美術館で開かれて、その時観た覚えがあるけど、その時はベルンの美術館の同じ図柄の絵だったようだ。元はスイスフランの図案のために描かれた意匠だが、なんとも力強い絵だと思う。
③棟方志功 「二菩薩釈迦十大弟子版画柵」…これは大原美術館でも特別に目を引いていた。今回は間近に観られたので感激。
④楠本憲吉 「色絵四弁花文小筥」…陶磁器の事はよく分からないけど、絵以上に陶磁器は現物を観ないと伝わってこない。楠本憲吉のこの小さな笥(はこ)は写真で見て想像していたのとはまるで違う質感。小さいのに実にどっしりとしている。
⑤松本俊介 「都会」…ぼくは現代画はどちらかというと苦手な方なのだけれど、松本俊介の絵はなんか心に響くモノがあって好きだ。この絵は彼の蒼色が都会の孤独を表すようで特に心に沁みて來る。
エル・グレコの作品など大原美術館の特に初期の収集作品をみると、それを東奔西走して集めた児島虎次郎の努力とその慧眼に頭が下がる思いだ。
先年、その彼が明治時代に留学していたベルギーのゲント(Gent:ヘントともいう)を訪れた時、この街のゲント芸術アカデミーで彼の美意識が磨かれたのかと思って感慨無量だったことを想い出した。
[図録]
図録は以前大原美術館に行った時に「大原美術館名作選」という大原美術館のベスト155作が出ている図録を買っていたので今回は買わなかったけれど、その中のかなりの部分が今回展示されている。こんなに持ってきてしまって大丈夫なんだろうかとちょっと心配になった。でも、今回の展覧会が大原美術館の財政を潤すことになれば良いのだけれど…。
大原美術館で買ったベスト選集
[おまけ]
一人の時は美術館一階のカフェ・コキーユでビールとサンドイッチのランチ。ちょっと割高だけど買った図録を眺めたり、本を読んだり雑踏の中の孤独でかえってゆったりできる感じです。また、時間のある時は三階の資料室もお勧めです。
(March 2016)
gillman*s museum フェルメール
■The Museum of the Month
終了が間近い本展示会に行ってきた。二回位い六本木に来た際観ようかと思ったけれど並んで観るのと、高い所が嫌いなので混んでいたこともあっていずれもパス。今日、義父の墓参りに六本木に行った帰りに寄ってみたら結構楽々で即入場。
展示はとても充実していた。フェルメールを含めて、17世紀のオランダ絵画の隆盛が偲ばれる作品群が揃っていたと思う。特にステーンやハルスやデ・ホーホが良かった。
展示会では展示作品の照明のあり方で絵の印象は大きく変わってしまうけれど、今日の照明もぼくはそれほど嫌いではないけれど趣味の分かれるところだと思う。
例えば、今日の静物画などはスポットライトは絵ではなく絵の脇に貼られた作者名などのプレートに当たっていて、絵の方はその余光でうっすらと見える。という訳でとくにぼくの様な年寄りは絵の細部は余程目を凝らさないと見ることはできない。
これで不満の残る人もいれば、これこそ当時の絵が置かれていた環境に近いと思う人も居るかもしれない。新興市民が財力を持ち台頭してきた当時のオランダ絵画の主な買い手は彼らで、その絵が飾られるだろう部屋は決して太陽燦々の部屋ではなく、夜も暖炉の光などで観ていたことを想像すれば、この照明もありだと思う。
展示会場について言えば、美術館の楽しみは絵だけではないと思ってるので、イベント会場っぽいここは余り好きではない。もちろんこれは52階にあるという高所恐怖症のぼくだけに言える一種の偏見ですが…。
[17世紀オランダ黄金時代の巨匠たち展My Best 5]
①ヨハネス・フェルメール/水差しを持つ女
②ヤン・ステーン/通称:二種類の遊び
③レンブラント・ファン・レイン/ベローナ
④ヤン・リーフェンス/読書する老女
⑤カレル・ファブリティウス/帽子と胴よろいをつけた男
[図録]
205頁。色の出方も比較的忠実で、何より有難いのは展示では照明の事もあって中々細部まで見づらかった静物画が良く出ていることだ。読み物としては巻頭のロンドン・ナショナル・ギャラリーとアムステルダム国立美術館の学芸員などによるオランダ絵画とそれぞれの美術館のコレクションとの関わり合いについての部分が興味深かった。
フェルメールとレンブラント
17世紀オランダ黄金時代の巨匠たち
森アーツセンターギャラリー
2016.01.14-03.31
終了が間近い本展示会に行ってきた。二回位い六本木に来た際観ようかと思ったけれど並んで観るのと、高い所が嫌いなので混んでいたこともあっていずれもパス。今日、義父の墓参りに六本木に行った帰りに寄ってみたら結構楽々で即入場。
展示はとても充実していた。フェルメールを含めて、17世紀のオランダ絵画の隆盛が偲ばれる作品群が揃っていたと思う。特にステーンやハルスやデ・ホーホが良かった。
展示会では展示作品の照明のあり方で絵の印象は大きく変わってしまうけれど、今日の照明もぼくはそれほど嫌いではないけれど趣味の分かれるところだと思う。
例えば、今日の静物画などはスポットライトは絵ではなく絵の脇に貼られた作者名などのプレートに当たっていて、絵の方はその余光でうっすらと見える。という訳でとくにぼくの様な年寄りは絵の細部は余程目を凝らさないと見ることはできない。
これで不満の残る人もいれば、これこそ当時の絵が置かれていた環境に近いと思う人も居るかもしれない。新興市民が財力を持ち台頭してきた当時のオランダ絵画の主な買い手は彼らで、その絵が飾られるだろう部屋は決して太陽燦々の部屋ではなく、夜も暖炉の光などで観ていたことを想像すれば、この照明もありだと思う。
展示会場について言えば、美術館の楽しみは絵だけではないと思ってるので、イベント会場っぽいここは余り好きではない。もちろんこれは52階にあるという高所恐怖症のぼくだけに言える一種の偏見ですが…。
[17世紀オランダ黄金時代の巨匠たち展My Best 5]
①ヨハネス・フェルメール/水差しを持つ女
②ヤン・ステーン/通称:二種類の遊び
③レンブラント・ファン・レイン/ベローナ
④ヤン・リーフェンス/読書する老女
⑤カレル・ファブリティウス/帽子と胴よろいをつけた男
[図録]
205頁。色の出方も比較的忠実で、何より有難いのは展示では照明の事もあって中々細部まで見づらかった静物画が良く出ていることだ。読み物としては巻頭のロンドン・ナショナル・ギャラリーとアムステルダム国立美術館の学芸員などによるオランダ絵画とそれぞれの美術館のコレクションとの関わり合いについての部分が興味深かった。
(March 2016)
gillman*s Museum 浦沢直樹展
■Museum of the Month
浦沢直樹はマンガやアニメの「Monster」なんかで見ていたけれど、考えてみたら彼の最初の長編「パイナップル Army」が始まった1985年頃にはぼくはもう会社に入って十年も経った頃だった。れっきとしたサラリーマンだった。でも、それからも「YAWARA」「Masterキートン」「Monster」や「Pluto」も見ていた。
今日は彼のナマ原稿がたっぷり見られたので彼の素晴らしさを再認識した。浦沢直樹というとその作品の優れたストーリー性が評価されているけど、同時に彼の絵の「線」の素晴らしさももっと評価すべきじゃないかなと思う。
同じく線の素晴らしさで言えばぼくの大好きな大友克洋の「アキラ」とか「スチームボーイ」が浮んでくるけど、その彼の緻密な線の素晴らしさともまた違う浦沢直樹の線は、あくまでも優雅でしなやかだ。
浦沢直樹も大友克洋もその線の素晴らしさは、彼等が意識しているかどうかは分からないけど北斎や歌磨呂など繊細な線を基軸とする浮世絵あたりにその源流があると思うのだけど…。浦沢直樹の原画は一見するに値すると思う。
浦沢直樹連載作品[長編作品]
・パイナップルARMY（1985年 - 1988年）
・YAWARA!（1986年 - 1993年）
・MASTERキートン（1988年 - 1994年）
・Happy!（1993年 - 1999年）
・MONSTER（1994年 - 2001年）
・20世紀少年 / 21世紀少年（1999年 - 2007年）
・PLUTO（2003年 - 2009年）
・BILLY BAT（2008年 - 連載中）
・MASTERキートン Reマスター（2012年 - 2014年)
[図録]
265頁。今回の個展の方が若干この本の出版より早く、本の構成も展示とは異なるので厳密な意味での図録とは言えないかもしれないけれど、浦沢直樹の今までの活動の俯瞰を得るという意味ではもっとも適した本になっていると思う。全編彼の絵とインタビューで満たされている。彼が何を大事にストーリーテリングしているか、彼の描き方の秘密が分かるような…。読みものとしてもとても面白いと思う。
浦沢直樹展
世田谷文学館
2016年1月16日～3月31日
浦沢直樹はマンガやアニメの「Monster」なんかで見ていたけれど、考えてみたら彼の最初の長編「パイナップル Army」が始まった1985年頃にはぼくはもう会社に入って十年も経った頃だった。れっきとしたサラリーマンだった。でも、それからも「YAWARA」「Masterキートン」「Monster」や「Pluto」も見ていた。
今日は彼のナマ原稿がたっぷり見られたので彼の素晴らしさを再認識した。浦沢直樹というとその作品の優れたストーリー性が評価されているけど、同時に彼の絵の「線」の素晴らしさももっと評価すべきじゃないかなと思う。
同じく線の素晴らしさで言えばぼくの大好きな大友克洋の「アキラ」とか「スチームボーイ」が浮んでくるけど、その彼の緻密な線の素晴らしさともまた違う浦沢直樹の線は、あくまでも優雅でしなやかだ。
浦沢直樹も大友克洋もその線の素晴らしさは、彼等が意識しているかどうかは分からないけど北斎や歌磨呂など繊細な線を基軸とする浮世絵あたりにその源流があると思うのだけど…。浦沢直樹の原画は一見するに値すると思う。
浦沢直樹連載作品[長編作品]
・パイナップルARMY（1985年 - 1988年）
・YAWARA!（1986年 - 1993年）
・MASTERキートン（1988年 - 1994年）
・Happy!（1993年 - 1999年）
・MONSTER（1994年 - 2001年）
・20世紀少年 / 21世紀少年（1999年 - 2007年）
・PLUTO（2003年 - 2009年）
・BILLY BAT（2008年 - 連載中）
・MASTERキートン Reマスター（2012年 - 2014年)
[図録]
265頁。今回の個展の方が若干この本の出版より早く、本の構成も展示とは異なるので厳密な意味での図録とは言えないかもしれないけれど、浦沢直樹の今までの活動の俯瞰を得るという意味ではもっとも適した本になっていると思う。全編彼の絵とインタビューで満たされている。彼が何を大事にストーリーテリングしているか、彼の描き方の秘密が分かるような…。読みものとしてもとても面白いと思う。
(May 2016)
gillman*s Museum モランディ展
■Museum of the Month
鴨居玲の個展を観て以来、交通至便なこともあってこのステーションギャラリーによく来るのだけれど、今回はジョルジョ・モランディの個展。彼の個展は確か五年前に企画されたけど東北大震災で中止になってしまったと思う。
イタリアの画家ジョルジョ・モランディの作品はどれも小さなキャンバスに瓶などの静物が描かれているのでぼんやり観ているとただのつまらない絵に見えてしまうかもしれない。
彼の絵の色ももちろん大事だけど彼の作品でやはり大事なのは広い意味での構図だと思う。構図といえば、余白の概念や広重の近景のクローズアップと遠景の組み合わせなど日本の絵画の方が洗練されている面もあると思うけど、彼の構図は静物をどう配置すれば小さな画面の中に静謐で調和のある宇宙が生成できるかという事と深く関わっているようだ。
例えば色も形も異なる5本の瓶をテーブルの上に置いて描いたり、写真に撮るとしたらどう配置するか。自分ならどうするか。何故そうするのか。モランディは何故そう配置したか、なんて考えながら観るととても面白い。モランディの絵には彼の敬愛するシャルダンやセザンヌの構図を更に純化させた世界があると思う。
モランディはイタリアのボローニャ生まれで生涯ボローニャとその近郊の避暑地グリッツィアーナで過ごし、殆ど旅もしていなかったらしい。そして描くものは殆どが室内の静物だった。そう聞くとぼくは即座にぼくの大好きな二人の作家を想起する。一人はデンマークの画家ヴィルヘルム・ハンマースホイ。そしてもう一人はアメリカの画家アンドリュー・ワイエスだ。
ハンマースホイはコペンハーゲンのストランゲーゼ30番地の自宅でひたすら室内と妻のイーダの後ろ姿を描き続けた。パリとロンドンの短い旅を除けば殆どコペンハーゲンを出なかった。
一方、ワイエスも彼が描いたのはペンシルバニア州のチャッズ・フォードの自分の家と夏から秋にかけては別荘のあるメイン州のクッシング村の、それも特定の場所の情景や人物だけなのだ。父が画家だった彼は技術的には申し分が無かったが、その選んだ題材は全くの身の周りだけの世界だった。
狭い日常の世界、地域的にも限定された極端な地方性についてワイエスは「…このひとつの丘が私にとっては何千の丘と同じ意味を持つ。このひとつの対象の中に私は世界を見出す」と語っている。
モランディもパーティで出会った海外リゾート地から戻ったばかりの日焼けで小麦色の肌をしたご婦人が「あの島の夕陽は世界一素晴らしいの、あなたもあそこに行けばもっと素晴らしい絵が描けるのに」と言った時に「そんなのは世界一じゃあない。ぼくの家の近くの道を曲がった処の光景こそ世界一なのだ」とかえした。「あら、そこに何があるの？」「ただの荒野だよ」と言うようなやりとりがあったという。
この三人に共通するものがあるのか、それともそれは全く異なるのか、ぼくにはまだ分からない。分からないけれど、それはどうやら「深く見る」という事と関係がありそうだし、真の静謐な時と言うのはそういうものの中から生まれて来るのかも知れないという予感はしている。
[図録]
220頁。モランディの絵の色はどれもパステルカラーのように淡く微妙な色なのだけど、図録では比較的良く出ていると思う。また彼は瓶などの静物に積もった埃を拭わずにそのままにして素材感を出していたのだが、図録の紙を光沢紙ではなく艶消しの紙にしているでその点でも好感が持てる。また巻末の「アンソロジー:モランディをめぐる言説」は評論家や色々なメディアのモランディに関する言説が紹介されていて興味深い。
モランディ展
東京ステーションギャラリー
2016.2.20-4.10
鴨居玲の個展を観て以来、交通至便なこともあってこのステーションギャラリーによく来るのだけれど、今回はジョルジョ・モランディの個展。彼の個展は確か五年前に企画されたけど東北大震災で中止になってしまったと思う。
イタリアの画家ジョルジョ・モランディの作品はどれも小さなキャンバスに瓶などの静物が描かれているのでぼんやり観ているとただのつまらない絵に見えてしまうかもしれない。
彼の絵の色ももちろん大事だけど彼の作品でやはり大事なのは広い意味での構図だと思う。構図といえば、余白の概念や広重の近景のクローズアップと遠景の組み合わせなど日本の絵画の方が洗練されている面もあると思うけど、彼の構図は静物をどう配置すれば小さな画面の中に静謐で調和のある宇宙が生成できるかという事と深く関わっているようだ。
例えば色も形も異なる5本の瓶をテーブルの上に置いて描いたり、写真に撮るとしたらどう配置するか。自分ならどうするか。何故そうするのか。モランディは何故そう配置したか、なんて考えながら観るととても面白い。モランディの絵には彼の敬愛するシャルダンやセザンヌの構図を更に純化させた世界があると思う。
モランディはイタリアのボローニャ生まれで生涯ボローニャとその近郊の避暑地グリッツィアーナで過ごし、殆ど旅もしていなかったらしい。そして描くものは殆どが室内の静物だった。そう聞くとぼくは即座にぼくの大好きな二人の作家を想起する。一人はデンマークの画家ヴィルヘルム・ハンマースホイ。そしてもう一人はアメリカの画家アンドリュー・ワイエスだ。
ハンマースホイはコペンハーゲンのストランゲーゼ30番地の自宅でひたすら室内と妻のイーダの後ろ姿を描き続けた。パリとロンドンの短い旅を除けば殆どコペンハーゲンを出なかった。
一方、ワイエスも彼が描いたのはペンシルバニア州のチャッズ・フォードの自分の家と夏から秋にかけては別荘のあるメイン州のクッシング村の、それも特定の場所の情景や人物だけなのだ。父が画家だった彼は技術的には申し分が無かったが、その選んだ題材は全くの身の周りだけの世界だった。
狭い日常の世界、地域的にも限定された極端な地方性についてワイエスは「…このひとつの丘が私にとっては何千の丘と同じ意味を持つ。このひとつの対象の中に私は世界を見出す」と語っている。
モランディもパーティで出会った海外リゾート地から戻ったばかりの日焼けで小麦色の肌をしたご婦人が「あの島の夕陽は世界一素晴らしいの、あなたもあそこに行けばもっと素晴らしい絵が描けるのに」と言った時に「そんなのは世界一じゃあない。ぼくの家の近くの道を曲がった処の光景こそ世界一なのだ」とかえした。「あら、そこに何があるの？」「ただの荒野だよ」と言うようなやりとりがあったという。
この三人に共通するものがあるのか、それともそれは全く異なるのか、ぼくにはまだ分からない。分からないけれど、それはどうやら「深く見る」という事と関係がありそうだし、真の静謐な時と言うのはそういうものの中から生まれて来るのかも知れないという予感はしている。
[図録]
220頁。モランディの絵の色はどれもパステルカラーのように淡く微妙な色なのだけど、図録では比較的良く出ていると思う。また彼は瓶などの静物に積もった埃を拭わずにそのままにして素材感を出していたのだが、図録の紙を光沢紙ではなく艶消しの紙にしているでその点でも好感が持てる。また巻末の「アンソロジー:モランディをめぐる言説」は評論家や色々なメディアのモランディに関する言説が紹介されていて興味深い。
(Mar. 2016)
gillman*s Museum 原田直次郎展
■Museum of the Month
高橋由一の弟子、森鴎外のドイツ留学時代の友人であり小説「うたかたの記」のモデルとして前から名前だけは知っていたけれど、彼の絵を実際に見たことはなかった。
30歳代で夭折したこともあって作品数も多くないので回顧展は無いと思っていたのだけれど…。実際に見てみると原田の画力は明治の日本のレベルを遥かに超えていたと思う。中でも代表作の「靴屋の親父」や「風景」は突出して素晴らしいが、それはすでに近代を先取りしている。
彼の一番の不幸はドイツから日本に戻った後彼を待っていた陰鬱たる日本画壇の抵抗だったと思う。以来彼は鬱々と暗い肖像画を描き続けなければならなかった。その上の夭折である。
地味だけれども、周辺の資料もしっかりと展示されていていい企画展だった。4月からはぼくの大好きな写真家ジャック=アンリ・ラルティーグの展覧会。これも楽しみだ。
場所は北浦和の駅すぐ前の公園の中。ここのカフェのハートランドビール中瓶も美味しいですよ。
[図録]
全190頁に作品リスト、作品解説もついている立派なもの。2500円(税抜)は大手美術館の展覧会図録なら標準的価格なのだろうが、巡回展とはいえ県立美術館の展覧会でこれ程立派な図録を作ったら赤字になるのではないかと心配になる。
原田直次郎の回顧展は彼の没後に森鴎外が主宰して以来100年ぶりになるという。この図録は原田直次郎の記念碑にもなり得ると思う。
原田直次郎展
埼玉県立近代美術館
2016.2.11-3.27
高橋由一の弟子、森鴎外のドイツ留学時代の友人であり小説「うたかたの記」のモデルとして前から名前だけは知っていたけれど、彼の絵を実際に見たことはなかった。
30歳代で夭折したこともあって作品数も多くないので回顧展は無いと思っていたのだけれど…。実際に見てみると原田の画力は明治の日本のレベルを遥かに超えていたと思う。中でも代表作の「靴屋の親父」や「風景」は突出して素晴らしいが、それはすでに近代を先取りしている。
彼の一番の不幸はドイツから日本に戻った後彼を待っていた陰鬱たる日本画壇の抵抗だったと思う。以来彼は鬱々と暗い肖像画を描き続けなければならなかった。その上の夭折である。
地味だけれども、周辺の資料もしっかりと展示されていていい企画展だった。4月からはぼくの大好きな写真家ジャック=アンリ・ラルティーグの展覧会。これも楽しみだ。
場所は北浦和の駅すぐ前の公園の中。ここのカフェのハートランドビール中瓶も美味しいですよ。
[図録]
全190頁に作品リスト、作品解説もついている立派なもの。2500円(税抜)は大手美術館の展覧会図録なら標準的価格なのだろうが、巡回展とはいえ県立美術館の展覧会でこれ程立派な図録を作ったら赤字になるのではないかと心配になる。
原田直次郎の回顧展は彼の没後に森鴎外が主宰して以来100年ぶりになるという。この図録は原田直次郎の記念碑にもなり得ると思う。
(Mar.2016)
gillman*s Museum カラヴァッジョ展
■Museum of the Month
先般のグエルチーノ展に続く西美のイタリアシリーズとも言える展覧会。とても充実していた展覧会だと思う。しかし、カラヴァッジョと言えば名うての無頼漢。すぐ切れるタイプで暴力的で人まで殺めてしまう。そういういう人物像と、「ナルキッソス」に代表されるような息をのむような繊細さとの接点にいつも悩まされるのだけれど、考えてみればドガだって、ヴァーグナーにだって同じような事が言える。
ドガは女性蔑視主義者で女性と花と犬猫が大嫌い。何かと言えば他人をこき下ろす。いわゆる嫌なヤツ。ヴァグナーは不遜で借金踏み倒しと他人の女に手を出す性癖の持ち主だった。しかし、その人間から湧き出す表現は人を捉えて離さない。どちらが本当の姿なのだと悩むよりも、多かれ少なかれ人間とか才能とかいうものはそういうものだと思い切った方が楽なのかもしれない。
カラバッジョの絵を観ていると随所にぼくの大好きなジョルジュ・ド・ラ・トゥールを彷彿とさせる闇に出会う。現に会場には西美の所有する彼の二点の絵も展示されていた。同じように光と影の画家としてのジャコモ・マッサの存在を知ったのも今回の展覧会の収穫だった。また今回はつい最近カラバッジョの真筆と認められた「法悦のマグダラのマリア」が初めて公開されている。
現在(3月5日時点)では特別展の入場券とは別に常設展の入場券が付いてくる。実は、3月中旬まで常設展の部分はメンテナンスのためクローズされているのでいつもなら特別展の入場券で常設展も観られるのだが今回は観られないので常設展の入場券が付いてるというわけ。6月12まで有効な券だった。
[カラヴァッジョ展My Best 5]
①ナルキッソス
②果物籠を持つ少年
③エッケ・ホモ
④エマオの晩餐
⑤法悦のマグダラのマリア
[図録]
321頁の大部で色の再現性も良いように思う。前回グエルチーノの図録(185頁)にましてリキが入っている。特に巻頭のロッセラ・ヴォドレの論文『カラヴァッジョ「とてつもなく奇抜な男」』はカラヴァッジョの作品と人生について簡潔にかつ分かりやすく解説していて好感が持てた。
(Mar. 2016)
カラヴァッジョ展
国立西洋美術館
2016.03.01-06.12
先般のグエルチーノ展に続く西美のイタリアシリーズとも言える展覧会。とても充実していた展覧会だと思う。しかし、カラヴァッジョと言えば名うての無頼漢。すぐ切れるタイプで暴力的で人まで殺めてしまう。そういういう人物像と、「ナルキッソス」に代表されるような息をのむような繊細さとの接点にいつも悩まされるのだけれど、考えてみればドガだって、ヴァーグナーにだって同じような事が言える。
ドガは女性蔑視主義者で女性と花と犬猫が大嫌い。何かと言えば他人をこき下ろす。いわゆる嫌なヤツ。ヴァグナーは不遜で借金踏み倒しと他人の女に手を出す性癖の持ち主だった。しかし、その人間から湧き出す表現は人を捉えて離さない。どちらが本当の姿なのだと悩むよりも、多かれ少なかれ人間とか才能とかいうものはそういうものだと思い切った方が楽なのかもしれない。
カラバッジョの絵を観ていると随所にぼくの大好きなジョルジュ・ド・ラ・トゥールを彷彿とさせる闇に出会う。現に会場には西美の所有する彼の二点の絵も展示されていた。同じように光と影の画家としてのジャコモ・マッサの存在を知ったのも今回の展覧会の収穫だった。また今回はつい最近カラバッジョの真筆と認められた「法悦のマグダラのマリア」が初めて公開されている。
現在(3月5日時点)では特別展の入場券とは別に常設展の入場券が付いてくる。実は、3月中旬まで常設展の部分はメンテナンスのためクローズされているのでいつもなら特別展の入場券で常設展も観られるのだが今回は観られないので常設展の入場券が付いてるというわけ。6月12まで有効な券だった。
[カラヴァッジョ展My Best 5]
①ナルキッソス
②果物籠を持つ少年
③エッケ・ホモ
④エマオの晩餐
⑤法悦のマグダラのマリア
[図録]
321頁の大部で色の再現性も良いように思う。前回グエルチーノの図録(185頁)にましてリキが入っている。特に巻頭のロッセラ・ヴォドレの論文『カラヴァッジョ「とてつもなく奇抜な男」』はカラヴァッジョの作品と人生について簡潔にかつ分かりやすく解説していて好感が持てた。
(Mar. 2016)
gillman*s choice ドイツ美術館
真冬の
ドイツ美術館巡り
旧国立美術館ベルリン
冬のヨーロッパはとにかく寒い。日本人観光客にとっては寒くてもクリスマスの時期はクリスマスマーケットなど楽しいイベントがあるのでその時期は人気があるけど、それ以外はこの季節はいわゆるシーズン・オフというやつで旅行会社も苦労していると思うのだけど…。
でも、見方を変えるとこの時期はヨーロッパではオペラをはじめとするコンサートなど音楽のハイ・シーズンなのだ。ぼくらはヨーロッパでのクラシックの有名コンサートというと春や夏に開かれる色々な音楽祭を思い浮かべるけれど、その時期に音楽祭が集中するのは実はその時期には音楽のハイ・シーズンが終わっていてオーケストラが時間が取れるからということもあるのだと思う。
一方美術館は冬の間は観光客にとってはまぁシーズン・オフと言って良いかもしれない。ルーブルのような所は例外的に冬でも混んでいるかもしれないけれど、一般的には美術館の前に長蛇の列を作ったり、名画の前で人垣を分けて背伸びして観るなどということはこの時期には無縁だ。今回は特にフリードリヒなどのドイツロマン派の絵画を今まで殆ど実際には観たことが無いので期待していたのだけれど、期待以上で満喫できたので嬉しい限り。以下に今回訪れた美術館を振り返ってみた。
ノイエ・マイスター絵画館
Galerie Neue Meister(Dresden)
先年ドレスデンを訪れた時アルテ・マイスター絵画館に行ってフェルメールやレンブラントがさりげなく飾ってあるのが気に入って、今回も楽しみにしていたのだけれどもメンテナンス工事中ということで2月末まで閉鎖されていたので残念ながら見ることが出来なかった。シーズン・オフに来ると、すいているのでゆっくり観られるメリットはあるのだけれど、こういうリスクも潜んでいるんだなぁ。
気を取り直して前回は時間が無くて行けなかったノイエ・マイスター絵画館の方に行ってみた。こちらはメイン観光地のブリュールのテラスを下りてすぐのところにあるアルベルティヌム美術館(Albertinum)の中にある。こちらはノイエ(new)という名前が示す通り19世紀以降の新しい絵画が中心になる。
このアルベルティヌムという建物は元々はヨーロッパ最大の武器庫で先の大戦で爆撃を受けたりしたけど修復・改装して2010年に美術館としてオープンした。中に入ると武器庫時代を思わせる広大な空間が広がっている。
何といっても展示作品の圧巻はドイツロマン主義のカスパー・ダーヴィト・フリードリヒやアドリアン・ルートヴィヒ・リヒターなどの近代ドイツの油彩だ。フリードリヒの傑作「山上の十字架」も実はここにある。またゲーテと同時代のロマン主義画家カール・グスタフ・カルスのコレクションも見ものだ。最近になって日本でも北方系のドイツロマン主義絵画が話題に上るようになったがそれらを見るならここドレスデンやベルリンは最高だ。
造形美術館
Museum der bildende Künste(Leipzig)
ライプチッヒでは駅のすぐそばのホテルに泊まったのだけれど、そのすぐ裏手にあるのがこの造形美術館だ。近代的な建物で展示スペースもとてもゆったりとしている。ここの白眉は何といってもシュルレアリズムの先駆者とも言えるドイツの画家・彫刻家であるマックス・クリンガーの作品群だ。
大理石と金属でつくられた巨大なベートーヴェン像(1902)は迫力満点だ。他にもフリードリヒやクラナッハなどの作品もある。大抵のガイド本ではさらりと触れられているくらいで、中には見るべき有名な作品は無いなどと素っ気ないコメントもあるけど、こういう機会に普段馴染みが無いが間違いなく一流の作品に触れてみるのも新しい刺激になると思うのだけれど…。
旧国立美術館
Alte Nationalgalarie Berlin
旧ナショナルギャラリーと表示している場合もある、ベルリンの博物館島の一画にある美術館。ここを初めて訪れたのはまだ東ドイツ時代の1970年でその前年に戦火からの美術館復興が終わったばかりだった。作品自体については昔の絵画については余り知識も無かったせいかあまり印象に残ってはいないけれど雰囲気は大分変っていた。ただ建物の尊大な印象だけははっきりと残っている。
現在は主に古典主義、ロマン主義が中心になっているけれど、ぼくにとって特筆すべきはビーダーマイヤー様式の絵画が数多く収蔵されている点だ。ビーダーマイヤーはウィーン会議を中心とする時代の文化で、小市民的でつまらないという見方もあるが、日常に根差した視点がぼくは好きだ。
ビーダーマイヤー時代の作品はウィーンのベルベデーレ宮殿にあるオーストリア美術館のフロアーに結構まとまって展示されていたけれど、ここのはそれに引けを取らない多数の作品が展示されている。もちろんフリードリヒやアドルフ・メンツェル等の作品そしてデュッセルドルフ派の作品も充実している。
また点数は少ないけれどフランス印象派の作品もある。各展示室の入口に展示室番号と作品の時代や様式の表示パネルがあって見やすい。
*タイトル下写真の左側の大きな絵はルノアールの「Wargemontの子供たちの午後」という作品。
絵画館
Gemäldegalarie Berlin
ポツダム広場の西側、ベルリンフィルの建物のすぐそばにあり、ソニーセンターからも近い文化フォーラム(Kulturforum)にあるので是非立ち寄りたい美術館だ。ベルリン美術館の一部門だ。実はベルリン美術館と言う名の美術館は無く前述の旧国立美術館もそうだけれども、この絵画館や博物館島にあるベルリン旧博物館など全部で18の部門を総称してベルリン美術館と称している。
その中でここは13世紀から18世紀にいたるヨーロッパ絵画の展示をする役割を担っている。特にフランドルやイタリア初期バロックの作品も充実していてすばらしい。レンブラント、ルーベンス、カラバッジョやブリューゲルなど誰でも名前くらいは知っている画家の作品を挙げてもきりが無い。フェルメールの作品も二点ある。
ゆったりとした気持ちで見ていると半日いても飽きない。訪れた時は特別展としてボッティチェリ展もやっていたのでそれも観られてよかった。なおここのレストランはカフェテリア方式になっていて自分で好きなものを選べるので膨大な量の料理がのった皿がでてくるドイツレストランに飽き飽きした向きには良いと思う。入場券がなくても利用できるので便利だ。
映画博物館
Kinemathek-Museum fuer Film und Fernsehen(Berlin)
ここはいわゆる美術館ではないけど映画好き、特に往年のドイツ映画好きにはたまらない所なので入れておきたい。場所はポツダム広場のソニーセンターの中にある。ソニーセンターの内側から見ると入口が分かりにくいけど、通り側から見ると看板があるので分かりやすい。一階が入口でチケットを買ってエレベーターで三階にあがってそこから観るようになっている。
展示方法が飽きさせないようにとても工夫されている。至る所にスクリーンがあって立ち止まって見ることもできるし、じっくり見ることもできる。引き出しを開けると中にスクリーンが入っていて説明が見られるようになっていたりして驚かされる。戦前のウーファ映画の時代やあのマレーネ・デートリッヒの衣装など往年のドイツ名画の楽しさを堪能することが出来る。
しーっ、お静かに。
(Jan.2016)
gillman*s choice 美術展2015
2015年の美術展
My best5
毎年今年こそはちょっと精力的に美術展を見て歩こうと思うのだけれど、何やかやと他のモノにも気をとられている内に結局は特別に開催される美術展としては月に一度くらいになってしまう。逆に昨年は特別展というよりは美術館を訪れて通常展を観て回ったことが多かったように思う。足立美術館や植田正治写真美術館を始めゴッホ美術館、アムステルダム国立博物館、クレラーミュラー美術館、マウリッツハイス美術館、グルーニング美術館など。
今年も色々な美術館で特別企画の美術展が開催される予定で嬉しい限りだけれど、収益的に困難があるのは理解できるけど出来れば日本では余り馴染みのない作家の回顧展などにもチャレンジしてもらいたいと思っている。その点でいえば最近質の高い巡回展や国内美術館所蔵の名作を融通し合った優れた企画展などが増えつつあるような気もしてその点は心強い。今年はできるだけそういうモノにもアンテナを張って観てゆきたいと思っているのだけれど…。
で、昨年観た美術展覧会の内、心に残ったぼくのBest5を。
没後30年 鴨居玲展 踊り候え
東京ステーションギャラリー
東京ステーションギャラリーは都心に出たついでに気軽に寄れるので前から好きだったけれど、最近は利便性だけでなく展示会の内容自体も充実してきたような気がしている。
「没後30年 鴨居玲展 踊り候え」は昨年見た回顧展の中でも特に気に入ったものの一つだ。美術館側が採算や観客動員数を考えてしまうとどうしても海外有名美術館の展示会に頼ってしまうのは何となく分かるけれども、正直言って最近はちょっと食傷気味のところもある。
そんなこともあって昨年の初めに今年はアーティストの回顧展や日本美術を出来るだけ見たいと思っていたんだけれど、そういう意味でもこの展示会に出会えたのは良かった。これは巡回展だけれども都心で素晴らしい作品が手軽に観られると言うのは何よりもありがたい。
鴨居玲の作品ではやはりスペイン時代の作品が良かった。会場では彼の肉厚の油彩のマチエールの素晴らしさに魅せられたけれども、それ以上に素晴らしかったのは一連のパステル画で中でも大判の作品「踊り候え」の独特の存在感に圧倒された。
他にも回顧展で言えば観客の入りはイマイチだったようだけれど、藝大美術館の「ヘレン・シャルフベック 魂のまなざし」も意欲的な展覧会で見ごたえがあった。全体を通して感じたのは彼女の絵の変容自体が一つの作品ではないかということだ。
琳派Art 光琳と現代美術
MOA美術館
熱海には何度も行っているけど駅の背後の山の上にあるMOA美術館には行ったことがなかった。今回「琳派Art光琳と現代美術」と銘打った展覧会では光琳の「燕子花屏風」と「紅白梅図屏風」が一堂に会して見られるというので行くことにした。
まず美術館に辿り着くまでの巨大なエスカレーターホールに驚ろかされた。展示会場に入ると入口付近に光琳の二大作品が並んでいる光景が目に飛び込んできて一瞬足が止まる。「紅白梅図屏風」はMOA美術館の至宝で、一方の「燕子花図屏風」は根津美術館の至宝であるので今まではこの二作品が一堂に会することはなかったのだけれど、今回二美術館で交互に共同展示することで実現したようだ。
他にもMOA所有の光琳の作品を中心にそればかりではなく加山又造の「群鶴図」やもっとモダンの田中一光のグラフィックアートなどいわゆる琳派的美の世界を満喫できる展示になっていた。ずっと通して見て行くと光琳の美の世界がぼくら日本人の美意識の一つの底流になっているのが実感できる。
よみがえるバロックの画家 グエルチーノ展
国立西洋美術館
グエルチーノはその絵の巧みさの割には日本で余り評価がされていないような気がしていたので今回の西美での展覧会はとても嬉しく感じた。
今回の展覧会のきっかけになったのはグエルチーノの作品の多くを所蔵しているイタリアのチェントの美術館が2012年の大地震で崩壊の危機にあり、作品の避難と復興資金の捻出ということもあってこのグエルチーノ展が企画、実行されたと言うことだ。
このような機会でもない限りチェントを訪れないと目にすることが叶わないような作品群を間近に見ることができたのは不幸な災難が生み出した機会とはいえ望外の歓びだった。多くの作品の中でも特に「聖母子と雀」「聖母と祝福を受ける幼児キリスト」はラファエロの聖母子像とはまた異なった慈愛の優しさに満ちていた。
ユトリロとヴァラドン 母と子の物語
損保ジャパン東郷青児美術館
新宿の損保ジャパンのビル近くにはよく行くのだけれど、高所恐怖症のため高層階にあるこの美術館にはどうしても足が遠のいてしまう。しかし、今回は中々見られないヴァラドンの絵が見られるとあって意を決して観に行った。
結論から言えばとても良かったのだけれども、絵を観ている間もなんとなく足元がムズムズして…。
息子ユトリロの色彩を押さえた静謐な絵とは対照的に母親のヴァラドンの絵は彼女の人生を象徴するように豊富な色彩としっかりとした輪郭を持っている。特に彼女の描いた「モーリス・ユトリロの肖像」や「リュシー・ユトリロ・ヴァロールの肖像」などの肖像画はその人物の内面をも見ぬくような鋭さを持っている。この展覧会も広島や京都などでも開催される巡回展なのだが、こういう好い展覧会をしてくれると怖い思いをしても行ってみたくなる。
川瀬巴水展 郷愁の日本風景
日本橋髙島屋
川瀬巴水の版画は一昨年、大田区立郷土博物館で開かれた回顧展を見て以来すっかり好きになってしまった。何が好いと言って彼の版画が描き出すノスタルジックで清冽な空気感がたまらない。日本橋髙島屋で開かれた展覧会は彼の生涯を通じた数多くの作品を網羅して圧巻だった。川瀬巴水の作品の良いところは、まだ版木が残っているものも多いので後刷りでも良ければ比較的廉価で今でも作品が手に入ることもある。
ぼくも二点だけだけど「清洲橋」と彼の絶筆となった「平泉金色堂」の後刷りを渡邊木版美術画舗で求めたことがある。季節ごとに架け替えるのを楽しみにしている。一昨年、江戸東京博物館で開かれた国際浮世絵学会創立50周年記念/大浮世絵展で時代を追って展示されていた木版画作品群の最後の方に巴水の作品が何点か飾られていたのが妙に誇らしく感じられた。ファンの欲目というものだろうか。
以上の他にも、去年観た美術展の中では東京都庭園美術館がリニューアル記念に行った「アールデコと古典主義 幻想絶佳」は建物と美術品が一体となった素晴らしい展示だったし、国立新美術館の久々の「マグリット展」は懐かしかったし、サントリー美術館の「同い年の天才絵師若冲と蕪村」も独自の視点が素晴らしかった。
(Jan. 2016)
gillman*s choice <museum cafe>
好きな美術館Cafe
Best5
学生の頃から喫茶店が好きで随分お世話になったけれど、最近はチェーン店のコーヒーショップは増えたけれども昔ながらの雰囲気のある喫茶店を見かけなくなってしまったのはちょっと残念な気がする。カフェ文化のメッカのようなウィーンのオペラ座の前にスターバックスがオープンしたのを見て、あぁ時代だなぁ、という感慨に浸ったのを思い出した。
ぼくの頭の中では喫茶店とカフェとコーヒーショップは漠としたカテゴライズだけれども何となくわかれている。喫茶店と言うとコーヒーにこだわるマスターがカウンターの向こうに居たりするけれど、カフェというとちょっと小洒落ていて外にテラスがあったりするイメージだ。なんとも安直な分け方だけれど別に学術的な問題じゃないから良しとしておこう。そのカフェの中でも美術館の中にあるカフェがぼくは好きだ。
美術展で買った図録を美術館のカフェでもう一度ゆっくりと見るのも好きだし、常設展の場合はお気に入りの絵かその日しっかり見ようと決めた絵だけさっと見てあとはカフェでボーっとしているのが一番幸せな時間かも知れない。
頻繁に行けるところではないけれど、今まで行った美術館カフェの中で気に入った店のベスト5を挙げるとしたらこんな風になるかもしれない。
美術史美術館
「カフェ・ゲルストナー」
ウィーンの美術史美術館はぼくの好きな美術館の一つだけれど、ここは建物自体が美術品みたいなもので、上階の中央ホールに設けられたカフェの床は見事な大理石が敷き詰められていてなんともゴージャスな雰囲気。窓から見えるこの美術館と双子の建物、ウィーン自然史博物館の姿も忘れられない。この雰囲気の中でコーヒーを飲めるのは正に至福の時間。このカフェはウィーンの目抜き通りであるケルントナー通りにある店カフェ・ゲルストナーの経営らしい。ぼくは食べなかったけれどきっとケーキも美味しいだろうな。
オーストリア美術館
ベルベデーレ宮殿上宮Cafe
これもウィーンだけれど、こちらは軽い食事もできる。一昨年一人で行ったときには、そのすぐそばのホテルに泊まっていたので図録を見ながら大分長居したのを覚えている。こちらはウイーングランドホテルの経営だということだけども、雰囲気は実にのんびりとしていて居心地がいい。どことなくウィーン郊外にあるレストランのような感じでビールも飲んでしまった。
ポーラ美術館
「カフェ チューン」
![polapix02[1].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/polapix025B15D.jpg)
ポーラ美術館は箱根の景観保持のため表通りから見えないように道から一段低くなった場所に立っている。エスカレーターで降りてゆく時点からちょっと異空間に入るようで嬉しい。ここにはレストランもあるけれどぼくはロビーの続きにあるこのカフェ・チューンが好きだ。突き当りに大きな窓があって遠望する景色は見えないけれど青々とした木々の緑が美しい。一度、霧が出ている時にこのカフェを訪れたことがあったけれど、木々が霧の中にうっすらと浮かんで、まるで巨大な一幅の絵を観ているように美しかった。
国立新美術館
「 カフェ・コキーユ」
国立新美術館は所蔵作品を持たない企画展示用の美術館なので常設展は無いけれども、大きな展示会の狭間に行くと実にゆったりとして好い空間が広がっている。ここにはポールボキューズのレストランや空中階にもカフェがあるけれど、ぼくは広々とした一階フロアーのカフェ・コーナーが好きだ。ここのテーブルでは持参した飲み物でも良いようだし、天気の好い日にはすぐ目の前のテラスに出ることもできる。ここで本を読んでいると雑踏の中の適度な孤独感がとても心地よい。このスペースを上から見下ろすと、巨大な水槽の底に居るようにも見える。
三菱一号館美術館
「Cafe1894」
三菱一号館美術館は都内でも一番新しい美術館の一つかもしれない。昔の赤レンガ造りのままの佇まいは近代的な丸の内にあっても不思議な調和を作り出している。ここの美術館は独自の収蔵品を多数持っているが、年間では企画展示による運営が中心になっているようだ。展示スペースは大きいとは言えないけれど、シャルダン展やクラーク・コレクション展など魅力的な企画展示を行っている。カフェはレンガ造りの雰囲気にぴったりの造りで落ち着いたレトロ調。ただし、レストランも兼ねていて近隣にはオフィスも多いことから、昼食時の前後は避けた方が良いようだ。
他にも、国立西洋美術館（上野）の「カフェすいれん」(上野精養軒運営)、ちょっと都心からは離れるけれど、日動美術館（笠間）の「Cafe de l'aube（カフェ・ド・ローブ）」、さらに足立美術館の「喫茶室 大観」、そしてここは美術館内ではないから番外編になるけれど、大原美術館横のカフェ「エル・グレコ」も好い。
(April 2013)
gillman's choice <brandnew>
My Brandnew
Female Vocal
My Best 5
(part 01)
1950・60年代のジャズボーカルの黄金時代に活躍したキラ星のごとき歌手たちが次第に消えて行って、ステージから見えなくなって久しい。
もちろん彼らが残してくれた素晴らしい音源の恩恵に預かってぼくらは日々その歌声に接することができる良い時代にはなったのだけれど、そればかりでは過ぎ去った後ろばかりを見て暮らしているようで寂しい気がしないでもない。
ぼくのような女性ジャズボーカル・ファンは過去の栄光の時代の記憶が余りにも鮮烈だったためか、今は寂しいなぁと…吐息。と、まぁ嘆いていてばかりでは「昔はよかった」一点張りの因業オヤジみたいないので、往年の名歌手は今後も聴き続けるとして、今どきの歌手についても少しお気に入りを探そうと思った。
そんなこんなで昨年聴いた女性ジャズボーカリストのBrandnew(もちろん、ぼくにとってのブランニューだけど) Best5と彼女たちのアルバムを挙げてみた。
[artist/album]
Diana Krall
![The Look Of Love [Bonus Track].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/The20Look20Of20Love205BBonus20Track5D.jpg)
The Look Of Love [Bonus Track]
ダイアナ・クラルはもう大御所と言っても良い位の貫禄が出てきたなぁ。今どきの歌手なんて言ったら叱られるだろうけど…。
知的な美女で渋い声、最初はジャケ買いだったけれど今は心底曲を楽しんでいる。アルバムは沢山ありすぎて迷ったけれど、自分のiPodの再生頻度を覗いたら、ぼくはこのアルバムを一番頻繁に聴いていたのでこれをチョイス。
彼女のLove Lettersを聴いていると、60過ぎのオヤジでも身の程知らずにもロマンチックな気分になれるから、これはもう魔法としか言いようがない。
ジュリー・ロンドンほど甘すぎないし、でも良き時代の香りも残っている。最後までどっちのアルバムにしようか迷ったもう一つの方のアルバム「Love Scenes」の中のThey Can't Take That Away From Meもまさに大人の味で好きだ。
1. 'S Wonderful
2. *Love Letters
3. I Remember You
4. *Cry Me A River
5. *Besame Mucho
6. The Night We Called It A Day
7. Dancing In The Dark
8. I Get Along Without You Very Well
9. The Look Of Love
10. Maybe You'll Be There
[*…my favorite songs]
Alexis Cole
Someday My Prince Will Come
アレクシス・コールは日本ではそれ程アルバムが出ている方ではないけど、昔のジャズクラブシンガー的雰囲気を持った歌手だ。
年齢的には40歳ちょい前位で、音楽一家に育ち本人も音楽の学位もとっているなど音楽的バックボーンはしっかりしている。ま、それはともかく深い大人の響きがある声がとても好い。
このアルバムは全曲ディズニー作品の関連曲だが、出来は「大人のためのディズニー」と言う感じで、ちょっと気持ちがへこんでいる時なんかに聴くとホッコリする。
あまり馴染みのない曲も入っているけど、どれも名曲と言っていいかもしれない。
特に2番のHome Is Where The Heart Isはメロディーも歌詞も素晴らしくて聴いていると身体の中が暖かくなってくる。彼女は一時期日本に住んでいたという情報もあるけど詳細は分からない。
1. For Now For Always［The Parent Trap/罠にかかったパパとママ］
2. *Home Is Where The Heart Is［Tale Spin/テイルスピン］
3. If I Never Knew You［Pocahontas/ポカホンタス］
4. *La La Ru［Lady and the Tramp/わんわん物語］
5. Let Me Be Good To You ［The Adventures of the Great Mouse Detective/オリビアちゃんの大冒険］
6. Love［Robin Hood/ロビン・フッド］
7. Once Upon A Dream［Sleeping Beauty/眠れる森の美女］
8. Remember When［101 Dalmatians101/匹わんちゃん］
9. So This Is Love［Cinderella/シンデレラ］
10. Someday My Prince Will Come ［Snow White and the Seven Dwarfs/白雪姫］
11. *The Second Star To The Right［Peter Pan/ピーター・パン］
12. *When You Wish Upon A Star［Pinocchio/ピノキオ］
[*…my favorite songs]
■personnel
・Alexis Cole - vocal
・Fred Hersch - piano
・Steve LaSpina - bass
・Matt Wilson - drums
・Gregoire Maret - harmonica
・Don Braden - tenor & soprano saxs and flute
Nicki Parrott
Fly Me To The Moon
ニキ・パロットにはこのアルバムの初っ端に入っている「Bei Mir Bist Du Schoen」一曲で参ってしまった。
ちょっと聴いたところでは往年のブロッサム・ディアリーみたいな甘さがあるけれど、「La Vie en Rose」などでは甘さよりもソフィスティケートされた色合いが濃くディアリーよりもやはりずっとモダンな感じがする。ニキ・パロットもアルバムが多くて迷ってしまうけれど一番聴きやすいという意味ではこのアルバムが楽しめると思う。
もう一枚どうしても触れておきたいアルバムが「Nicki Parrott & Ken Peplowski」でニキ・パロットが歌とウッドベースをケン・ペプロウスキーがテナーサックスとクラリネットを担当している。
ベースの弾き語りというのも珍しいけどニキは本来はベーシストなのだ。そのアルバムに入っているビートルズ・ナンバーの「For No One」や「Here, There, And Everywhere」を聴いていると粋だなぁ、とため息が出てしまう。出身はオーストラリア。
1. *Bei Mir Bist Du Schoen
(蛇足:この曲は秋元順子の「encore ～Jazz Standard～」に入っているものも秀逸だなぁ)
2. I Love The Way You're Breakin' My Heart
3. Do It Again
4. Fly Me To The Moon
5. *La Vie En Rose
6. Waltzing Matilda
7. I Never Had A Chance
8. Evil Gal Blues
9. *For All We Know
10. Charade
11. I Never Dreamed You'd Leave In Summer
12. Them There Eyes
13. Two For The Road
■personnel
Drums-Billy Drummond
Guitar-Mark Sganga
Piano-John DiMartino*
Producer-Tetsuo Hara, Todd Barkan
Saxophone [Baritone], Saxophone [Soprano]- Lisa Parrott ←お姉さんかも
Saxophone [Tenor]-Harry Allen
Vocals, Bass-Nicki Parrott ←ここでもベースをひいている
⇒【Movie】 UTUBE 楽しそうだなぁ
Nikki Parrot-Happy Birthday Les Paul
Cheryle Bentyne
The Lights still burn
シェリル・ベンティーンといえばあのマンハッタン・トランスファーのメンバーとして知られているけど、ソロ活動を始めて久しい。それはマンハッタン・トランスファーの感じからするとスウィンギーな曲が多そうだけれどしっとりとしたバラードだって歌っている。
マンハッタン・トランスファーの時の感じとは全く異なるけどこれも彼女の奥の深さの表れかもしれない。
もちろんアルバム「The Gershwin Songbook」や「The Cole Porter Song Book」を聞けばマンハッタン・トランスファーを支えていた彼女のスウィングは健在なことが分かる。
1. What The World Needs Now
2. Lights Still Burn In Paris
3. *Black Coffee
4. If Ever
5. *Killing Me Softly With His Song
6. Shattered
7. Sophisticated Lady
8. Love's River
9. Little Girl Blue
10. You Taught My Heart To Sing
11. *He Was Too Good To Me
12. Tango Del Fundo
13.* Goodbye
Sophie Milman
![Make Someone Happy [Bonus Tracks].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/Make20Someone20Happy205BBonus20Tracks5D.jpg)
Make Someone Happy[Bonus Track]
My Brandnew Female Vocalで今どきのお気に入りの女性ジャズシンガーを5人挙げると自分で決めてここまで来て、はたと困った。あと一人に絞らなければ。本来ならKeiko Leeなんかは当然入れなければならないのだろうけど、ぼくにとって彼女は余りに親しみすぎて今更ブランニューなんて言えないし…。
Norah Jonesもそうだ。Roberta Gambariniも好いけどもうちょっと、Nikki Yanofskyは強烈に脳裏に残っているけどなにしろアルバムが手元に一枚しかない。
で、浮かんだのがソフィー・ミルマン。ロシア出身で、カナダ在住。前述のクラルもカナダだな。今回の5人の中では多分一番の新人だと思う。タイトルもズバリのデビューアルバム「Sophie Milman」ももちろんよかったけれど、このアルバム「Make Someone Happy」ではその生い立ちを活かしてかインターナショナルな香りを強めている。
13番のEli,Eli等はヘブライ語?だと思うんだけど、ジャズ曲に拘らず胸を打つ曲や旋律を積極的に取り入れて行こうと言う姿勢も見えたりしてこれからがとても楽しみだ。
1. *People Will Say We're in Love/Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II
2. Something in the Air Between Us/Steve McKinnon
3. Rocket Love/Stevie Wonder
4. So Long, You Fool/Paul Shrofel, Sharada Banman
5. Matchmaker, Matchmaker/Jerry Bock, Sheldon Harnick
6. Like Someone in Love/Jimmy Van Heusen, Johnny Burke
7. Make Someone Happy/Jule Styne, Betty Comden, Adolph Green
8. (It's Not Easy) Bein' Green/Joe Raposo
9. Reste (Stay)/Cameron Wallis
10. *Fever/Eddie Cooley, John Davenport
11. Undun/Randy Bachman
12. *It Might as Well Be Spring/Rodgers, Hammerstein
13. *Eli, Eli (A Walk to Caesarea)/Hannah Senesh
14.Stay [English version]
15.Save Your Love for Me
きっとまだまだ素晴らしい女性ジャズシンガーが生まれつつあるような気にもなって来た。往年の名シンガー達もそれを望んでいると思う。誰か良いシンガーがいたらお教え願えれば幸いです。
(Jan 2014)
gillman*s choice 静謐
静謐の画家
My Best 5
絵画に「静謐」という言葉を感じるようになったのはハンマースホイの絵画に触れてからのことだと思う。それまでその単語自体は知っていたけれどその言葉の中身はぼくの中ではきっと空疎なものだったのかもしれない。2008年に上野の国立西洋美術館で「静かなる詩情」と銘打たれたヴィルヘルム・ハンマースホイ展を観たときその画面のあらゆるところに存在していた静謐な光と空気にすっかり魅せられてしまった。彼の絵画に魅せられてから段々と気が付いてきたのは、ぼくが今まで観た絵の中にもそんな空気を持つ絵画が他にもあることだった。
もちろん絵画史の中にはいわば「静謐派」なんていう括りはないけれども、ぼくの心の中では漠としたそんな存在があるような気がする。それに共通するものは何なのかぼくにも良くは分からない。もしかしたらそれは光と題材に集約されるのかもしれないけれど、専門家から見たらそんなものは古来からの絵画に共通することで何の括りにもならないかもしれない。静謐派と言う時、ぼくの頭に浮かんでくるのはこのW・ハンマースホイをはじめとして、E・ホッパー、G・セガンティーニ、A・ワイエスそして5人目はとても悩んだのだけれどもP・ボナールだった。国も異なる彼らに共通しているのはいずれも近代で、かつ印象派の呪詛から解き放されているという点にある。呪詛と言ったけれどぼくは決して印象派が嫌いなわけではない。というより好きなのだけれども、それでも光の理論に拘泥してキラキラと煌めく光を捉えられなければ絵画ではないという思い込みから自由になった絵画の存在もまた忘れてはならないと思う。
そしてもうひとつ彼らに共通しているのは彼らの描いた世界が極めて狭いということだと思う。ハンマースホイはごく一部の例外を除いて主要な題材はコペンハーゲンの彼の自宅ストランゲーゼ30番地の部屋の中と妻のイーダであるし、ワイエスは彼の自宅と別荘の隣近所しか題材にしてはいない。ホッパーも北部アメリカと大都会ニューヨークが、そしてセガンティーニはアルプスの高原だけを題材としていた。ボナールはかれらとは少し違うかもしれないけれど彼の秀作の大半は室内で妻のマルトを描いたものだ。それはマルトが神経衰弱でボナールを自分の元から離したくなかったためにボナールはほとんど自宅に留まって室内のものを描かざるを得なかったともいえる。だが、ボーナールの作品には自宅の庭の作品も多くアンティミストとも言われる所以だ。そんな境遇もあり彼の関心が身の周りの世界に向いていたとも言えるかもしれない。静謐派の絵画に共通するのはその描いている世界は狭いけれどもとても深い、ぼくはそう思っている。
(●…参考にした画集、書籍)
ヴィルヘルム・ハンマースホイ
Vilhelm Hammershøi
室内、ストランゲーゼ30番地
(アロス・オーフース美術館)
ヴィルヘルム・ハンマースホイ Vilhelm Hammershøi(1864-1916)
ハンマースホイの家の中に差し込む光。無表情な妻イーダの背中。それはぼくらが今まで考えていた絵画の画題とは大きくかけ離れていたものだった。誰もいない部屋を描く画家の気持ちなど理解できなかったけれども、彼の絵を観ればぼくは理屈抜きに納得できてしまう。それは絵画的には日常の時の中に投げかけられるその光、文字的には静謐というものを見える形にしようとしたものかもしれない。誰もいない部屋の開け放たれたドアを見るとき、人はちょっと不安になるかもしれないけれど、もしかしたらそれは誰の心の底にも潜んでいる心の原風景かもしれない。
西洋美術館が2010年に少ない収蔵品収集予算の中から彼の作品「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」を購入したことを知った時とてもうれしかった。またハンマースホイ再評価の仕掛け人でもあるフランクフルトのシュテーデル美術館学芸員フェリックス・クレマー氏の講演「ハンマースホイと象徴主義」の講演を2008年に聴くことができたのも望外の喜びだった。今彼のその作品「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」は西洋美術館の一番最後の展示スペースに掲げられている。機会があったら観てほしい。
●「ヴィルヘルム・ハンマースホイ 静かなる詩情」/ハンマースホイ展図録
●「Hammwershoi und Europa」/Prestel (Germany)
エドワード・ホッパー
Edward Hopper
rナイトホークス
(シカゴ美術館)
エドワード・ホッパー Edward Hopper(1882-1967) ニューヨーク近代美術館の第一号収蔵作品はこのホッパーの「線路脇の家」だった。なんの変哲もないようなこの絵を見つめているうちに何故か不思議な感情に捉えられる。あのヒッチコックもこの絵をモチーフに名作「サイコ」を制作した。ホッパーは当時世界の絵画を席巻していた印象派絵画の呪縛からなんとか逃れようとしていたけれど、彼の描く絵は単なる「イラストレーション」という評価の範疇を出なかった。表現という点をみれぱ油彩だろうが水彩だろうがイラストだろうが、その価値に違いはないのだが… ホッパーの描く光と影の世界はどこかハンマースホイの世界と通底しているとぼくは思っている。
彼の描く世界も北部アメリカと大都会ニューヨークという狭い世界だ。胸が苦しくなるような静謐な時間。彼の描く人々はじっと自らの内面を見つめているようだ。この間の東京都美術館の「メトロポリタン美術館展」で彼の作品「トゥーライツの灯台」を観たとき、その空の色、寂寥感に限りない静謐な時間を感じ取った。
●「Hopper」/Taschen
●「エドワード・ポッパー アメリカの肖像」/岩波書店
●「Edward Hopper's New York」/Pomegranate
●「Edward Hopper」/MFA
●「Silent Theater:The Art of Edward Hopper」/Phaidon
ジョヴァンニ・セガンティーニ
Giovanni Segantini
アルプスの真昼
(セガンティーニ美術館)
ジョヴァンニ・セガンティーニ Giovanni Segantini(1858-1899)
絵画や写真で話題にされる表現要素の一つとして「空気感」があると思うけれども、それは西洋絵画でいえば印象派やバルビゾン派など、東洋でも水墨画や日本画の世界でも絵画のその世界観を形作る重要な要素となっていると思う。その中でもセガンティーニの「空気感」は、その清浄さで群を抜いていると思う。それはアルプスの清浄で希薄な空気が醸し出す空気感と言えるかもしれない。逆説的かもしれないけれど空気を描かないことで空気感を出している。
色彩を混ぜないという彼が考え出したデヴィジョニズモ(分割主義)によって実現された濁りのないアルプスの光はスペインのそれのように強烈ではないけれど、何事も包み隠すことなどできない容赦のない清浄さを持っている。その空気は静謐で清いものしか存在を許さないという断固とした力を持っている。セガンティーニはその清浄な空気を通り抜けてきた光に命を懸け、そしてそれに殉じた画家だと思う。2011年損保ジャパン東郷青児美術館でのセガンティーニ展でこの「アルプスの真昼」に出会えてよかった。
この間昔の日記を読んでいたら、1970年7月14日にスイス・マローヤにあるセガンティーニのお墓のすぐそばのホテルに泊まって、その時彼の墓参りをしていた。すっかりそのことは忘れていたけど…。ただマローヤは今まで訪れた地の何処よりも美しかったのは覚えている。
●「アルプスの画家 セガンティーニ ～光と山～」/セガンンティーニ展図録
アンドリュー・ワイエス
Andrew Wyeth
海からの風
(ミード・アート美術館)
アンドリュー・ワイエス Andrew Wyeth(1917-2009) 「静謐派?」の中でも彼の世界は最も狭いものかもしれない。彼が描いたのは自分の家と別荘のその近隣の、それも特定の場所の情景や人物だけなのだ。父が画家だった彼は技術的には申し分が無かったが、その選んだ題材は全くの身の周りだけの世界だった。ぼくはワイエスの絵を観るとき世界を広くあまねく見るだけが人生の実相を見極める手立てだとは思わなくなった。狭くてもいい、静かに深く見ることが何かにたどり着くもう一つのやり方なのだと暗示的に了解した。
ワイエスは「平凡なことが好い。だが、それを見つけるのは容易なことではない。平凡なものに信頼を置き、それを愛したら、その平凡なものが普遍性を持ってくる」とも言っている。
考えて見ればあのカントも故郷のケーニッヒスベルクから殆ど出たことはないし、病弱な「宝島」のスティーヴンソンだって世界を駆け回ったわけではない。フェルメールだってデルフトを出たことはほとんどないのだ。もしかしたら今を深く見つめることで思考と想像力に翼がはえるのかもしれない。ワイエスの描く時の静けさはぼくにいつまでもキョロキョロするなと語りかけている。
●「Andrew Wyeth ワイエス」/講談社
●「Andrew Wyeth Autobiography」/Bulfinch Press
●「アンドリュー・ワイエス オルソン・ハウス～水彩・素描～」/丸沼芸術の森
●「アンドリュー・ワイエス 創造への道程」/Bunkamura Museum
●「Andrew Wyethy」/Pomergranate
●「Andrew Wyeth Looking out, looking in」/D.A.P.
●「Andrew Wyeth A Spoken Self-Portrait」/D.A.P.
ピエール・ボナール
Pierre Bonnard
浴槽、ブルーのハーモニー
(ポーラ美術館)
Pierre Bonnard(1867-1947) ボナールはちょっと違うなぁ、と思った。彼の作品はまだ色濃く印象派の光の理論を引きずっているみたいだし、静謐という感じは余りしなかった。しかし、ブリヂストン美術館や箱根のポーラ美術館で彼の作品を見るうちに、どこかぼくの頭の中の静謐派に通ずる側面が見えてきた。彼の作品の多くは確かにドニのように装飾的なナビ派独特の印象もあるけれども、妻になるマルトに出会ってからの作品を見るととても狭い空間の中で展開される日常の光景が彼の題材になっていった感じがする。それがボナールにとって良いことだったのかどうかはぼくにはよく分からないけれど、確かに彼の目線は深くなっている。
ボナールの中でとても重要な位置を占めていた日本芸術が彼を囲んでいる狭いけれども静謐な世界にも目をむかせて彼の中で独特の静かな絵画世界を作り出したのかも知れないとぼくは思っている。
●「Garden and Interior Visions of intimate by Bonnard and Matise」/POLA美術館展図録
●「印象派の行方」/Pola美術館展図録
●「ポーラ美術館名作選」/Pola美術館図録
●「読むブリヂストン美術館」/ブリヂストン美術館図録
●「ゴンブリッジ 美術の物語」/PHAIDON
結局、つまるところ静謐とは、流れ過ぎてゆく時、すなわち光への慈しみのようなものかもしれない。
その慈しみは人生の特別な時間よりも身の周りにあふれている何の変哲もない日常の時間の中でより強く感じられる、というのがぼくの実感だ。
そんな静謐な時を写真にできたらいいのだが…
～西洋絵画編～
(Jan 2013/July 2015 revised)
gillman*s choice Cat Movie
猫が名脇役の映画
My Best5
「子猫物語」のように猫が主人公になっている動物映画もあるけれど、それ以外にも普通のドラマや映画にも猫はよく登場する。
犬や猫は人間と一緒に暮らしているので、ドラマで生活のシーンを描こうとすればその視界に入ってくることが多いのだと思う。
中には単なるシーンの一部としてでなく、ドラマの進展を担う重要な役目を負っている場合もある。言わば、名脇役としての猫の登場だ。
そんな名脇役の猫の登場する好きな映画を挙げてみた。
①ハリーとトント
Harry and Tonto(1974)
ハリーはニューヨークの下町に住む老人。いつも茶トラの猫トントにリードをつけて一緒に買い物や散歩に行っている。ハリーの子供たちは皆独立して、今は住み慣れたアパートに一人で暮らしている。
ところが、そのアパートが取り壊されることになり立ち退かなければならない。散々抵抗したが、とうとう止む無く長男一家の処に引っ越すことになった。
暫く一緒に暮らすが長男の嫁となかなかうまく行かずに、街にアパートを探すが猫がいるのでそれも断られてしまう。嫁は他にも子供がいるのだから、そちらに…、と言う。
長男はハリーにずっと居て欲しいのだが…。意を決してハリーはシカゴに居る娘の処に行くことにする。
飛行機でシカゴ行こうとするが、空港で籠を開けて猫を調べると言う検査官と口論になり検査を拒否して結局長距離バスでシカゴまで行くことにするが…そのバスでも…老人と猫のロードムービーが始まる。
優しくて頑固な老人を演じるアート・カーニーが実に好いし、猫も演技っぽくなくて、とても自然で好い。猫好きでなくても心に沁みる一編だ。この作品でアート・カーニーは第47回アカデミー主演男優賞をとっている。
②ロンググッドバイ
The Long Goodbye(1973)
チャンドラー原作の私立探偵小説フィリップ・マーロウもの「長いお別れ」の映画化だが、マーロウ役のエリオット・グールドはその昔映画化された「大いなる眠り」の時のロバート・ミッチャムとは同じ私立探偵でもずいぶん雰囲気が違う。
ミッチャムがいかにもハードボイルド風なのに対してグールドはちょっと冴えない私立探偵の感じ。大泉洋の「探偵はバーに居る」なんかはこっちの線を狙ったものだと思う。
この映画のタイトル画面が始まる前のイントロがとても粋だ。
夜中にマーロウは自分の飼い猫にお腹が空いたと起こされる。
キッチンにあったそこら辺の缶詰を手当たり次第に混ぜ合わせて即席のキャットフードを作るが、そんなもの食えないと猫に拒否されてしまう。
マーロウは渋々キャットフードを買いに夜の街に出て行く。
茶トラの猫の演技がグールドに負けず渋い演技だ。
劇中に出てくる金持ちの飼っているいかつい犬ドーベルマンとマーロウの猫との対比がその飼い主の性格をも象徴しているようで面白い。
③第三の男
The Third Man(1949)
言わずと知れたキャロル・リード監督の名作中の名作だけど、この映画の中に猫の登場するシーンはそれ程多くない。
しかし、少ないながらも猫は最もドラマチックなシーンにキーファクターとして登場する。
深夜、ウィーンの街角の石畳を一匹の猫が歩いてゆく。
オーソン・ウェルズ扮する悪党のハリー・ライムが飼っていた猫だ。ペニシリンの闇取引をしていたハリーはトラブルに巻き込まれて撃たれて死んでしまった。
猫が通りをわたって建物の窪みの暗がりに入ってゆくと、そこに男が立っている。男の顔は暗がりの中に隠れて見えないが、猫がその男の足元にじゃれつく。
しばらくして通りの向こうの部屋の灯りがついた瞬間、その暗がりだった一画が明るく照らし出された。そこには死んだはずのハリー・ライムが立っていた。
ここから物語は後半のクライマックスへとつき進んでゆく大事なシーンだ。
④まあだだよ
MADADAYO(1993)
黒澤明の遺作となった作品だ。小説家の内田百閒の戦前戦後の生活における教え子たちとの交流を描いている。
この映画のシナリオの軸となるエピソードの一つは、百閒が可愛がっていた猫の「ノラ」の失踪を書いた小説「ノラや」が土台になっている。
実際に百閒はノラが居なくなって傍目で見ていても可愛そうになるくらい落胆し、新聞広告を始めあらゆる手を尽くしたが見つからなかった。小説家仲間はなんとか百閒を慰めようとして彼を温泉に連れて行った位だ。
黒澤明の映画は「デルスウザーラ」辺りから変わってきたような気がする。「八月の狂詩曲」(1991)あたりになると、台詞や展開がとても説明的でちょっと違うなぁという印象を持った。
この「まあだだよ」は興業的にも不振で評判は必ずしも芳しくなかったけれど、ぼくは松村達雄を始め役者陣の演技も飄々として黒澤明が最後に行きついた心境が見て取れるようで嫌いではない。
⑤ネコのミヌース
Minoes(2001)
これは日本公開では珍しいオランダ映画。他の映画では猫はプロットの上で重要となる名脇役なのだけれど、ここでは猫が主役だ。
と言っても主人公はひょんなことから人間の若い女性に変身してしまった猫のミヌースが主役。
人間になったミヌースが猫達と会話をしたり、人間の男性と恋をしたり、ステレオタイプの展開で、他愛が無いと言えば他愛のない映画なのだけれど、ミヌースを演じている女優のカリス・ファン・ハウテンのチャーミングさがたまらない。
猫みたいな仕草で食事をする様子や、ブラブラと揺れるキーホルダーに思わずじゃれついてしまう仕草など、この猫娘を見るだけでも楽しいと思う。それにミヌースと会話する猫達のなんと賢そうに見えることか。
[…and others]
・アニタと子猫と…本当は上のBest5に入れたい作品。ぼくの大好きな女優ゴールディー・ホーンの映画だけど、DVDが出ていないので残念ながら今回再度観ることが出来なかった。相手役はジャン・カルロ・ジャンニーニ、音楽はエンリオ・モリコーネとくればハズレは無い。また見られないのがなんとも残念。猫もホーンも可愛いなぁ。
・007は二度死ぬ…シリーズを通してMの膝に乗っているペルシャ猫が出ている。ウチのチンチラのレオはあんな風に膝に乗ったりはしない。
・アメリ…全編通して画面のアメリ色が素敵。所々でるけど猫はチョイ役かな。
(Feb.2015)
gillman*s choice <photo>
My Best 5+One
ぼくは写真集を見るのが好きだ。どちらかというと撮るよりも見る方が好きかも知れない。いろいろな写真を見ていると、何か自分の目がいろいろなフィルターを持っていたことに気がつく。
あるはずのものが見えていなかったり、見ていたものが実はまったく別のものであったり。ここにあげた他にも良い写真集は沢山あると思うが、これらの写真集は事あるごとに見ている。
PHOTO:BOX (青幻社)
時々写真て何だろうと思うことがある。そんな時はこの写真集を見る。難しい写真史の本を読むよりもずっと勇気づけられる。この本には1826年から2008年までの写真家の作品が12のテーマに分類されて載っている。それを見ると写真というものの多様性に目を見張る。かなり分厚い本だけどぼくは見ていて飽きることがない。
植田正治写真集 吹き抜ける風 (求龍堂)
この写真集は写真美術館で行われた彼の写真展の会場で求めた。植田の写真は独特な雰囲気を持っている。敢えて言えばルネ・マグリットの絵画のような超現実的な作品が多く、好き嫌いのあるところかもしれないが、ぼくはその静謐な画面が気に入っている。別の写真集「写真とぼく」もいい。
Sebastiao Salgado AFRICA (朝日新聞社)
サルガドが撮ったアフリカは、どんな悲惨な光景でも美しさを持っている。モノクロの画面の向こうに広がるのは惨劇を包み愛しむような光だ。ルワンダ内戦の局面でさえそうなのだ。ぼくはその美しすぎることが気になっていたが、サルガドはこう語っていた。「光はフランスや日本などの豊かな国にのみあるのではない、美しい光はあらゆるところに与えられている。…美しさは写真家が作り出すものではない、そこにあっただけなのだ…」ぼくもいつもその光を探している。
The Nature of Photographs (PHAIDEN)
これは写真集というよりも写真の教科書みたないものだ。著名な写真家スティーブン・ショアーが大学で教えたものがベースになっている。この本では写真というものを①肉体的レベル、②表現レベル、③精神的レベル、④メンタル・モデリングでとらえて作品を提示しながら解き明かしてゆく。写真の見方のガイドとしてもいいかもしれない。最近日本語版が出たようだ。
GR SNAPS (CMS)
これはぼくも好きで使っているリコーのGR/GXで撮った写真の写真集だが、写真家に限らず100人のアーチストが撮った写真を載せている。スナップ写真はぼくも好きでよく撮るが結構難しい。それは撮る人の目線と距離感が如実に現れるからということもある。ぼくがGRDが好きなのは単焦点レンズで、写す側が動いて被写体との距離感をとっていくということにある。この写真集では色々な距離感が愉しめると思う。
+One
心象の京都
The Heart of Kyoto
水野克比古
これはつい最近やっと手に入れた写真集なので追加しておきたい。書店の店頭で目にしてから何度も売り場の前を行きつ戻りつしてひと月あまり迷った挙句に買った一冊。写真集は大体高いけれど、これはその中でも6000円と正に清水の舞台から飛び降りる気持ちでないとぼくには買えなかったのだ。でも、買ってよかった。大判のその本の中にはため息の出るほど美しい姿の京都が定着されている。妖しげな空気の「春の夜 法観寺八坂塔」、うっとりとするような「花冷え 平野神社 大内山桜」そして圧巻の「月明かり 金戒光明寺」。
どれ一枚をとってもその美しさにため息の出ない写真はない。心を込めて写真を撮るとはこういうことなのだよ、と静かに語りかけてくる。水野氏が大判カメラを中心に40年かけて撮り続けた京都の艶姿。しばらくは恥ずかしくて自分で写真を撮ることが嫌になるような本だ。そういう意味では禁断の写真集とも言えるかもしれない。
(Jan 2013)
My favourite
写真集
ぼくは写真集を見るのが好きだ。どちらかというと撮るよりも見る方が好きかも知れない。いろいろな写真を見ていると、何か自分の目がいろいろなフィルターを持っていたことに気がつく。
あるはずのものが見えていなかったり、見ていたものが実はまったく別のものであったり。ここにあげた他にも良い写真集は沢山あると思うが、これらの写真集は事あるごとに見ている。
PHOTO:BOX (青幻社)
時々写真て何だろうと思うことがある。そんな時はこの写真集を見る。難しい写真史の本を読むよりもずっと勇気づけられる。この本には1826年から2008年までの写真家の作品が12のテーマに分類されて載っている。それを見ると写真というものの多様性に目を見張る。かなり分厚い本だけどぼくは見ていて飽きることがない。
植田正治写真集 吹き抜ける風 (求龍堂)
この写真集は写真美術館で行われた彼の写真展の会場で求めた。植田の写真は独特な雰囲気を持っている。敢えて言えばルネ・マグリットの絵画のような超現実的な作品が多く、好き嫌いのあるところかもしれないが、ぼくはその静謐な画面が気に入っている。別の写真集「写真とぼく」もいい。
Sebastiao Salgado AFRICA (朝日新聞社)
サルガドが撮ったアフリカは、どんな悲惨な光景でも美しさを持っている。モノクロの画面の向こうに広がるのは惨劇を包み愛しむような光だ。ルワンダ内戦の局面でさえそうなのだ。ぼくはその美しすぎることが気になっていたが、サルガドはこう語っていた。「光はフランスや日本などの豊かな国にのみあるのではない、美しい光はあらゆるところに与えられている。…美しさは写真家が作り出すものではない、そこにあっただけなのだ…」ぼくもいつもその光を探している。
The Nature of Photographs (PHAIDEN)
これは写真集というよりも写真の教科書みたないものだ。著名な写真家スティーブン・ショアーが大学で教えたものがベースになっている。この本では写真というものを①肉体的レベル、②表現レベル、③精神的レベル、④メンタル・モデリングでとらえて作品を提示しながら解き明かしてゆく。写真の見方のガイドとしてもいいかもしれない。最近日本語版が出たようだ。
GR SNAPS (CMS)
これはぼくも好きで使っているリコーのGR/GXで撮った写真の写真集だが、写真家に限らず100人のアーチストが撮った写真を載せている。スナップ写真はぼくも好きでよく撮るが結構難しい。それは撮る人の目線と距離感が如実に現れるからということもある。ぼくがGRDが好きなのは単焦点レンズで、写す側が動いて被写体との距離感をとっていくということにある。この写真集では色々な距離感が愉しめると思う。
+One
心象の京都
The Heart of Kyoto
水野克比古
これはつい最近やっと手に入れた写真集なので追加しておきたい。書店の店頭で目にしてから何度も売り場の前を行きつ戻りつしてひと月あまり迷った挙句に買った一冊。写真集は大体高いけれど、これはその中でも6000円と正に清水の舞台から飛び降りる気持ちでないとぼくには買えなかったのだ。でも、買ってよかった。大判のその本の中にはため息の出るほど美しい姿の京都が定着されている。妖しげな空気の「春の夜 法観寺八坂塔」、うっとりとするような「花冷え 平野神社 大内山桜」そして圧巻の「月明かり 金戒光明寺」。
どれ一枚をとってもその美しさにため息の出ない写真はない。心を込めて写真を撮るとはこういうことなのだよ、と静かに語りかけてくる。水野氏が大判カメラを中心に40年かけて撮り続けた京都の艶姿。しばらくは恥ずかしくて自分で写真を撮ることが嫌になるような本だ。そういう意味では禁断の写真集とも言えるかもしれない。
(Jan 2013)
(Jan. 2011)
gillman*s choice 2014展覧会
昨年見た美術展(2014)
My Best 5
前にも書いたけど、東京のような国際的大都市に住むメリットの一つに毎年世界中から訪れる美の至宝といわれるような作品にお目にかかれるということがある。都会という何かと気忙しい処に住む悩ましさはあるけど、たまには気を落ち着かせる美しいものに出会う機会も貴重だと思う。(ただし、観客が多すぎてかえってイライラすることもあるけど…)
昨年の特長として日本・スイス友好150周年とあってスイス関連の作家の回顧展が続いたことがある。世界有数の美術館の収蔵品を中心とした〇〇美術館展というのももちろん素晴らしいのだけれども、特定の作家の作品を集めて行われる回顧展はその作家について深く知るまたとないチャンスだと思う。
美術館は旅行などでゆく機会もあるかもしれないけれど、特定の作家の系統立った作品群を個人的に見ようとしたら世界中を駆け回らなければならない。最近の傾向として嬉しいのはその作家の日本初の回顧展というケースが結構あることだ。今年も優れた回顧展に出会えると嬉しいなぁ。
デュフィ展
Retrospective Raoul Dufy
Bunkamura Museum
July 2014
デュフィは、ぼくが高校に入った頃彼の小さな画集を買って以来、その鮮烈な色と独特の画風に魅せられていた。とは言っても日本ではごく一部の作品を除いて彼の絵は中々見ることができないので画集で見るしかなかった。パリのオルセーは何度か行ったけど、デュフィの絵はポンピドゥー・センターにあったので中々足が向かなかった。
今回の回顧展はデュフィの作品を4つの時代に分けて全体的俯瞰が得られるので彼のスタイルの変遷や版画やテキスタイル等作品の広がりがとても分かりやすかった。
川瀬巴水展
Kawase Hasui
大田区立郷土博物館
Feb.2014
巴水の版画は以前江戸東京博物館などで数点は見たことがあるし、ぼくも渡邊木版美術画舗の後刷りを一点だけ持っているけど、巴水の作品をこんなに一堂に並べて見たことは無かった。大田区立郷土博物館は初めて行ったのでちょっと面食らったけど展示されている作品群は壮観だった。
巴水の計算しつくされた画面構成は見ているだけでその時代その場所にタイムスリップしたような気持になる。
今月の1月2日から日本橋髙島屋で川瀬巴水展が開かれたので行ってみた。とても充実していた。数年前から千葉や京都等で行われていた移動展の最後でこれから当分はこれほどの作品が一堂に展示されることは無いかもしれない。
ヴァロットン展
冷たい炎の画家
Felix VALLOTTON le feu sous la glace
三菱一号館美術館
JUly 2014
昨年は日本・スイス国交樹立150周年とかで、美術界においてもスイス関連の展示が多かった。このヴァロットンを始めホドラーやバルテュスの回顧展そしてチューリッヒ美術館展と目白押しだった。
これらの回顧展はどれも充実したものだったけれど、ぼくは特にこのヴァロットン展が良かった。もちろん念願の「ボール」が見られたこともあるけど、自分の頭の中で今まで勝手に関連付けていたヴァロットン、ホイッスラー、ハンマースホイ、ホッパーという繋がりを目で確認することができたのが何より嬉しかった。
テート美術館の至宝
ラファエル前派展
英国ヴィクトリア朝絵画の夢
Pre-Raphaelites:Victorian Avant-Garde
森アーツセンターギャラリー
Feb.2014
ラファエル前派の絵ではミレイの「オフィーリア」を40数年ぶりに見ることが出来たのが嬉しかった。その昔テートで見たオフィーリアの姿が脳裏に焼き付いて離れなかった。しばらくぶりに見たその絵は思っていたよりも小ぶりで、永い間に自分の頭の中でイメージが変質していたのが分かる。
一方、ロセッティの絵は、これほどまとまって見たことが無いので壮観だった。しかし逆にラファエル前派の絵をずっと見せられると満足というよりはちょっと疲れる感じがするのはぼくだけだろうか。
国際浮世絵学会創立50周年記念
大浮世絵展
Ukiyoe:A Journey Through the Floating World
江戸東京博物館
Feb.2014
昨年は、戦後まもなく行方不明になっていた歌麿の幻の浮世絵「深川の雪」が発見され公開されたが、江戸東京博物館で開催された「大浮世絵展」もエポックメーキングな出来事だったと思う。これほどいろいろな作家の浮世絵を一度に見たことは無いけれど、そうしてみると歌麿や北斎、広重や国芳など名の通った浮世絵師の作品が群を抜いていかに素晴らしいかが伝わってくる。
また、今まで見ることが出来なかった家の近所にある西新井大師(総持寺)が所有する葛飾北斎肉筆の「弘法大師修法図」の実物が見られたのも良かった。
<その他昨年見た主な展覧会>
・ミヒャエル・ボルマンス「ジ・アドバンテージ」/原美術館…写真との共通点が多いかもしれない。「Divided」の背中はまさにハンマースホイだった。
・バルテュス展/東京都美術館…バルテュス夫人のリキが感じられる大規模回顧展。やっぱり「夢見るテレーズ」に尽きる。
・写真のエステ/東京都写真美術館…「写真の美しさはどこにある？」の問いかけは素敵だった。
・オルセー美術館展 印象派の誕生/国立新美術館…とても充実した展示でオルセーという名前だけで呼んではいないと思う。今回は特にホイッスラーの「灰色と黒のアレンジメント第一番」を見られたのは良かった。
・フィオナ・タン 眼差しの詩学/東京都写真美術館…同時上映された彼女の映画「興味深い時代を生きますように」は今でも心に残っている。
・フェルディナント・ホドラー展/国立西洋美術館…背景に注目していたらホドラーとクリムトの類似点に気付いた。
・チューリヒ美術館展/国立新美術館…ホドラーとムンクが良かった。今年はスイスの美術についていろいろなことを知ることが出来た年だった。
・ウフィッツィ美術館展/東京都美術館…フィレンツェでは駆け足だったけど、ここではヴァザーリの作品もゆっくり観られた。
・ボストン美術館 ミレー展/三菱一号館美術館…同時に展示されていたコローの作品が光っていた。
・バーニー・フュークス絵画展/Bunkamuraギャラリー…展示即売だけど、展示は充実していたと思う。
・ホイッスラー展/横浜美術館…良くも悪くも独自の世界だ。後世に繋がる色々なファクターが含まれていると思う。
2013年のBest5
①カイユボット展 都市の印象派/Gustave Caillebotte:Impressionist in Modern Paris/ブリヂストン美術館
②アントニオ・ロペス 現代スペイン・リアリズムの巨匠/Antonio Lopez/Bunkamura Museum
③Andreas Gursky展/Andreas Gursky/国立新美術館
④ラファエロ展/Raffaello/国立西洋美術館
⑤ジョセフ・クーデルカ展/Josef Koudelka/国立近代美術館
(dec.2014)
gillman*s choice <german beer>
German Beer
正直言って日本のビールは美味しい方だと思っている。でも、残念なことに日本のメジャーなビール会社は発展の方向性を間違ってしまっていると思う。それはもちろん日本の酒税法のせいなのだけれど、それが日本のビールを「とりあえずビール」の世界に閉じ込めてしまっていると思う。
第二のビールだの、さらには第三のビールだの、糖質抜きだの、プリン体抜きだの…、何もドイツのビール純粋令を待ち出す気もないが、それはもはやビールではないだろう。(確かにビールとは呼ばず発泡酒と呼んでいるけどそれは消費者のためでなく、税金のためだ。売り方はビールとなんら変わりはない)
日本のビールとビール好きのテイストをダメにしている原因は、この歪曲された方向性と冷えすぎで出されるビールの2点だと思う。もちろん、好きで飲んでいるのに大きなお世話なのだけれど…。ぼくが思うに、本当のビールは「とりあえず」でもないし「喉越し」でもないし「一気に」でもない。他の伝統的な酒のように、ゆっくりと味わって飲める酒なのだと思っている。日本でも最近そのことに気づき始めた人が出てきたのは嬉しいことだ。
今回のドイツ旅行では特にWeizen(ヴァイツェン)という小麦の入ったビールをよく飲んだ。ヴァイツェンはWeißbier(白ビール)とかHefe(酵母)とか言われることもあるけど、いずれも上面発酵のフルーティーな香りと旨味が特長だ。最近は日本でも各地で作られるようになったのが嬉しい。ぼくもよく行く両国のポパイではかなりの種類を飲むことができる。
能書きはこれくらいにして今回飲んだビールをご紹介しようと思うけど、ビールを飲み始めてしまうと、つい写真を撮るのを忘れてしまうので、実際にはここに挙げたよりもっと多くの種類を飲んでいると思う。反省。
*data…ビール名/飲んだ街/ビールの種類/飲んだ店・ホテル
Franziskaner Hefe Weißbier
ﾌﾗﾝﾂｨｽｶｰﾅｰ･ﾍｰﾌｪ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
以前ミュンヘンの店で飲んで以来ぼくの中ではヘーフェの標準的なビールになっている。しっかりと酵母の感じが残っているし、嗅覚が少ししか残っていないぼくにでもフルーティーな感触は伝わってくる。泡がドイツのビールらしくしっかりしているのも好い。ヴァイツェンはピルスナーよりもちょっと高めの温度で呑むのが好きだ。
*Franziskaner Hefe Weißbier/Frankfurt a.M/weizen/IBIS City Messe Hotel
*Franziskaner Hefe Weißbier/Leibzig/weizen/NH Messe Hotel
Weihenstephan
ｳﾞｧｲｴﾝｼｭﾃﾌｧﾝ
今回初めて飲んだけど写真で見てもわかるようにとても泡立ちが良く、しかも泡がしっかりしていてる。バイエルン州のフライジングのビール会社だがグラスには創立1040年、世界最古の醸造所と書いてある。コクもあり飲みごたえがあるビールだ。
*Weihenstephan/Berlin/weizen
/Mommsenek
Erdinger Weißbier
ｴﾙﾃﾞｨﾝｶﾞｰ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
エルディンガーは大手ではぼくが昔一番飲んだ銘柄かもしれない。ここは白ビール専門のビール会社なのでリキが入っているし事実トップシェアーを持っていると思う。万人に飲みやすいように強すぎるフレーバーや酵母のコクは抑え気味にしているのかも知れない。ドイツで最後にフランクフルトの空港のバーで飲んだのもこのビールだった。
*Erdinger Weißbier/Frankfurt a.M/weizen/
Airport restaurant
Gose Gold
ｺﾞｰｾﾞ･ｺﾞﾙﾄ
ゴスラーの町は今回初めて訪れたけれども、こじんまりとして中世の空気が詰められた缶詰みたいな町だ。この町はまた独特のビールGose(ゴーゼ)でも知られている。Goseというとライプチッヒが知られているが、もともとGoslerを流れるゴーゼ川の水で造ったのが名前の由来なのでこっちが本家らしい。
ドイツでは中世以来ビール純粋令(Reinheitsgebot)という掟があってビールとは水・麦・ホップ・酵母だけでできているものを言うようになっている。ところがGoseは塩・コリアンダーを成分に含むためビールとは言えなかったのだけれど、EUの時代になって純粋令が廃止になったので今は大っぴらにビールと言えるようになったらしい。
逆にGoseはいわばUrbier、即ちビールの先祖みたいなものかもしれない。味は上面発酵だから他の白ビールにも似ているが、もうちょっと味が濃い感じがする。
*Gose Gold/Gosler/Gose/
Die Butterhanne
Paulaner Hefe-Weißbier
ﾊﾟｳﾗｰﾅｰ･ﾍｰﾌｪ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
この銘柄もドイツ各地でその看板をよく見かける。泡も良いしErdinger同様、メジャーな白ビールなので香りや酵母感もバランスよく作られていると思う。とにかく飲みやすい。今回の旅行では複数回飲んだと思うけれど、写真に写っていたのはリューベックのこの写真だけだった。
*Paulaner Hefe-Weißbier/Lübeck/weizen/
Yacht Zimmer
Schöfferhofer Weizen
ｼｪｯﾌｧｰﾎｰﾌｧｰ･ｳﾞｧｲﾂｪﾝ
これも今回初めて飲んだビールだが、飲み口は比較的軽い感じがした。鼻がだめなぼくにはわかりにくかったけど、その時一緒に飲んだ友人によると香りは結構強いようだ。マインツのビールで、名前のシェッファーというのは印刷術のグーテンベルクの弟子の名前にちなんでいるそうだけど、そういえばグーテンベルクはマインツの人だった。
*Schöfferhofer Weizen/Potsdam/weizen/
Hotel Am Luisenplatz
Bitburger
ﾋﾞｯﾄﾌﾞﾙｶﾞｰ
ドイツに入って最初に飲んだビールだ。ホテルについて部屋に荷物を置いたらすぐさまホテルのバーコーナーに行って、やっぱり最初のビールはピルスナータイプで。Bitburgerはピルスナータイプのビールの老舗だ。比較的日本のビールに似ているかもしれない。この後続けてFranziskanerのヘーフェを飲んだ。
*Bitburger/Frankfurt a.M/pilsner/
IBIS City Messe Hotel
Hessisches Löwenbier
ﾍｼｯｼｪｽ･ﾚｰﾍﾞﾝﾋﾞｰｱ
ゴスラーに向かうアウトバーンのレストランで飲んだビールだが、これも初めて。ヘッセン州のビールなのでその土地の会社のビールだと思う。飲み口はすっきりしていてランチに合いそうだが、その時は目的地に行く途中だったのでビールだけにした。
*Hessisches Löwenbier/Gosler/pilsner/
Autobahn Shop
Radeberger Pilsner
ﾗｰﾃﾞﾍﾞﾙｶﾞｰ･ﾋﾟﾙｽﾅｰ
ドレスデン近郊のラーテベルグで作られている歴史のあるビール。趣のあるグラスに入って泡も良いしホップ感もあってよかったのだけれど、ウェイターの対応が最低だった。ライプチッヒの名門酒場「Auerbachs Keller」で飲んだのだけれど、時間がないからビールだけと言った途端、ウェイターは手からメニューをひったくるようにして持って行った。美味いはずのビールが不味くなった。
*Radeberger Pilsner/Leipzig/pilsner/
Auerbachs Keller
Wernesgrüner
ｳﾞｪﾙﾈｽｸﾞﾘｭｰﾅｰ
これも初めて飲むビールだが、先ほどのBitburgerの系列の会社らしい。ザクセン州の歴史ある会社だけれどオーナーはめまぐるしく変わったみたいだ。すっきりしたピルスナー。
*Wernesgrüner/Leipzig/pilsner/
Thüringerhof zu Leipzig
Krusovice
ｸﾙｼｮｳﾞｨﾂｪ
今回飲んだビールの中で唯一のチェコビール。少し苦味のある黒ビールでドイツでは結構飲まれているチェコのビールのようだ。ドレスデンの美術館アルテ・マイスターを見たあと一休みということでカフェに入ったが、メニューを見てついコーヒーでなくコーヒー色のビールを頼んでしまった。
*Krusovice/Dresden/dunkel/
Cafe Schinkelwache
<おまけ>
Riesling Weisswein
番外でワインを一つ。ワインもマイセンワインなど何度か飲んだけれど、これが一番おいしかった。ブレーメンの市庁舎のワインショップでリースリングの白ワインを一本買って、そのまま地下の市庁舎地下酒場に…。雰囲気も良かったし、ここで飲んだリースリングの白ワインは格別だった。
*Riesling Weisswein/Bremen/wein/
Rathauskeller
(Nov. 2014)
ドイツ・ビール旅行
正直言って日本のビールは美味しい方だと思っている。でも、残念なことに日本のメジャーなビール会社は発展の方向性を間違ってしまっていると思う。それはもちろん日本の酒税法のせいなのだけれど、それが日本のビールを「とりあえずビール」の世界に閉じ込めてしまっていると思う。
第二のビールだの、さらには第三のビールだの、糖質抜きだの、プリン体抜きだの…、何もドイツのビール純粋令を待ち出す気もないが、それはもはやビールではないだろう。(確かにビールとは呼ばず発泡酒と呼んでいるけどそれは消費者のためでなく、税金のためだ。売り方はビールとなんら変わりはない)
日本のビールとビール好きのテイストをダメにしている原因は、この歪曲された方向性と冷えすぎで出されるビールの2点だと思う。もちろん、好きで飲んでいるのに大きなお世話なのだけれど…。ぼくが思うに、本当のビールは「とりあえず」でもないし「喉越し」でもないし「一気に」でもない。他の伝統的な酒のように、ゆっくりと味わって飲める酒なのだと思っている。日本でも最近そのことに気づき始めた人が出てきたのは嬉しいことだ。
今回のドイツ旅行では特にWeizen(ヴァイツェン)という小麦の入ったビールをよく飲んだ。ヴァイツェンはWeißbier(白ビール)とかHefe(酵母)とか言われることもあるけど、いずれも上面発酵のフルーティーな香りと旨味が特長だ。最近は日本でも各地で作られるようになったのが嬉しい。ぼくもよく行く両国のポパイではかなりの種類を飲むことができる。
能書きはこれくらいにして今回飲んだビールをご紹介しようと思うけど、ビールを飲み始めてしまうと、つい写真を撮るのを忘れてしまうので、実際にはここに挙げたよりもっと多くの種類を飲んでいると思う。反省。
*data…ビール名/飲んだ街/ビールの種類/飲んだ店・ホテル
Franziskaner Hefe Weißbier
ﾌﾗﾝﾂｨｽｶｰﾅｰ･ﾍｰﾌｪ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
以前ミュンヘンの店で飲んで以来ぼくの中ではヘーフェの標準的なビールになっている。しっかりと酵母の感じが残っているし、嗅覚が少ししか残っていないぼくにでもフルーティーな感触は伝わってくる。泡がドイツのビールらしくしっかりしているのも好い。ヴァイツェンはピルスナーよりもちょっと高めの温度で呑むのが好きだ。
*Franziskaner Hefe Weißbier/Frankfurt a.M/weizen/IBIS City Messe Hotel
*Franziskaner Hefe Weißbier/Leibzig/weizen/NH Messe Hotel
Weihenstephan
ｳﾞｧｲｴﾝｼｭﾃﾌｧﾝ
今回初めて飲んだけど写真で見てもわかるようにとても泡立ちが良く、しかも泡がしっかりしていてる。バイエルン州のフライジングのビール会社だがグラスには創立1040年、世界最古の醸造所と書いてある。コクもあり飲みごたえがあるビールだ。
*Weihenstephan/Berlin/weizen
/Mommsenek
Erdinger Weißbier
ｴﾙﾃﾞｨﾝｶﾞｰ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
エルディンガーは大手ではぼくが昔一番飲んだ銘柄かもしれない。ここは白ビール専門のビール会社なのでリキが入っているし事実トップシェアーを持っていると思う。万人に飲みやすいように強すぎるフレーバーや酵母のコクは抑え気味にしているのかも知れない。ドイツで最後にフランクフルトの空港のバーで飲んだのもこのビールだった。
*Erdinger Weißbier/Frankfurt a.M/weizen/
Airport restaurant
Gose Gold
ｺﾞｰｾﾞ･ｺﾞﾙﾄ
ゴスラーの町は今回初めて訪れたけれども、こじんまりとして中世の空気が詰められた缶詰みたいな町だ。この町はまた独特のビールGose(ゴーゼ)でも知られている。Goseというとライプチッヒが知られているが、もともとGoslerを流れるゴーゼ川の水で造ったのが名前の由来なのでこっちが本家らしい。
ドイツでは中世以来ビール純粋令(Reinheitsgebot)という掟があってビールとは水・麦・ホップ・酵母だけでできているものを言うようになっている。ところがGoseは塩・コリアンダーを成分に含むためビールとは言えなかったのだけれど、EUの時代になって純粋令が廃止になったので今は大っぴらにビールと言えるようになったらしい。
逆にGoseはいわばUrbier、即ちビールの先祖みたいなものかもしれない。味は上面発酵だから他の白ビールにも似ているが、もうちょっと味が濃い感じがする。
*Gose Gold/Gosler/Gose/
Die Butterhanne
Paulaner Hefe-Weißbier
ﾊﾟｳﾗｰﾅｰ･ﾍｰﾌｪ･ｳﾞｧｲｽﾋﾞｰｱ
この銘柄もドイツ各地でその看板をよく見かける。泡も良いしErdinger同様、メジャーな白ビールなので香りや酵母感もバランスよく作られていると思う。とにかく飲みやすい。今回の旅行では複数回飲んだと思うけれど、写真に写っていたのはリューベックのこの写真だけだった。
*Paulaner Hefe-Weißbier/Lübeck/weizen/
Yacht Zimmer
Schöfferhofer Weizen
ｼｪｯﾌｧｰﾎｰﾌｧｰ･ｳﾞｧｲﾂｪﾝ
これも今回初めて飲んだビールだが、飲み口は比較的軽い感じがした。鼻がだめなぼくにはわかりにくかったけど、その時一緒に飲んだ友人によると香りは結構強いようだ。マインツのビールで、名前のシェッファーというのは印刷術のグーテンベルクの弟子の名前にちなんでいるそうだけど、そういえばグーテンベルクはマインツの人だった。
*Schöfferhofer Weizen/Potsdam/weizen/
Hotel Am Luisenplatz
Bitburger
ﾋﾞｯﾄﾌﾞﾙｶﾞｰ
ドイツに入って最初に飲んだビールだ。ホテルについて部屋に荷物を置いたらすぐさまホテルのバーコーナーに行って、やっぱり最初のビールはピルスナータイプで。Bitburgerはピルスナータイプのビールの老舗だ。比較的日本のビールに似ているかもしれない。この後続けてFranziskanerのヘーフェを飲んだ。
*Bitburger/Frankfurt a.M/pilsner/
IBIS City Messe Hotel
Hessisches Löwenbier
ﾍｼｯｼｪｽ･ﾚｰﾍﾞﾝﾋﾞｰｱ
ゴスラーに向かうアウトバーンのレストランで飲んだビールだが、これも初めて。ヘッセン州のビールなのでその土地の会社のビールだと思う。飲み口はすっきりしていてランチに合いそうだが、その時は目的地に行く途中だったのでビールだけにした。
*Hessisches Löwenbier/Gosler/pilsner/
Autobahn Shop
Radeberger Pilsner
ﾗｰﾃﾞﾍﾞﾙｶﾞｰ･ﾋﾟﾙｽﾅｰ
ドレスデン近郊のラーテベルグで作られている歴史のあるビール。趣のあるグラスに入って泡も良いしホップ感もあってよかったのだけれど、ウェイターの対応が最低だった。ライプチッヒの名門酒場「Auerbachs Keller」で飲んだのだけれど、時間がないからビールだけと言った途端、ウェイターは手からメニューをひったくるようにして持って行った。美味いはずのビールが不味くなった。
*Radeberger Pilsner/Leipzig/pilsner/
Auerbachs Keller
Wernesgrüner
ｳﾞｪﾙﾈｽｸﾞﾘｭｰﾅｰ
これも初めて飲むビールだが、先ほどのBitburgerの系列の会社らしい。ザクセン州の歴史ある会社だけれどオーナーはめまぐるしく変わったみたいだ。すっきりしたピルスナー。
*Wernesgrüner/Leipzig/pilsner/
Thüringerhof zu Leipzig
Krusovice
ｸﾙｼｮｳﾞｨﾂｪ
今回飲んだビールの中で唯一のチェコビール。少し苦味のある黒ビールでドイツでは結構飲まれているチェコのビールのようだ。ドレスデンの美術館アルテ・マイスターを見たあと一休みということでカフェに入ったが、メニューを見てついコーヒーでなくコーヒー色のビールを頼んでしまった。
*Krusovice/Dresden/dunkel/
Cafe Schinkelwache
<おまけ>
Riesling Weisswein
番外でワインを一つ。ワインもマイセンワインなど何度か飲んだけれど、これが一番おいしかった。ブレーメンの市庁舎のワインショップでリースリングの白ワインを一本買って、そのまま地下の市庁舎地下酒場に…。雰囲気も良かったし、ここで飲んだリースリングの白ワインは格別だった。
*Riesling Weisswein/Bremen/wein/
Rathauskeller
(Nov. 2014)
gillman*s choice <ドイツ映画1>
ドイツ映画
My Best 5
ドイツ映画というと戦前のUFA(ウーファー)時代の映画「嘆きの天使」等や戦後であればニュージャーマン・シネマ時代のヴェンダース等の作品ばかりに目が行ってしまい、その他の映画にはなかなか目が向かなかったというのはぼくばかりではないと思う。
しかしここ数年、時間のある時に意識してドイツ映画を観るようにしていたら、随分ぼくが今まで考えていた(と言っても、さして考えていたわけではないけれど…)ドイツ映画とはずいぶんと変わっていることに気付いた。
日本では今はドイツ映画と言うとあまり馴染みはないけれど、実は映画館だけでなくDVDを含めればかなりの数の作品が見られるようになっている。この間数えてみたら230本以上になった。この中にはアダルトやスプラッター・ムービーやサッカー関連の映画は入れていないから考えようによっては結構な数といえるかも知れない。
ぼく自身はまだその中の80本位しか観ていないと思うが、今まで観た作品を振り返ってこのサイドバーで時々色んな観点からみたドイツ映画のMy Best 5を挙げてみたい。もちろんこれはぼくの独断と偏見のBest5だけれども…。基本的にはどの作品もDVDレンタルされていると思うので、もし興味がある作品に出会ったら観ていただけるとうれしい。
まず観ておきたい
今どきのドイツ映画
My Best 5
これらはドイツ映画の中でも結構話題になった作品なので観ている人も多いと思うけど、もしまだ昔のドイツ映画しか観ていなかったら最近のドイツ映画を俯瞰する意味でも興味深いと思う。
ナチスもの、音楽もの、東西ドイツ時代もの、社会派もの等の今のドイツ映画のカテゴリーのいくつかから拾ってみたので、取りあえずドイツ映画を知る参考になると思うし、もちろん面白くもある。
ヒトラーの偽札
(Die Fälscher)
あ、最初に言っておいた方が良いと思うのだけれど、ドイツ映画にアメリカ映画のようなハッピーエンドを期待されるとそれはちょっと辛いと思う。そういう意味では後味の好い映画ばかりではない、と言うよりハリウッド型のハッピー・エンドは多くはないと言った方が好いかもしれない。
どうもドイツ人は「…そして、幸せに暮らしましたとさ、ジャン」というのを受け入れるほど素直ではないらしい。それはドイツのメルヘンが本当はかなり残酷でシビアーなものだけれど、アメリカ人のディズニーの手にかかると「…そして、幸せに暮らしましたとさ、ジャン」的な幸せのストーリーに変質してゆくのと似ているかもしれない。
舞台はナチス時代の強制収容所。ナチス政権はイギリス経済攪乱を意図して大量の贋ポンド札を作る「ベルンハルト作戦」を企てていた。その作戦遂行に欠かせないのが強制収容所に囚われていたユダヤ人印刷工のブルガーだった。明日をも知れぬ強制収容所の中で繰り広げられる印刷工とナチス将校の命がけの駆け引き。
印刷工の心の中で繰り広げられる生き延びることと職人としてのプライドを守ることとの葛藤。観ていてとにかく息苦しくなる。この息苦しさはどこかで味わったことがあるなぁ、と考えたら同じドイツ映画ペーターゼン監督の「ユーボート」の中でだった。
酸欠するような淀んだ空気。出口の無い恐怖。それはもしかしたら、あの時代のドイツ全体をも覆っていた空気かも知れない。(2007年)
監督/シュテファン・ルツォヴィツキー
出演者/
カール・マルコヴィックス
アウグスト・ディール
デーフィト・シュトリーゾフ
アウグスト・ツィルナー
ピアノマニア
(Pianomania)
ぼくは楽譜も読めないし楽器も演奏できないのだがクラシック音楽も好きで時々コンサートにも行くのだけれど、この映画を観るとコンサートでのピアノの聴き方が変わること請け合い。
この映画は実在のあるピアノ調律師の一年間を追ったドキュメンタリー映画だ。「ピアノマニア」というタイトルはちょっと奇異に感じるけれど、映画を観終わった後では納得できるタイトルだと思う。
この映画の主人公であるピアノ調律師の才能やまた彼の調律したピアノで演奏する演奏家もピアノマニアとしか言いようがないし、それは恐らくこの映画を作った人間自体が羨望と畏怖の念をもって付けたタイトルだとも思う。
観ている内にぼくらが言う「音感」と彼等が持つ音に対する感覚ではそのレベルがまるで違っていることに気付かされる。ピアノのハンマーに付いているフェルトを針の先でほんの数回突いただけで音が変わり、その音の変化を調律師も演奏家もちゃんと認識しているのだ。それは正に超一流のプロの調律師と演奏家の共同作業であり、同時に戦いの様なものでもある。
演奏会やCD録音の背後でこんな戦いが繰り広げられていることを知るだけでも何となく音楽の聴き方が変わる、もしくは変えないといけないなぁと思ってしまう。これは音楽の映画でもあるけど人間の感覚の極限を示す驚異の映画でもあると思う。(2009年)
監督/リリアン・フランク、ロベルト・シビス
出演者/
シュテファン・クニュップファー
ピエール＝ローラン・エマール
(ドイツ・オーストリア合作)
マーサの幸せレシピ
(Bella Martha)
気難しく、料理人としての強すぎるプライドのためレストランのオーナーや客とのトラブルが絶えないマーサは、姉の急な事故死によって残された幼い娘リナを引き取らざるを得ない事態になる。だが突然母を失ったリナは頑なにマーサに心を開かない。マーサとリナと料理人の同僚のイタリア人男性マリオとの微妙な心理の歯車が回りだす。
この映画を観ていると、ヴェンダースの「都会のアリス」とボグダノヴィッチの「ペーパームーン」を思い出して、どうしてもこの映画の少女リサがアリスやペーパームーンのアディの姿にダブってしまう。
どれも少女の置かれた状況は幼くして母親を失うというとても辛いものだ。そんな中で少女の目は冷やかに自分の周りの世界を見続ける。つくづく女は少女のころから既に女なんだなと思う。この歳の男の子だったらただの腕白なガキなんだけど…。
主人公のマーサはぼくなんかから見たら何ともめんどくさい女にしか見えないけれども、イタリア人の料理人マリオは実に忍耐強く彼女に寄り添っている。マリオ役のセルジオ・カステリットがとても良い味を出している。
料理のシーンや日常生活のディテールの描写がこの映画に深みを与えていると思う。(2001年)
監督/ザンドラ・ネッテルベック
出演者/
マルティナ・ゲデック
セルジオ・カステリット
マクシメ・フェルステ
東ﾍﾞﾙﾘﾝから来た女
(Barbara)
この間旅行したリトアニアやラトビアでは色々なところでソ連時代のKGBの話を聞かされた。
旧社会主義国の残した暗い記憶の一つにKGBに代表される秘密警察にまつわる記憶がある。それにあたるのが東ドイツ時代の秘密警察・シュタージ(Stasi)にまつわる記憶だ。シュタージはある意味では恐らくソ連のKGBを上回る国民監視体制をひいていた。
東ベルリンの病院で働いていた女医のバルバラは、西側への移住を希望したたために田舎の病院に左遷されシュタージの監視下に置かれる。そこで出会った医師のアンドレは次第に彼女に魅かれるが、実はアンドレも過去の弱みを握られて今ではシュタージの密告者にされていた。
自然に囲まれたのどかな田舎町なのに、ここでも息が詰まりそうな空気が支配している。バルバラには西ドイツに暮らす金持ちの恋人がいて彼の手配でなんとか西側に抜け出そうとしている。
一方、この村で病院の医者として暮らしてゆくにつれて村はずれにある強制収容施設の現実が医師のバルバラに突きつけられる。彼女の自由を求める気持ちと医師としての責務、そしてアンドレへの想いの中で心が揺れる。(2012年)
監督/クリスティアン・ペツォールト
出演者/
ニーナ・ホス
ロナルト・ツェアフェルト
ライナー・ボック
見えない雲
(Die Wolke)
原題Die Wolkeは「雲」と言う意味で、原作の小説は映画化され、漫画にもなって話題を集めた。物語はある日突然ドイツの原子力発電所で放射能漏れの事故が起き、放射能に汚染された雲が街に迫って來るところから始まる。
2011年に実際に大規模な原発事故を体験してしまった日本人のぼくらから見ると、この映画では原発事故の程度が分かりにくいことや、事故を原因とするカタストローフの起き方にちょっと違和感は感じるけど、何の変哲もない日常が一瞬にして地獄に変わってゆく恐ろしさは充分伝わってくる。
原発事故は多くの人の未来を変えてしまうばかりでなく、その次の世代まで計り知れない恐怖の連鎖を作り出してゆくことに気づかされる。(2006年)
監督/グレゴール・シュニッツラー
出演者/
パウラ・カレンベルク
フランツ・ディンダ
MON-ZEN
(MON-ZEN)
この映画はコメディー仕立てではあるけど、これは二人のオジサンによる心の旅路、つまりロードムービーであり大人のメルヘンでもあると思う。「今どき」と言うにはちょっと古い映画だけれど、好きな映画なのであえて入れてみた。
中年のドイツ人風水カウンセラーのグスタフは長年の夢であった日本のMon-Zenの禅寺での体験修行に旅立とうとしていた。そこへ妻子に逃げられた兄のグスタフが転がり込んでくる。兄は自分もその禅寺に連れてってくれと泣いて頼む。
結局、二人で日本に行くのだが禅寺に行く前にすでに東京で路頭に迷ってしまう。紆余曲折の末なんとか能登の禅寺に行くことができ厳しい修行の毎日が始まるのだが…。
二人が東京(1999年ごろの東京)に着いたあたりの目線はありきたりの外国人目線なのだが、二人が禅寺に入った辺りから実はぼくらの目線もこの二人のドイツのオジサン達とさして変わらないことに気づき始める。(ぼくも何度か泊り込みで参禅をしたことがあるけど…その時の感覚はこの二人とさして変わらなかった)さて、オジサン達の心はどう変わって行くのだろうか？ドイツ映画には珍しく後味の好い映画。
(1999)
監督/ドリス・ドゥリー
出演者/
ウーヴェ・オクセンクネヒト
グスタフ＝ペーター・ヴェーラー
これから…
<ドイツ映画My Best5(予定)>
・ドイツ映画でナチス時代を考えるBest5
・ドイツのドキュメンタリーもありだなBest5
・心温まるドイツ映画Best5
・アクションだってあるぞドイツ映画Best5
・社会派ドイツ映画Best5
・ドイツのサスペンス映画Best5
・歴史的名作ドイツ映画Best5
・ドイツのコメディーってどぉよBest5
・やっぱりヴェンダースが好きBest5
・東西ドイツ時代を考えるBest5
・やっぱりドイツは音楽映画?Best5
・もう一度見直したいドイツ映画Best5
・New German Films Best5
・メルヘンと言えばドイツでしょBest5
・女優で選ぶドイツ映画Best5
・ラストシーンで選ぶドイツ映画Best5
・ドイツのラブストーリーって、どうよBest5
・ドイツのTVシリーズBest5
・ドイツB級映画Best5
・ハリウッドのパクリかなBest5
・ドイツ映画祭受賞作品Best5
などを思案中…
(August 2014)
足元のバルト三国
足元のバルト三国
The things under my feet
色々なところに旅行するとその土地の歴史を知ったり、その土地の酒や食べ物や名物などその土地でしか味わえない楽しみがあるけど、
ぼくにとってはマンホールなど足元に存在している普通は余り観光客の目にとまらないものを見るのも、そういう楽しみの一つだ。
海外の街を訪れるたびにマンホールなどの写真を撮っている。色々なデザインを楽しむこともあるけど、意外とその街や国の足跡などが残っていることもある。みんなが建物を見上げている時、足元を見つめているというのもちょっと奇妙だけど…
Riga/Latvia
ラトビアの首都Riga(リーガ)のダウガヴァ川沿いのホテルRadisson BLU Daugavaの近くにあったマンホール。渦巻き様のデザインは水関係のマンホールであることを表しているらしい。大きな「K」の字が書いてある。(ちなみに東京でも「K」のマンホールをよく見るけれど、これは警視庁のKで、信号機のケーブル用マンホール) 蓋には1987年と彫られているのでソ連時代のがそのまま使われていることになる。
1987年と言えば、6月14日にラトビア独立戦争の戦没者をまつった自由の記念碑に約5,000人の人々が集まり、ソビエト体制の犠牲者を悼んで花を捧げている。 この集会をきっかけに国家独立運動が再燃、3年後にはラトビアの主権回復を宣言した。マンホールにだって歴史が刻まれている。
Riga/Latvia
リーガの旧市街にある三兄弟と呼ばれる年代様式の異なる三軒の家の前の通りにあったマンホール。年代は書いていないが、キリル文字らしい字に続いてCCPと書いてあるので、これもソ連時代のものと思われる。そういえば昔宇宙船の写真で見たような気がするが確かソ連の宇宙服に書かれていた頭文字はCCCPだったからそれと関係があるかもしれない。
Riga/Latvia
リーガの大聖堂があるドム広場近くのマンホール。デザインがとてもあか抜けている。Pipe Lifeと英語で書かれていることから独立後に設置されたと思われる。そのつもりで見るからか、何となく自由の雰囲気を楽しんでいるような感じさえする。
Riga/Latvia
リガの旧市街中心部にあるブラックヘッド館近くで見たマンホール。HIDROLATSと書いてあるので水関係なのだと思うけど、デザインがとても力強くて今回見た中ではイチオシ。真新しいせいもあるが、深く刻み込まれた模様からも鋳物のもつ重量感が伝わってくる。ドレスデンで見たように都市によっては歴史を感じさせるデザインのものや、シンプルで機能的なものなどたかがマンホールと言うなかれとてもバラエティーに富んでいる。
Vilnius/Lithuania
リトアニアの首都ヴィリニウスの旧市街市庁舎広場の近くのマンホール。これも年号は書いていないがCCPの文字がありキリル文字もあることからソ連時代のものと思われる。デザインもリトアニアのものと酷似しているが、当然その頃はラトビアもリトアニアも同じ国だったのだから共通の仕様だったのだろう。
Vilnius/Lithuania
これはマンホールではないけれど、ヴィリニウスの大聖堂の脇の地面に埋め込まれたプレート。Stebuklas(奇跡)と書かれたプレートは、1989年ここからエストニアまで600kmにわたって200万人が手を繋いで独立を訴えた「人間の鎖」の起点となった場所のプレート。ガイドは本当の起点はここではなく少し離れたところにある城の広場だと言っていたが、まぁ固いことは抜きにして独立の志しを目に見える形にしておくということは大事なことだと思う。
Kaunas/Lithuania
これもリトアニアの都市カウナスで見たマンホール。上部に彫られているKAUNO VANDENYSとはリトアニア語でカウナスの水という意味らしくその下にある女性が水瓶を持っている絵がその会社もしくは水道局のマークらしい。もちろん独立後だと思うけど手の込んだ洒落ているマンホールの蓋だ。
Tallinn/Estonia
これはエストニアの首都タリンの旧市街にある市庁舎広場のマンホールだが、書かれているNIEMISEN VALIMOというのはフィンランド語でマンホールの蓋を作っている会社の名前らしい。バルト三国の中でもここはフィンランドなど北欧と関係が深いことが分かる。
Tallinn/Estonia
タリンの新市街にあるホテルに泊まって朝ホテルの裏手を散歩した時に見つけたマンホール。大分擦り切れているが、ラトビアやリトアニアでも色々な場所で見慣れた「K」の文字が見られるので多分ソ連時代のものだろうと思う。波型のデザインは水を表しているのだろう。
Tallinn/Estonia
これはマンホールでなくタリンの旧市街にある聖ニコラス教会の床の墓石。参拝者が歩く床にはめ込まれている。なんでも放蕩三昧をした御仁の墓で、生前大勢の女性を泣かせたので死んだら皆に踏みつけられて罪滅ぼしをしたかったそうな。それってただの自慢話じゃ？
(June 2014)
gillman's choice <Art> 2013展覧会
2013年 美術展
My Best 5
去年は美術展に結構行ったような気がする。ぶらっと好きな美術館の常設展に行くのが、何となく贅沢な時間の使い方みたいで好きなのだけれど、国立新美術館のように常設展示を持たない処もあるのでそういう時は美術館のスケジュールに目を通してから出かけることも多い。
前にも何処かで書いたけど、東京のような国際的大都市に住む利点の一つに身近に多くの美術館があるし、その上年間を通じて多様な美術展にふれることができるということがあると思う。と言うわけで昨年2013年に行った美術展を振り返って自分の中でのBest5を挙げてみた。
カイユボット展 都市の印象派
Gustave Caillebotte:Impressionist in Modern Paris
ブリヂストン美術館
ブリヂストン美術館も近代絵画を中心とする常設展が好きでぶらっと行きたい美術館の一つだけれど、年に何回かおこなわれる特別展も面白い視点からのものが多いように思う。
今回の「カイユボット展 都市の印象派」もそういう意味でも見ごたえがあった。ともすれば画家としてよりも印象派のパトロン的な位置づけだけが強調されていたカイユボットの絵画にスポットを当ててくれたのは、今までの彼の位置づけに不満だったぼくにとってもありがたいことだ。ブリヂストン美術館が今回わが国で初めてのカイユボットの回顧展を行った意義は大きいと思う。
彼の色彩ももちろん印象派的で好いのだけれど、ぼくは彼の絵のアングルとテーマが特に気に入っている。絵のアングルについては当時台頭しつつあった写真が提示したレンズを通したアングルとの共通性を指摘する向きもあるが、そればかりではないと思う。広重などの浮世絵の影響もあるかもしれない。
テーマ的には他の印象派が多く田園の光を描いたのに対し、カイユボットは都市における生活に目を向けている。静謐な室内や孤独の影をひきずる人物などにも焦点を当てている。それはどこかでヴィルヘルム・ハンマースホイやエドワード・ホッパーの世界へと通じてゆくような感じがした。
アントニオ・ロペス 現代スペイン・リアリズムの巨匠
Antonio Lopez
Bunkamura Museum
印刷技術が良くなって色々な絵画が画集でも充分楽しめるような時代になったけれど、中にはどうしても実物をこの目で見てみたい衝動に駆られる作品や画家がある。
アントニオ・ロペスもぼくにとってはそういう画家の一人だった。実際に見てみると、やはり作品自体の存在感がまるで違っていて、それは印刷などのメディアでは中々ちゃんと伝わってこないのかも知れない。
特に鉛筆画の「マリアの肖像」、油彩の「グラン・ビア」「バリューカスの消防署の塔から見たマドリード」の3点の存在感は驚異的だった。決して作品の数が多いとは言えないアントニオ・ロペスの作品群を一堂に集めて見られるというのは贅沢な話だ。
Andreas Gursky展
Andreas Gursky
国立新美術館
アントニオ・ロペスの作品が出来れば画集ではなく実物で見たいというものだとすれば、アンドレアス・グルスキーの主な写真作品群は現物でなければ見る意味が無いとまで言ってもいいかもしれない。彼の写真集を見ても余程想像力を働かせて感覚を補完しつつ見ないと見たことにはならない。
彼の作品に貫かれている「等価性」みたいなものを確認するためには巨大な作品の画面の前に立って、全体と部分を行きつ戻りつして見てみないことには作品の凄さが伝わってこない。そのグルスキーの主要65作品が一堂に会しているのだから、これまた至福の瞬間だった。
ラファエロ展
Raffaello
国立西洋美術館
考えて見るとラファエロの作品にはこれまで余り遭遇することが無かった。ウィーンの美術史美術館では「草原の聖母」を二度ほど、そしてルーヴルで「聖母子と幼児聖ヨハネ」「聖家族」など数点を見たのがラファエロの作品にふれたすべてかも知れなかった。
ところが今年、これも日本初ということになるのだがラファエロ展が開かれることになった。しかも重なった期間に方やBunkamuraザ・ミュージアムでは「ルーベンス展」が開かれるというなんとも贅沢な瞬間がやってきた。
今まで余りお目にかからなかったラファエロ作品だが、このラファエロ展の目玉でもあった「大公の聖母」には今年は二度もお目にかかってしまった。
春には上野の「ラファエロ展」で、そして秋には故国イタリアに帰ってピッティ宮のパラティーナ美術館の定位置に戻っていた聖母に再会できた。
「大公の聖母」はフィレンツェのパラティーナ美術館のサトゥルヌスの間の壁に掛けられているのだけれど、その反対側の壁には今回は日本に来なかった「小椅子の聖母」が掛けられていた。その部屋には他にも日本に来た数点のラファエロ作品が置かれていた。これこそ正に贅沢の極みというものだろう。
ジョセフ・クーデルカ展
Josef Koudelka
国立近代美術館
今年は例年よりも美術館での写真展に多く行ったような気がする。上のグルスキー写真展の他にも横浜美術館における「ロバート・キャパ/ゲルダ・タロー 二人の写真家」展、や東京ステーション・ギャラリーと東京都写真美術館の「植田正治」に関連する写真展など。
日本の美術館の収蔵品の中にも段々と写真作品が組み入れられるような動きも出てきているようなので、今後も美術館における写真展の機会は増えるかもしれない。ジョセフ・クーデルカ展に展示されていたのは基本的には全てモノクロームの写真である。それが展示会場に独特の緊張感を作り出していた。
1968年のプラハの春を記録した「侵攻」と題された一連の作品は時を超えてその緊迫感が迫ってくる。面白いと感じたのは「カオス(Chaos)」と題された一連のモノクロのパノラマ写真だけれど、その展示方法がちょうど日本画の絵巻物を展示するときのように細長い一連の写真を何面か繋げガラスのショーケースに入っている。画面には鉱山や廃墟や荒野など荒涼とした光景が極めてコントラストの強い調子で並べられている。黙示録的な作品だった。
*今年は良い美術展に触れることが出来て幸いだったけど、残念な点もあった。伊藤若冲や竹内栖鳳などの日本画の美術展を見損なったことだ。仙台に行った際、プライス・コレクションの若冲展が見られると思っていたが、その時は岩手美術館が会場だったため断念した。今年はちょっと日本美術を意識的に見たいと思っている。
(Jan. 2014)
gillman*s choice <Art> 西洋美術館
My Best 10
常設展に行こう!
国立西洋美術館
[絵画]
上野の国立西洋美術館はぼくの好きな美術館の一つだ。考えてみるともう40年以上の付き合いになる。
最初に行き始めた時に比べると新館ができたり、地下が拡充されたりと展示スペースは三倍位になっている。
最近ではコルビジェ設計のこの建物を世界遺産に登録しようという運動もあるらしい。独立法人になって収益上の期待もあってか優れた特別展も多いが、かなりの人出がある特別展の時でも常設展示の部分は人もまばらなことが多いのは少し寂しい気がする。
ここの常設展は実は西洋絵画の流れを本物を前にしてコンパクトに把握できる優れたものだと思う。もちろん展示の中心は松方コレクションの基本をなす印象派時代の作品だけれど西洋絵画の流れを意識した作品の収蔵も優れたものだと思う。気になるのは独立法人になって以来、収益的にはとても厳しくなっており、新たな収蔵品を増やせない状況にあるらしいことだ。
世界遺産になることで世間の目がそちらの方にも向かって状況が改善されれば好いのだが、話題だけの空疎な観光スポットになってしまっては寂しいと思うのだが。
ピアノを弾く妻イーダのいる室内
Interior with Ida Playing the Piano
Vilhelm Hammershøi
1864 - 1916
最近になって展示順路の最後の所に展示されているハンマースホイの作品だ。収蔵作品入りしたのは比較的最近だと思う。苦しい作品購入予算の中で良く手に入れたと思う。ぼくも行ったけれど2008年にここ「西美」で開かれた「ヴィルヘルム・ハンマースホイ・静謐の詩情」は今まで西美で行われた特別展の中でもピカイチの出来だったと思う。
彼のこの晩年の作品にはハンマースホイの静謐さとミステリアスな要素が強く出ていると思う。彼の妻イーダが描かれているという点も良い。西美で行われた「ヴィルヘルム・ハンマースホイ・静謐の詩情」展の図録は、恐らく日本で出版されたハンマースホイの唯一、最良の画集だと思う。
貧しき漁夫
Poor Fisherman
Pierre Puvis de Chavannes
Lyon, 1824 - Paris, 1898
時代的には印象派の時代だが、絵は一見フレスコ画のような雰囲気をもっている。この絵を描いたシャヴァンヌはロダンやカリエールとも親交が深かったらしくいわゆる印象派とは画風が異なっている。彼の作品この「貧しき漁夫」はフレスコ画のような色調の画面の中央に配置された小船の中で、漁夫が立って何かを祈っているような光景が描かれている。
彼の足元には幼子が寝ている。特定の主題に添って書かれた宗教画ではないが、宗教的な雰囲気を漂わせていると思う。この画面とそっくりな彼の作品をパリのオルセー美術館でも見たことがある。そちらの絵には母親らしき人物も描かれていた。
以前西美で自分の好きな作品について短いエッセイを公募したことがあって、ぼくはこの作品についてエッセイを書いたことがあった。幸いにも館長賞を頂いて半年ほどこのシャヴァンヌの絵の脇にぼくのエッセイのプレートが掛けられていた。愉しい経験だった。
⇒Ansicht05「ずっと祈っていますね シャヴァンヌ」
坐る女
A Seated Woman
Foujita Tsugouharu
Tokyo, 1886 - Zurich, 1968
藤田嗣治の絵は独特の雰囲気を持っている。油彩でありながら限りなく日本画のような雰囲気を持っている。あの乳白色が当時のフランスでもフジタの作り出す奇跡のように賞賛されていた。
戦時中に軍の指揮のもとで戦争画を描いたことで結果として戦後フジタは日本から排除されたような形になってしまったが、フジタの絵はそれでもしっかりと日本と西洋を結び付けているような気がする。もっとも彼がこの絵を描いた1929年には戦争のことも、それが彼にもたらした厳しい試練のことも彼は知る由も無いのだが… 西美にはないがぼくはフジタの描く猫が大好きだ。⇒「藤田嗣治画文集 猫の本」
悲しみの聖母
Mater Dolorosa
Carlo Dolci
Florence, 1616 - Florence, 1687
カルロ・ドルチは17世紀にイタリアのフィレンツェで活躍した画家らしい。この画家のことはあまり知らないけれど、美術館で実際の絵を前にすると何とも言えない気品が伝わってくる。古来よりこの「悲しみの聖母」というテーマは多くの画家が祭壇画などにも描いているけれど、この絵は個人宅に飾るような感じの絵なので個人の注文主の要望に沿って描かれたものかもしれない。モデルは彼の新婚の妻とも言われている。宗教画の形を借りて愛する女性の姿を残したいという気持ちが伝わってくるようだ。
罠にかかった狐
Fox Caught in a Trap
Gustave Courbet
Ornans, 1819 - La Tour-de-Peilz, 1877
クールベの絵が好きになったのは、やはり西美にある彼の作品「波」を見てからだった。英仏海峡に押し寄せる大波を力強いタッチで描いたその作品はとても印象的だった。(大原美術館には同じ波の絵で、もう少し穏やかな海を描いた「秋の海」があるが、そちらもすばらしい)
彼は海の風景を多く描いたけれど西美にはこのキツネの絵と馬小屋の馬の絵がある。身近な題材としての動物にも彼の鋭い観察眼は生きている。とくに罠にかかった狐を描いたこの作品は、餌の少ない冬の野山で罠に掛かってしまった狐の鳴き声が今にも聴こえて聞こえてきそうな気がする。
コンスタンティーヌ、アルジェリア
Constantine, Algeria
Maurice Denis
Granville, 1870 - Saint-Germain-en-Laye, 1943
西美はかなりの数のドニの作品を所蔵している。ドニの絵は淡い色と装飾的な構図が特徴的で、それは西美に展示されている「踊る女たち」の大画面に代表されるかもしれない。もちろんこれらの作品も好いけれど、ぼくは以前見たこの風景画が好きだ。
残念ながら今は展示されていないけれど、彼独特の淡い色彩が構成的な建物の画面と相まって、いつか見た夢の中の街のように心地よい印象を与えている。また展示をして欲しいものだ。
あひるの子
Ducklings
John Everett Millais
Southampton, 1829 - London, 1896
ジョン・エヴァレット・ミレイの絵は40年くらい前にイギリスのテートギャラリー(今のテート・ブリテン)で「オフィーリア」を見て以来、その人物描写の素晴らしさに魅せられていた。シェークスピアの「ハムレット」の一場面であるオフィーリアの入水のシーンで、着飾ったまま水面に浮かぶ気のふれたオフィーリアの姿が切ないほど美しく描かれていた。
西美の「あひるの子」と称されたこの作品も彼の人物描写の巧みさが遺憾なく発揮されている。こちらを射抜くような少女の無垢な視線はぼくをハッとさせるものがある。具体的なモデルがいて描いたものではないらしいけれど、見つめると確かに少女が絵の中で息づいているように思える。
雪のアルジャントゥイユ
Snow in Argenteuil
Claude Monet
Paris, 1840 - Giverny, 1926
モネは松方氏や松方コレクションを支えたブラングィンと知己の間柄だったらしく西美の収蔵作品の数も多いし質も高い。もちろん睡蓮の作品もすばらしいにちがいはないがこの雪のアルジャントゥイユにはそれとはまた違った味わいがある。この作品は比較的初期のものだが、雰囲気がとても良い。雪が積もった朝の道を人々が行き交った雪道の痕跡が鮮やかに時間を刻んでいる。
ちなみに、ぼく自身はモネの作品では一連の睡蓮の作品よりも、野原での真っ赤なポピーが描かれている連作の方が強烈な印象を持っている。
眠る二人の子供
Two Sleeping Children
Peter Paul Rubens
Siegen, 1577 - Antwerp, 1640
西美にはルーベンスがこれを含めた二点しかないし、その二点とも習作なので取り立てて…、という感じもするが、この「眠る二人の子供」はもしかしたら習作であるがゆえに自由に描けているような気がしないでもない。 一昨年、ウィーンに行った時に美術史美術館を訪れてルーベンスの大作を呆けるように見つめていた愉しさを今でも思い出すけれども、この絵は本当に小さいけれど見る者に与える力は大画面の力作に劣らないほど強いと思う。幼子の薔薇色の頬に瑞々しい命の美しさが宿っていると思う。
ヴァニタス－書物と髑髏のある静物
Vanitas - Still Life with Books and Manuscripts and a Skull
Edwaert Collier
c. 1643 - 1710
コリールの描くヴァニタスの世界は、去年ホキ美術館で見たあの透徹した超レアリズムの世界に通じるかもしれない。
寓意絵画というのは世界にいくつかあるけれども、その中でもヴァニタスの世界は独特かもしれない。書物や時計、本や財布など世の中のモノが極めて精密に描かれているが、それは如何に人生がそれらのモノに彩られていても、現世は儚く短いものだというヴァニタスの世界観を引き立てるためなのだ。ヴァニタスとはラテン語で「空虚」のことだけれど、それは突き詰めれば写真家、藤原新也の写真集「メメント・モリmemento mori」(死を想え)のように、心して今を生きるということにも通じる世界観でもある。
以前、西美に行ってこの絵の前に立った時、小学生らしい少年が熱心にこの絵に見入っていた光景を目にした。彼は一体何に興味があったんだろうか。
西美にはまだまだ素晴らしい作品が溢れている。これからもずっと西美を愉しみたいと思う。
(Jan. 2012)
Italy <under my feet>
足元のイタリア
旅行に行くと、特にヨーロッパに行くと教会の尖塔やアルプスなど視線を上に持ってゆくことが多いけれど、足元に目をやるとそこにもまたぼくらの住む国とは違った世界があることに気付く。
旅先でも時たま足元を見てみると面白い。(もっとも下ばかり見て歩いているとそれはそれで危ないのだが…適当に)
Firenze
フィレンツェの下水道蓋
石畳の多いヨーロッパでは道路わきの側溝や下水の蓋なども色々な形状があって面白い。
ドイツのドレスデンではいかにも中世的なやつも発見したが、フィレンツェでは石畳の形状に合わせた、鋳鉄製のちょっと洗練されたやつを発見。
長年踏みつけられて角が取れて柔らかくなった感じが良い。これなんか壁掛けにしても好いんじゃないかなぁ。
Firenze
ラウレンツィアーナ図書館礼拝堂の床
フィレンツェのサンロレンツォ教会に隣接するラウレンツィアーナ図書館の建物は二階がミケランジェロが設計したとされる図書館で、一階は1494年のメディチ家追放後サン・マルコ修道院のドメニコ会などが管理していたらしく、修道院の様な作りになっている。
その礼拝堂の床は大理石貼りの象嵌で紋章や髑髏の模様が彫り込まれている。薄暗く冷たい空間は不気味ですらある。
Pompei
ポンペイ遺跡の敷石
ポンペイ遺跡は2000年前の街全体が歴史の缶詰めのようにそっくりそのまま残っており、石畳で舗装された道路の敷石もそのまま残っている。
写真は大通りから細い路地に曲がる角にはめ込まれた、言わば道路標識みたいなもので、その意味は「この路地に娼家あり」確かに分かりやすい標識だけど…。同じマークがその家の前にもついていた。
Vatican
ヴァチカンのモザイク床
ヴァチカン美術館はモザイク好きにはたまらないところだ。歴代の法王が集めた2世紀位からの様々なモザイクが建築物の一部としてはめ込まれている。
もちろんそれらの貴重なモザイク床は柵で囲まれているが、違和感のないような感じでその周りの床もモザイク張りになっていて、そこは通路などで歩くことができる。
その床だってかなりの歴史はあるに違いないのだが…。ぼくは床ばかり見ていた。
Vatican
ヴァチカンのモザイク床
モザイク床も色々なものがある。モノクロのシックなものからローマ風のもの、ビザンチン風のもの。実はモザイクはバチカン市国の重要な産業の一つで、法王が外国の元首などに贈るプレゼントはたいていがモザイク画らしい。
バチカンにはそれ専用の工房もあるらしい。現在バチカンで作られているモザイクは殆どがガラスモザイクが中心なのだが、美術館内の補修のための技術の保存も行っている。
(Sept. 2013)
Deutschland <under my feet>
足元のドイツ
外国に旅行すると食べ物や文化や色々なものを体験する楽しみがある。その中でもぼくはどちらかというと名所や景勝地よりもそこで暮らす人たちの日常生活に関するモノやその土地の人々を取り囲んでいる雰囲気を垣間見るのが好きだ。
見上げる空の光もそうだし、足元の踏みしめる路もそういったものの一つだ。ヨーロッパなどではよく足元にも歴史などのメモリーが刻み込まれていることが多い。偉人が訪れたなどの記念プレートや特定の場所への道しるべが刻み込まれている場合もある。マンホールだって立派な情報だ。もっともキョロキョロしながら足元のマンホールなんかの写真を撮っていて怪訝な顔をされることもあるが…
Dresden
ドレスデンで見つけた四角いマンホールはとても格調が高かった。なんのマンホールかは分からないが、市の紋章とともに州都ドレスデンという文字が誇らしげだ。ドレスデンはザクセン州の州都であることを示している。ぼくの足元には煙草の吸殻が落ちているが、ドレスデンでは結構路の上に吸殻が落ちているのを見かけた。
ぼくの乗ったバスの運転手も歩きながら煙草を吸って、ポイとそのまま捨てていた。ちょっと意外な気がしたのを覚えている。
Dresden
これもドレスデンで見かけたマンホールだが、古い教会がある区画のマンホールだ。マンホールというより雨水や側溝を流れる水はけのための穴だと思うが、教会の脇にあるものだけに何となく十字架のようで印象に残った。想像するにずっと昔からそのままだったか、ドレスデンのことだから爆撃で破壊された後に昔と同じ形に復元したのかもしれない。
Berlin
ベルリンでは昔東西の壁があった所には何箇所か壁そのものが残っていて、そこに描かれている絵とともに観光資源にもなっているが、壁が壊された場所でも足元に壁のあったことを示すプレートがはめられている。プレートには長いベルト状になって所々に金属のプレートが埋められているタイプと、しっかりとしたブロンズのプレートが埋め込まれている場合とがある。どちらにもBERLINER MAUER 1961-1989という文字が刻みこれている。
Weimar
ワイマール市という文字が刻み込まれたマンホール。各地で一般的に見るタイプのものだが、丸いマンホールの周りに敷かれた石畳の石を並べるのは大変だろうなぁ、と思いながら撮った。昔も石畳の補修をしている姿をよく見かけたけれど砂を敷いてその上に結構厚みのある石をさし込むように組み上げてゆく。ドイツの古い街には石畳の路が多いけれど映画などで雨にぬれた石畳の上をハイヒールの女性がカツカツと音を立てながら歩いてゆくシーンがあるが、恐らくそんなことをしたら何メートルも歩かないうちに足首を捻挫するのがオチだ。石畳の石と石の間は結構隙間があいているし、その間隔も不規則でもある。ドイツの婦人靴に歩きやすいのが多いのは、そんなことも関係しているかもしれない。
Weimar
今回ワイマールも４０年ぶりに訪れたけれど、街の雰囲気は思っていたよりも明るくなっていた。ドレスデンを見たあとでそれと比べると昔訪れた時より、こういう表現は適切でないかもしれないけど、ずいぶんと垢ぬけた感じになっていた。何がちがうということははっきり言えないけれど街なかには東ドイツ臭が全くと言っていいほど残っていない感じがした。そんな中で東ドイツ時代に作られたらしいマンホールを見つけた。もしかしたら違うかもしれないけれど東ドイツはドイツ語で当時DDRと呼ばれていたが、このマンホールにはGDRという文字が見えるし、真ん中のハンマーの印が如何にも東ドイツ風ではないか。
(April 2012)
The Best in my iPod <流行歌>
My Best 10
流行歌
はやりうた
去年は由紀さおりの「夜明けのスキャット」が世界中で注目を浴びた。忘れられていた流行歌が何かの拍子に息を吹き返すということがあるものだ。
流行歌には昔の歌謡曲や演歌、フォークを中心に膨大な数の曲の遺産がある。明治以降に近代西洋音楽を取り入れようとして考えられた唱歌がその源になっているのかもしれない。
それが日本人の「切なさ」というメンタリティーに翼を与えて時代、時代の色を帯びた流行り歌となって広がっていったのだと思う。
週単位でランキングが入れ替わってゆく現代の流行歌は時代の色彩を帯びる間もなく消え去ってゆくのが寂しい。
一方「カヴァー曲」という新たなジャンルの中で昔の流行歌が新たな翼を与えられるようになったことはなによりも嬉しいことだ。
ゴンドラの唄
カバーソング コレクション[Disc2]
![カバーソング コレクション[Disc2].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/E382ABE38390E383BCE382BDE383B3E382B020E382B3E383ACE382AFE382B7E383A7E383B35BDisc25D.jpg)
美空ひばり
松井須磨子が歌い大正5年位から段々と流行り始めたらしい。この歌が作られた1915年(大正4年)は前年に第一次世界大戦が勃発、ドイツ海軍がイギリス周辺を交戦海域に指定し、Uボートによる無制限潜水艦戦が開始された。ぼくの親父もこの年に生まれた。
ぼくが覚えているのは、1952年の黒澤明監督作品『生きる』で、末期のガンに侵された志村喬演じる公園課の職員である主人公が、雪の降る夜ブランコをこぎながら、この歌を口ずさむシーンだ。「命短し、恋せよ乙女…」降りしきる雪が歌とともに心に浸みこんできた。美空ひばりの歌も心に浸みる。
蘇州夜曲
届けたい ～あなたに歌を
新垣勉
この歌が作られた1940年にドイツ軍がパリに無血入城した。世界はまたキナ臭い暗雲に満ちていた。この歌は最初は山口淑子(李香蘭)が映画「支那の夜」の中で歌った挿入歌だったが、同年渡辺はま子が録音したものが大ヒットした。
このアルバムで歌っている新垣勉は沖縄出身の盲目の歌手だ。他人から見れば出生から不幸の塊みたいな新垣の人生にとって、歌がどれほど大きな価値を持っているかは、この歌を聴いただけでも分かるような気がする。どこまでも透明な新垣の声はそのままストレートにぼくらの心に入ってくる。
悲しき口笛
美空ひばり トリビュート
宇崎竜童
1949年に美空ひばりがこの歌を歌った時には、日本にはまだ進駐軍とか浮浪児とか、もう今では死語になってしまったようなものが身の回りに溢れていた。世界では中華人民共和国がやっと成立してアジアが大きく動き出した時代といえるかもしれない。宇崎竜童の声がいかにもその時代のやり切れなさを現して見事だ。
アカシアの雨がやむとき
TWIN PERFECT COLLECTION [Disc 1]
![TWIN PERFECT COLLECTION [Disc 1].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/TWIN20PERFECT20COLLECTION205BDisc2015D.jpg)
おおたか静流
この歌ができた1960年、日本は自信を取り戻しながら地べたから這いあがりつつあった。その年ソニーは世界初のトランジスタテレビを発売して、メイド・イン・ジャパンという旗を掲げつつあった。そんな中で巷に流れた西田幸子のこの歌は「アカシアの雨に打たれて、このまま死んでしまいたい…」という至極後ろ向きな歌詞で始まる。 それは遮二無二走り始めた日本人の心の疲れの表出だったかもしれない。おおたか静流のけだるい声はそんな雰囲気を今風に表現しているようだ。
いつでも夢を
東京タムレ 原由子\東京タムレ
原由子
1962年には藤田まことの「てなもんや三度笠」が放送開始。ぼくは中学生だったが学校では何かというと「当たり前田のクラッカー」と言うのが流行っていた。家庭の中に本格的にテレビが入りこんできた時代だった。吉永小百合・橋幸夫。今考えるといかにも奇異に思える組み合わせも、その時の言わばアイドルの吉永さゆりとトップシンガーの橋幸夫というビッグ・カップルだったのだ。この歌には明るい未来への希望が溢れている。
この頃から外国の歌手が日本の流行歌を歌うという動きが出てきたように思う。ぼくはリトル・ペギー・マーチの歌った「霧の中の少女」という曲が好きだった。このアルバムの原良子と桑田圭佑が歌う「いつでも夢を」は原曲に負けないくらい好い。
上を向いて歩こう
坂本九トリビュートアルバム
長渕剛
元々作曲されたのは1961年らしいが、1963年に坂本九のこの曲がアメリカのビルボードのトップチャートに登ってブレークした。海外で認められた初めての日本の曲かもしれない。ぼくが1970年にモスクワのホテルに泊まった時、ホテルのレストランのバンドがこの曲を演奏してくれたのを聴いて感激した覚えがある。この年、街頭テレビのヒーローだった力道山が刺されて死亡する。テレビも新しい時代に入りつつあった。
長淵剛の歌ったこの曲は大震災に打ちひしがれたぼくら日本人の心に深く響いたと思う。
お嫁においで
The Golden Oldies
福山雅治/Fukuyama Engineering Golden Oldies Club Band
1966年にはトヨタ自動車が「カローラ」を発表し日本も本格的なモータリゼーションの時代に指しかかった。
「若大将」シリーズでブレークした加山雄三の屈託のない「幸せだなぁー」というフレーズが日本人のその時代の高揚感を現しているようなきがする。
福山雅治のこのアルバムはぼくの大好きなアルバムの一つだけれど、ずいぶんと洗練された歌い方でやっぱり時代は変わったんだなぁと実感する。
星影のワルツ
遠藤 実 ビギンの一五一会 58ドライブ
BEGIN
1966年にはビートルズが来日し、日本武道館で公演が行われた。日本の高度成長時代の一つのピークだったかもしれない。「別れることは辛いけど、仕方がないんだ君のため…」という過去への決別を暗示するような歌詞のこの歌をヒットさせた千昌夫自身が、眩しいような日本のバブル経済の象徴のような存在になり、そしてやがてバブル崩壊の象徴にもなっていったということは何とも皮肉なことだ。
BEGINの歌はそんな時代背景を抜きにしても純粋に別れの歌としての情感が伝わってくる。
亜麻色の髪の乙女
[男歌 version]
すぎやまこういち 男歌 ～cover song collection～
島谷ひとみ
彼女がTVのシャンプーのコマーシャルで歌って再ブレークした。アカペラで歌ったあの時のCMは原曲のヒットをリアルタイムで体験しているぼくにとっても新鮮だった。グループサウンズのヴィレッジ・シンガーズがこの歌を歌った1968年、ぼくはテレビにくぎ付けになっていた。
フィリピンで革命がおこり、テレビはフィリピンのマルコス大統領が国外脱出する様子を逐一伝えていた。
また逢う日まで
筒美京平-阿久 悠 the popular music Compilations
CRAZY KEN BAND
流行り歌にはその曲と一体になった歌手が存在する。特にその歌手がその一曲だけでぼくらの記憶の中に存在する場合には曲とその歌手を頭の中で切り離すことがとても困難になることがある。尾崎紀世彦もそのような歌手の一人だ。CRAZY KEN BANDの演奏はそんな固定概念を切り離してくれるのに十分なものだ。今の曲として蘇っている。この年1971年にはキッシンジャー米大統領補佐官が日本の頭越しに中国を極秘訪問して、新たな米中時代が出現しつつあった。
～後篇につづく～
(Jan. 2012)
Best in my iPod <female vocal>
I miss you!
今はなき懐かしき歌声
Female Jazz Vocal
My Favourite Albums 3
ジャズボーカルに限らずジャズそのものを豊かにしている存在としてスタンダード・ナンバーがある。それはミュージカルからの曲だったり、映画からの曲だったり、ヒットソングだったり由来は様々だけれど何人ものジャズ・ミュージシャンの手で磨かれ、珠玉の財産となってゆく。
例えば典型的なスタンダードナンバーである「My Funny Valentine」をとってみてもぼくのiPodの中だけでも演奏者としてAnitaO'day,Bill Evans,Billy Eckstine,Carmen McRae,Chet baker,Cleo Lane,Grant Green,Kenny Drew,Rod Stewart,Sarah Vaughanなど10人ものアーティストが並んでいる。曲は一つでも同じものは二つとない。スタンダード・ナンバーはジャズボーカルに限りない広がりを与えている。
Blue Burton
Ann Burton
Ann Burton(1933-1989)、アン・バートンはおそらくぼくが一番親しみを感じて聴いているジャズ・シンガーだと思う。彼女のほとんどのアルバムは聴いているし、できればライブで聴いてみたいと最も切実に思っていた歌手でもあった。残念ながら彼女は1989年に亡くなってしまった。
冷静に考えればジャズ界のセンターにいた歌手ではないし、一時代を築いたというわけでもない。でも、でも彼女の歌が好きだ。それは彼女のもっている雰囲気が彼女がオランダ人ということもあってヨーロッパ・ジャズのテイストを持っていることだ。オランダのアムステルダムはぼくの青春の中で特別な位置を占めている。
当時のアムステルダムのダム広場は僕ら新世代にとっての一つの聖地だった。バートンのぼくら日本人にとってとても分かりやすい英語は、あの当時アメリカの陰に隠れながら暮らしていたぼくら日本人そしてとヨーロッパ人の親しみの持てる発音だった。
彼女の数あるアルバムの中でもこのアルバムBlue Burton(1967)はジャズクラブの雰囲気が一番よく出ている気がする。こんな雰囲気の中でHe Was too Good to Meを聴いてみたかった。
Blue Burton/ Ann Burton with Louis van Dyke Trio
1 I can't Give You Anyhthing but Love
2 Go away Little Boy
3 He Was too Good to Me
4 But not for Me
5 It's Easy to Remember
6 You've Changed
7 The Good Life
8 In the Wee Small Hours of the Morning
9 Sunny
■personnel
Ann Burton (vocal)
Louis van Dyke (p)
Jacques Schols (b)
Piet Noordjik (as)
Recorded 1967
Jazz Singer
Rosemary Clooney
Rosemary Clooney(1928～2002)、ローズマリー・クルーニーは1945年に「Come on-a my House」で全米ヒットして一躍有名になった。歌手の位置づけとしてはその少し前に「センティメンタル・ジャーニー」でブレイクしたドリス・デイのようなポップス歌手だったみたいだ。
でも、その頃の彼女のことはぼくはよく知らない。ぼくはどちらかといえば晩年に近い彼女の歌の方がずっと好きだ。彼女の歌を聴いていると歳をとるのもまんざら悪くはないと思うことがある。
彼女自身は自分をジャズ・シンガーとは思っていなかったようだ。そう呼ばれると少し恥ずかしそうだったと言う。しかし、このアルバムのタイトルはずばり「Jazz Singer」となっているけれど、実はこのアルバムのリリースは彼女がなくなった翌年の2003年で、1950年代の音源から作成されたオムニバス版なのだ。収録曲も名曲ぞろいだし、セッションの相手もすばらしい。彼女をジャズ・シンガーとして敬愛していただろうプロデューサーの思い入れが伝わってくる。ジャケットの写真がまた好い。ロージーの没後に出たアルバムだと思うとこのアルバムの最後の曲Goodbyeは余計心に沁みる。
ぼく自身はこのアルバムももちろん好きだけれど、単一時期のアルバムとしては1987年に出たぼくの大好きな彼女のアルバム「Sings Ballads」はフィーメール・ジャズボーカルの至宝だと思っている。
Jazz Singer/personnel
1. It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing) (1956)
with Duke Ellington and his Orc.
2. I'll Be Around (1955)
3. How About You (1957)
with The Hi-Lo's
4. Blues In The Night (1952)
with Ray Charles Singers & Percy Faith Orc.
5. Memories Of You (1955)
with The Benny Goodman Trio
6. I'm Checkin' Out, Goombye (1956)
with Duke Ellington and his Orc.
7. What Is There To Say (1957)
with The Hi-Lo's
8. The Lady Is A Tramp (1951)
9. Bad News (1953)
10. Hey Baby (1956)
with Duke Ellington and his Orc.
11. It's Bad For Me (1955)
with The Benny Goodman Sextet
12. A Touch Of The Blues (1955)
with Paul Weston Orc.
13. Together (1957)
with The Hi-Lo's
14. Learnin' The Blues (1955)
15. Doncha Go 'Way Mad (1957)
with The Hi-Lo's
16. Sophisticated Lady (1956)
with Duke Ellington and his Orc.
17. Come Rain Or Come Shine (1956)
withNelson Riddle
18. Goodbye (1955)
with The Benny Goodman Sextet
Rosemary Clooney Sings Ballads (1985)
Rosemary Clooney
1. Thanks For The Memory
2. Here's That Rainy Day
3. The Shadow Of Your Smile
4. A Nightingale Sang In Berkeley Square
5. Bewitched, Bothered And Bewildered
6. The Days Of Wine And Roses
7. Easy Living
8. Spring Is Here
9. Why Shouldn't I
10. It Never Entered My Mind
■personnel
Rosemary Clooney (vocal)
Scott Hamilton (tenor saxophone)
Warrn Vache (cornet)
John Oddo (piano)
Ed Bickert (guitar)
Chuck Israels (bass)
Jake Hanna (drums)
…つづく
(Dec. 2012)
Best in my iPod <female vocal>
I miss you!
今はなき懐かしき歌声
Female Jazz Vocal
My Favourite Albums 2
1950年代がジャズの黄金時代だったというのはレコードという録音技術の進化と無縁ではないと思う。ぼくは1947年生まれなので、自分でジャズを聴くようになった頃にはビ・バップやクール・ジャズの時代から既にフリージャズのようなより難解なジャズの時代に入りつつあった。(日本に入ってきた時期はアメリカでの動きと必ずしもシンクロしていないようだけれど…) 同時に1960年代後半からはロックやフォークなどの新たなジャンルも生まれてジャズの一人勝ち時代は終わりを告げていた。
ぼくは昔はどちらかと言えば音楽ファンというよりは、オーディオファンに近かったけれど主に聴いていたのはクラシックの室内楽とジャズだった。当時のジャズファンはぼくのように少し昔のビ・バップやクール・ジャズ等に魅せられていた人間と、チャーリー・ミンガスやオーネット・コールマンのような前衛的な新しい波に魅せられたファンに二分されており、互いに相手を少し馬鹿にしていたかもしれない。ぼく自身は当時はそんな動き自体あまり関心もなかった。ジャズボーカルをよく聴くようになったのはCDになってからのことだ。
もう30年以上も使い続けているタンノイのスピーカーにCDデッキを繋いでみたら、昔からちょっと柔らかすぎるなと思っていたタンノイの音がキッと締まってきてこれまた昔のJBLみたいな味がでてきた。もちろんアンプが良くなったせいもあるけれどボーカルがとても好い具合に出る。それが発端で、今まで聴き逃してきた1950.60年代の特に女性ジャズボーカルにはまってしまった。
Abbey Is Blue
Abbey Lincoln
Abbey Lincoln(1930-2010)… ぼくはアビー・リンカーンの歌をそれほど聴いているわけではない。彼女の名前はぼくの大好きなドラマー、マックス・ローチ(Max Roach)の奥さんだったということで記憶していたくらいだ。
マックス・ローチは1950.60年代に人種差別問題に真っ向から立ち向かっていたミュージシャンで、ローチもメッセージ性の高いアルバム「We Insist」(1960)を出しているけれど、ぼく自身はそういうのはどちらかというと苦手な方で、それよりもローチのアフリカの大地に郷愁を感じさせるようなアルバム「Drums Unlimited」(1966)やその中のDrums Also Walzesの方がずっと素晴らしく感じている。
アビー・リンカーンはローチと結婚する前にローチの例のアルバム「We Insist」にも参加している。アビーがアルバム「Abby Is Blue」を出したのはその前年でその内容はアフリカ回帰の色彩が強いものだったから、その点でもローチとは意気投合していたのかもしれない。
アルバムのしょっぱなに入っている曲Afro-Blueはどう聴いたって今までのジャズとは違う。ストレートにアフリカの響きがする。このアルバムもある意味ではメッセージ性が強いと言えるかもしれないけれど、収録されている曲はどれも美しい。特にBrother, Where Are You?のメロディーは限りなく美しい。
1. Afro-Blue
2. Lonely House
3. Let Up
4. Thursday's Child
5. Brother, Where Are You?
6. Laugh, Clown, Laugh
7. Come Sunday
8. Softly, As In A Morning Sunrise
9. Lost In The Stars
10. Long As You're Living
■Personnel
Abbey Lincoln(vo)
→1,3,6,10
Tommy Turrentine(tp)
Julian Priester(tb)
Stanley Turrentine(ts)
Ceder Walton(p)
Bobby Boswell(b)
Max Roach(ds)
→2,4,5,7-9
Kenny Dorham(tp)
Les Spann(g,fl)
Wynton Kelly(p)
Phil Wright(p)
Les Spann(g,fl)
Sam Jones(b)
Philly Joe Jones(ds)
Trav'lin' Light
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Anita O'Day
Anita O'Day(1919-2006)…アニタ・オデイの名盤と言えばもう「Anita Sings the Most」(1958)と相場が決まっている。ぼくももちろんそう思っているけれど、どれが一番好きかと聞かれたらあえてこのアルバム「Trav'lin' Light」(1961)をあげたい。
このアルバムはAnita Sings the Mostの二年後に出されたアルバムだけれど、全編彼女が敬愛するビリー・ホリデーにささげられたオマージュになっている。そう思うとこのアルバムでのアニタの歌い方はどことなくビリー・ホリデーっぽい。
同じ曲をビリー・ホリデーのと比べた場合、ぼくはどちらかというとやり場のない切なさが前面に出てるビリーの歌よりももう少し洗練されたアニタの歌い方の方が気に入っている。
アニタはスタン・ケントンの楽団で歌っており、楽団の後続の歌手がジューン・クリスティーやクリス・コナーだったことを考えればクールなテイストであるのは頷ける。このアルバムの中ではぼくは特にDon't Explainが好きだ。ちょっとかすれ気味のアニタの声にビリー・ホリディの気怠さがのりうつったみたいで何とも言えない。
1. Trav'lin Light
2. Moonlooks Down And Laughs
3. Don't Explain
4. Remember
5. Some Other Spring
6. What A Little Moonlight Can Do
7. Miss Brown To You
8. God Bless The Child
9. If The Moon Turns Green
10. I Hear Music
11. Lover Come Back To Me
12. Crazy He Calls Me
■personnel
Johnny Mandel's Orchestra, featuring John Anderson, Al Porcino, Jack Sheldon, Ray Triscari (tp),
Stu Williamson (tp, tb), Lew McCreary, Dick Nash, Fran Rosolino (tb), Joe Maini (as, ts), Chuck Gentry (bs)
Larry Bunker (vib), Russ Freeman (p), Al Viola (g), Buddy Clark (b), Mel Lewis (d),
Johnny Mandel (arr, dir.). Los Angeles, January 18, 1961.[1, 3& 9-12]
Don Fagerquist (tp), Ben Webster (ts), Jimmy Rowles (p), Barney Kessel (g),
Buddy Clark (b), Mel Lewis (d), Russ Garcia (arr.). Anita O’Day and Barney Kessel only on (8).
Los Angeles, January 19, 1961.[2 & 4-8]
⇒名盤のこれももちろん好い。選曲、バックのメンバーを見ても言うことなし。
ANITA SINGS THE MOST (1958)
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Anita O'day
1 'S Wonderful/They Can't Take That Away from Me
2 Tenderly
3 Old Devil Moon
4 Love Me or Leave Me
5 We'll Be Together Again
6 Stella by Starlight
7 Takin' a Chance on Love
8 Them There Eyes
9 I've Got the World on a String
10 You Turned the Tables on Me
11 Bewitched, Bothered and Bewildered
■personnel
Anita O'day (vo)
Oscar Peterson (p)
Herb Ellis (g)
Ray Brown (b)
Milt Holland (ds)
John Poole (ds)
…つづく
(Nov. 2012)
Best in my iPod <female vocal>
I miss you!
今はなき懐かしき歌声
Female Jazz Vocal
My Favourite Albums 1
思えば1950-60年代はフィーメール・ジャズ・ヴォーカルの黄金時代だったのかもしれない。Bille HolidayやElla Fitzgeraldなどの1910年代生まれの世代から、1930年代生まれのHellen MerrillやNina Simoneに至るまで黒人・白人シンガーを含めて実に多様で素晴らしいシンガーたちがキラ星のごとく並んでいる。
彼女たちが歌声を競っていたのがその時代だった。残念なことにそのかなりのシンガーが今はなく、ステージでその歌声を聴くことはできない。でも、幸いなことに彼女たちの生きた時代がレコードという彼女たちのすばらしい歌声を残す技術に間に合ってくれたことに感謝しなければならないと思う。好きなアルバムを聴きながら少しづつ彼女たちが輝いていた時代を偲んでみたいと思う。
(Album/Artist)
Dinah Sings and Previn Plays
Dinah Shore
Dinah Shore (1916-1994)ダイナ・ショアといえば日本では「青いカナリア Blue canary」で知られているけれどジャズ・シンガーとしてはあまり馴染みが無いと思う。もっともBlue Canaryが流行ったのは1950年代の前半だからぼくだってちゃんと知っているわけではない。なにしろまだ小学校に入ったころなのだから。
子供の頃の曖昧な記憶の中でラジオの向こうから聴こえてくる彼女の軽快なBlue Canaryがぼくの耳の底に残っている。少しビブラートのかかった、か細いようでそれでいて伸びのある声。今のぼくらの身の回りに溢れている日本流にアレンジされたアメリカ文化。そうではなくて彼女の歌声は生のままの異文化としてのアメリカ文化を当時の子供のぼくに感じさせた。
実はジャズ・シンガーとしての彼女の歌を聴くようになったのは最近になってのことだ。それはこのDinah sings and Previn plays(1960)というアルバムに出会ってからのことだ。アンドレ・プレヴィンのピアノでダイナがスタンダード・ナンバーを歌っている。このアルバムは1960年の録音、ダイナが44歳の時の作品だから歳を重ねていい味が出ている。
か細くて、ちょっとヴィブラートのかかった彼女の声は昔のままだけれど、プレヴィンのピアノと一つに溶け合った彼女の歌声はBlue Canaryの頃とは全く違う大人の世界を創り出している。どの曲も心に響く出来だけれど、特にI'll be seeing youは聴いていて胸が苦しくなる程の情感をもって迫ってくる。
この曲自体ぼくは大好きで今まではBilli Holidayのものがベストと思っていたけれど、それにも引けを取らない。と言うか、全く雰囲気も違うのだ。ビリー・ホリデーの歌が闇の向こうから聴こえてくるとすれば、ダイナ・ショアの歌は背中から懇願するように聴こえてくる感じなのだ。切なくて身をよじるような哀感がある。この一曲を聴くだけでこのアルバムを手に入れる価値はあると思う。
Performance
Dinah Shore - vocals
Red Mitchell - double bass
André Previn - piano
Frank Capp - drums
1. The Man I Love
2. April In Paris
3. That Old Feeling
4. I've Got You Under My Skin
5. Then I'll Be Tired Of You
6. Sleepy Time Gal
7. My Melancholy Baby
8. My Funny Valentine
9. It Had To Be You
10. I'll Be Seeing You
11. If I Had You
*ぼくの持っているのはプレヴィン・アルバム集に含まれているデジタルリマスター版だけと、さらに4曲分のボーナストラックが付いているアルバムもあるようだ。
Dinah Shoreを含めて「I'll be seeing you」が収録されているアルバムの中では以下がぼくのBest5。
1.Dinah Shore/Dinah sings and Previn plays
2.Billi Holiday/Billi Holiday Complete Commodore Recordings
3.Carmen McRae/When you are away
4.Rod Stewart/It had to be you The Great American Songbook
5.Tony Benett/Tony
(artist/album)
*3のカーメン・マックレーのものもとても素晴らしく、1.2.3は甲乙つけがたいものがある。
Blossom Dearie Sings Comden and Green
Blossom Dearie
Blossom Dearieブロッサム・ディアリー (1924-2009)もあまり日本では知られていないジャズ・シンガーだと思う。もとはピアニストらしいけれどその甘ったるい声は、顔つきで言えばベビー・フェイスという言葉があるが、その声版のベビー・ボイスといった感じだ。彼女の歌声を最初に聴いた時にはマリリン・モンローかと思ったけれど、よく聴くとそれよりも漫画のベティ・ブープみたいだ。実際、一時期は彼女の声は「ビ・パップのベティ・ブープ」と呼ばれていたみたいだ。
そう聞くと、なんかちょっと際物の歌手みたいに思えるけれど、可愛い女心を歌わせたらどうしてどうして侮れない歌い手だ。彼女のヒット・アルバムBlossom Dearie Sings Comden and Green(1959)はミュージカルの大御所である作詞家のBetty Comdenと作曲家Adolf Greenのコンビのナンバーを実に洒脱で可愛く歌い上げている。このコンビはミュージカルの「踊るニューヨーク」や「雨に歌えば」、「バンド・ワゴン」などぼくの一世代上のオジィサンたちが聞いたら感涙にむせぶような名作の作者なのだ。このアルバムの中でも1曲目のLuckey to be meや2曲目のJust in timeなどは三十半ばのオバサンの歌声とは思えないほど可憐な感じがする。なんと演奏陣も半端ではないぞ。
Performance
Blossom Dearie - vocal and piano
Kenny Burrell - guitar
Ray Brown - double bass
Ed Thigpen - drums
1. Lucky To Be Me
2. Just In Time
3. Some Other Time
4. Dance Only With Me
5. I Like Myself
6. The Party's Over
7. How Will He Know
8. It's Love
9. Hold Me, Hold Me, Hold Me
10. Lonely Town
…つづく
(Nov. 2012)
The Best in my iPod <Zoo>
音楽動物園
Zoological
Music
Best 10
考えてみたけれど曲のタイトルに動物の名前が入っているのは思ったほどは多くないみたいだ。クラシック音楽で有名なのはサンサーンスの「動物の謝肉祭」だが、ジャズなどにもいくつかは動物の名前が入っている曲がある。その中から良く聴く曲を挙げてみた。(表記:曲名/アルバム名/アーチスト名)
The Cat
The Cat
Jimmy Smith
猫は動物園に居ないけれど猫好きのぼくとしてはこれを外すわけにはいかない。以前も書いたけれどこのアルバムは学生の頃ジャケットの写真が気に入ってLPを買ったのだけれどジミー・スミスのサウンドがいっぺんで好きになってしまった。猫の曲では杏里の歌ったCat' eyeのほかにも小曽根真のCat Dance、Cat Patrolもある。変わったところでは芥川也寸志の作曲による「猫と庄造と二人のをんな(毛利蔵人編曲)」なんていうのもある。
Lullaby For Rabbit
WIZARD OF OZONE～小曽根真ベスト・セレクション
小曽根真
彼の曲には先にあげた猫の曲やこのウサギの曲の他にもDoes Your Dog Bite?なんていう洒落たタイトルの曲や、軽快なWild Goose Chaseなど動物の名前が入った曲が多い。このウサギのための子守唄は特に後半のベースとの掛け合いでみせるウサギが跳ねているようなピアノの可愛さが素敵だ。彼の曲はどれも好いけれど特に動物の名前が入った曲は特に発想が活き活きとしていて演奏ものっているような気がする。
犬
月天心
一青窈
いきなり強烈なロック風のイントロに続いて「犬になりたいよ～」という一青窈のシャウトでちょっとびっくりする。彼女の曲はハナミズキみたいに時々歌詞がとてもエキセントリックなものがあって、それがまた不思議な魅力になっているところもある。このアルバムにはヒット曲「もらい泣き」も入っていて楽しめる。
Le Carnaval des Animaux - L'El phant
Saint-Saens - Carnaval Des Animaux
Martha Argerich
サンサーンスの「動物の謝肉祭」はクラシックの中でも、理屈抜きに楽しめる曲だと思う。ぼくはその中でも特にこのアリゲリッチのアルバムが気に入っている。録音も好いし聴いていてワクワクする。この謝肉祭の中の象の部分は重厚なコントラバスの音がいかにもゾウがノッシと歩いているという雰囲気がして楽しい。動物の謝肉祭は雄々しいライオンに始まって、鶏、ロバ、亀、カンガルー、カッコウそして白鳥と各楽器の音色の特徴を活かした曲が続き聴いているものを片時も飽きさせない。こんなクラシックを学校で子供の頃聴かせてくれてたらもっと早く音楽が好きになっていたのに、である…
Buffalo Gals
The Girl Singer (Bluebird's Best)
Rosemary Clooney
ローズマリー・クルーニーはぼくの大好きなシンガーだ。この曲「Buffalo Gals」はテンポの速いC&Western調の曲だ。このアルバムは1960年前後の曲を集めたアルバムだと思うが、この頃のクルーニーはぼくの好きなジャズ歌手としてのクルーニーとはちょっと違う。もともと彼女は1945年に「Come on-a my House」で全米ヒットして一躍有名になった。歌手の位置づけとしてはその少し前に「センティメンタル・ジャーニー」でブレイクしたドリス・デイのようなポップス歌手だったみたいだ。でも、その頃の彼女のことはぼくはよく知らない。
ぼくはどちらかといえば晩年に近い彼女の歌の方がずっと好きだ。だからこのアルバムを聴いた時はちょっと落胆したことを覚えている。1987年に出た、ぼくの大好きな彼女のアルバム「Sings Ballads」はフィーメール・ジャズボーカルの至宝だと思っている。しかし、そこに至る道のりとしてのこのアルバムのことを考えると、それはそれで好いと今は思っている。ちなみに、俳優のジョージ・クルーニーは彼女の甥にあたる。
Alligators All Around
A Natural Woman: The Ode Collection 1968-1976 [Disc 2]
![A Natural Woman_ The Ode Collection 1968-1976 [Disc 2].jpg](/_images/blog/_bb1/gillman/A20Natural20Woman_20The20Ode20Collection201968-1976205BDisc2025D.jpg)
Carole King
昔よく聞いた歌手でも今は殆ど忘れてしまっている歌手もいれば、年を経るにつれて自分の中で段々と価値を増してゆくというか、存在感が大きくなって行く歌手もいる。キャロル・キングはぼくにとってそんな歌手の一人だ。むろん昔だって好いなぁと思って聴いていたけれど今はもっと心に浸みる。ひとつには彼女の歌が青春の激情に身を任せたような歌だけでなく、日常のありふれた感情を歌ったものがあるからかもしれない。このワニだらけという歌はドレミの歌のように歌詞に独自の工夫がされている。Alligators all aroundのAに始まってBの bursting balloons、そして最後のZのzippity sound(ジッパーを閉める音)までアルファベットのイニシャルが全て歌詞に入っている。ああ、そういえば、彼女の大ヒット作の「タペストリー」にも動物が出てきた。ヒキガエルだったかな。
風に立つライオン
さだまさし Best(Special)
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さだまさし
さだまさしの歌は一つの物語になっているものが多いけれど、これもその一つ。歌というよりも、日本に残してきたかつての恋人にしたためた手紙の朗読のような詩で始まる。母国を離れアフリカの奥地で医療に携わる若者の手紙の形式で。「…ナイロビで迎える三度目の四月が来て、いまさら君といった千鳥が淵で見た桜が恋しくて…、ビクトリア湖の朝焼け、百万羽のフラミンゴが一斉に飛び立つ時暗くなる空や…、…、何よりぼくの患者達の瞳の美しさ…、…やはりぼくたちの国は残念だけど何か大切なところで道を間違えたようですね…」そしてアフリカにとどまる決心をした青年は「風に立つライオン」のように生きたいと、手紙を結ぶ。
Tiger Rag
アカペラ
The Gospellers
ゴスペラーズは今や日本で確固たるジャズ・ボーカルグループとしてのポジションを得たと言っていいと思う。このアルバム「アカペラ」には彼らのセンスと実力が如実に出ていると思う。日本のオリジナル曲はもちろん彼らの見せ場であることは確かだけれど、スキャットを中心としたナンバーだって充分魅力的なことを教えてくれた。マンハッタン・トランスファーのように洒脱で息の長いグループとして活躍して欲しいと思う。
Bach Sheep may saftly graze, BWV.208
Gary Karr Plays Bach
Gary Karr
BWV208「羊はやすらかに草を食み」 羊はキリスト教における象徴的な動物なので色々な教会音楽に出てくる。バッハの曲をゲーリー・カーはコントラバスで演奏する。この曲はチェロやパイプオルガンなどで演奏とされるがカーのコントラバスは他のどの楽器の演奏にも負けないほどの精神性を持っている。彼のもう一つのアルバム「アルペジオーネ・ソナタ」ではシューベルトの本来はチェロで演奏されるパーツを滔々とコントラバスで演奏している。それも素晴らしい。
Bull Rider
...Featuring Norah Jones
Norah Jones & Sasha Dobson
ノーラ・ジョーンズを初めてアルバム「Come Away With Me」で聴いた時はなんとも形容のしがたい感動のようなものに襲われた。カントリーのような、ジャズのような、それでいてどちらとも違う。ちょっと気だるいけれどもロックのようにフラッパーでもない。その味は最新のアルバム「Little Broken Hearts」でも益々洗練されているように思う。
(June 2012)
The Best in my iPod <Music>
My Best 5
流行歌
(後篇)
流行歌は誰のものか？
一昔前までは流行歌というのはそれをヒットさせた歌手のものだとされていた。だからそれを他の歌手が歌ったり録音することは殆どなかったと言っていい。
それは一つの流行歌が生まれヒットするまでの努力、つまり一つは著名な作曲家や作詞家に歌を作ってもらえるようになるまでの努力、そして歌が生まれてからは地方のレコード屋の店先でのミカン箱かビールケースの上での歌唱から始まって、有線局回り、放送局回りと涙ぐましい努力の果てにやっと数十曲に一曲のヒット作にたどり着く、そんな背景を持っていたからかもしれない。
その基本的な図式は今でも変わらないかもしれない。変わったとすれば、昔に比べて著作権と言う考え方が普及して作曲家や作詞家の権利にも目が向くようになって、流行歌というものが歌手だけではなく作曲家、作詞家そして聴衆と時代というものの複合体であったという認識が強くなってきたこと。
そしてもう一つは流行歌の発生から早一世紀を経て、いわばその音楽的な遺産ともいうべきものが数多く残されておりこれを捨て去るのは惜しいという意識が出てきたことかもしれない。前篇に続いて残りの5曲をチョイス。
なごり雪
Reminiscence
庄野真代
Original:1974年 かぐや姫/イルカ(1975)
元はかぐや姫が歌った曲だが、大ヒットしたのはイルカが歌ってからだと思う。カバーバージョンの方ががヒットしたという例だ。ぼくも覚えているのはイルカが歌ったバージョンの方だ。この頃から競作やカバーというものが出始めたのかもしれない。「なごり雪」という言葉は無いが、冬の終わり春の初めに訪れる人との別れのなごり惜しさを降る雪に託したのだろう。
この庄野真代の「なごり雪」はハスキーな声でちょっとだるそうな、いかにもこの40年間の時代の隔たりを感じさせるようなものだ。イルカが歌っていたストレートな哀愁というものはもしかしたら昭和のあの時代の空気だったのかもしれない。
1974年、この年ぼくは就職した。第一次オイルショックの就職難を乗り切り就職が決まったのに入社前研修の最終日、人事部との面接で生意気な暴言を吐いたためか、入社と同時にいきなり関連子会社に出向させられた。小野田少尉がルバング島から帰還、ニクソン大統領がウォーターゲート事件で辞任、ぼくはリチャード・バックの『かもめのジョナサン』を読んでは自分をなぐさめていた。イルカの「なごり雪」がいやに心に染みた。
時の過ぎゆくままに
「10年」～70年代の歌たち～
クミコ
Original:1975年 沢田研二
この前久しぶりにテレビで沢田研二を見たら、ちょっといけないものを見てしまったような気になった。天地真理以来のショックか。このクミコの歌は実に情感が豊かでシャンソンめいた香りさえする。それに比べると70年代はパワーの時代だったのかもしれない。
この年1975年にぼくは結婚した。上司に平日は仕事が忙しいのだから結婚式は土曜日にしろと言われて土曜日にした覚えがある。知らなかったのだが、その日は自分の会社の創立記念日だった。ぼくは入社即、出向されられていたから本社の創立記念日などは頭になかった。お陰でその後本社に戻ってからは創立記念のイベントがあるので毎年結婚記念日を忘れることは無かった。
その年の頭を過ること…。ザ・ピーナツが引退したこと、三木首相が右翼に襲われたこと、沖縄海洋博が開かれたこと、その頃まだ高かったテニスのテレビゲームを買ったこと、街に布施明の「シクラメンのかほり」が流れていたこと。
卒業写真
The Cover!
Hi-Fi Set
Original:1975年 荒井由美
ぼくが当時良く聴いていたのは荒井由美(松任谷由美)の方ではなくて、Hi-Fi Setのアルバム「卒業写真」に入っていた歌の方だと思う。大学時代はジャズとクラシックばかり聴いていたけれど、就職してからはコンサートやライブに行く時間も無く精神的にも軽めのものを求めるようになっていたのかもしれない。
この「卒業写真」は今ではカバー曲の典型的なものになって多くのカバー曲集に顔を覗かせている。ぼくのiPodにも8人位のアーティストの歌で入っているけれど、その中でも山本潤子、松山千春、徳永英明、コブクロの歌が特によかった。カバー曲の一つの醍醐味はその曲が各々のアーティストのもつ「スタイル」でどう変化し新しい顔を見せてくれるかということにあると思う。
津軽海峡・冬景色
カバー・ベスト・コレクション
テレサ・テン
Original:1977年 石川さゆり
流行歌の中でも特に演歌は自分の持ち歌という感覚が強い分野だと思う。この津軽海峡冬景色は阿久悠の詩の斬新さもあって、演歌の領域を超えて広く長くヒットして行った。この曲は余りにも石川さゆりという歌手と一体になっていたので、世間では長いこと他の人間の歌で聴きたいとは思わなかったかもしれない。それでもカバーアルバムの広がりに呼応するようにここ数年でカバーされる局の中に入るようになってきた。
この曲のカバー歌手としては森進一はすぐ浮かんでくるが、あがた森魚やアンジェラ・アキ、山崎まさよし等は意外性があって愉しかった。ぼくはそんな中でもこのテレサ・テンのものが好きだ。彼女の歌声と感性は日本の演歌にアジアの翅を与えてくれるような気がするからだ。
70年代は流行歌の黄金時代と言っても好いかも知れない。これからもそれらの歌は新しいアーティストのスタイルを通して生き続けてゆくと良いと思っている。
少年時代
YOSUI TRIBUTE
忌野清志郎
Original:1990年 井上陽水
数あるカバー・アルバムの中でぼくが一番好きなのがこのYOSUI TRIBUTEだ。井上陽水の曲を様々な歌手が歌っている。
1. 夢の中へ / TRICERATOPS
2. 東へ西へ / 布袋寅泰
3. 心もよう / 平原綾香
4. リバーサイド ホテル / 奥田民生
5. いっそ セレナーデ / 小野リサ
6. 限りない欲望 / Bank Band
7. カナリア / ジェーン・バーキン
8. 傘がない / UA
9. いつのまにか少女は / 持田香織
10. とまどうペリカン / 松任谷由実
11. 白い一日 / 玉置浩二
12. ワインレッドの心 / DOUBLE
13. ジェラシー / 一青窈
14. 少年時代 / 忌野清志郎
驚くほどのバラエティーである。その最後を飾っているのが、忌野清志郎の少年時代だ。残り少ない夏休み。夏の光を浴びて伸び伸びと遊びまわる少年がふと空を見上げる。そんな少年の中に流れている時間の清々しさが忌野清志郎の声を通じてぼくらの心に響いてくる。流行歌はこれからも何度も生まれ変わってゆくと思う。
(Feb. 2012)
私も干ダラのコロッケを食べましたが、とっても美味しかったです。
みんなおかわりしていました（笑）
鰯のグリルも食べたのですが、まるで塩焼きのようでした。
ポルトガルのお料理は日本人の口に合いますね^^
by kuwachan (2015-12-04 13:04)
はじめまして。
ご訪問ありがとうございました。
ポルトガル、いいですね~。
いつか行ってみたい国です。
子供の頃、父親がアマリア・ロドリゲスのレコードを
よくかけていたのを思い出します。
ポルトワインを飲みながら、
本場のファドを聴いてみたいです。
by enpoko (2015-12-06 02:42)
美しい景色ですね＾＾
こんな素敵なレストランで食事をしてみたいものです。
by y* (2015-12-06 17:41)
今日は壇一雄のいいお話を聞かせていただきました。読んでみます。
by JUNKO (2015-12-06 18:32)
お手紙にも 文才を感じます。娘思いの父親だったんですね。
by aya (2015-12-06 19:21)
こんばんは。
壇一雄の手紙、出だしからしてすばらしいですね。こんな魅力的な手紙をもらったら、お父様が火宅の人でも愛さずにいられないだろうと思いました。
最初のお写真が好きです。厳しい景色だなと感じました。日本にはない厳しさというのか、人を寄せつけない感じがします。
by coco030705 (2015-12-06 21:32)
広角なジャズの香りが伝わります。
by mwainfo (2015-12-08 23:10)
先日はご訪問ありがとうございました。
ゆっくり再訪問させていただいております。
壇一雄「火宅の人」、こんな風景を眺めながら書かれたんですねぇ。
意外でした。
バッカラはイタリアで干したタラのことで、やっぱりジャガイモを茹でたものと
一緒に料理したりするのを頂いたことあります。
コロッケにはなってなくて、風味のいいペーストだったです。
丸めて揚げる手間がかけられれば、これはいつか是非試してみたい一品。
ポルトガル、一回行ってみたいです。ファドとか好きなんです。
by nicolas (2015-12-09 20:29)
ポルトガルには「ダン」という名前のワインがあるそうですねえ。
檀一男さんと團伊玖磨さんが対談している記事に載ってましたっけ。
それにしても素敵な場所．．．ここで地が終わり海が始まる、ホントですね。
by ナツパパ (2015-12-11 14:24)
きれいな海ですね。
ポルトガルは、まだ、行ったことはありませんが、段々行きたくなりそう。
by テリー (2015-12-22 11:55)